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47. Theatertreffen der Jugend Vorwort Susanne Chrudina Leiterin Treffen junge Szene Auswahl Theatertreffen der Jugend 2026 ALICE im Wunderl@nd ANNE APOLLON – STOP TRYNA BE GOD FRISCH gefragt! Mission (im)possible – in the end lies the beginning TRAUER//FALL Zum Lachen in den Keller Delegierte Jury Kuratorium Statistik Treffen junge Szene 2 4 8 12 16 20 24 28 32 36 38 39 40
Vorwort „Ich sehe doch, dass sich die Geschichte anscheinend immer und immer wieder wiederholt.“ (APOLLON – STOP TRYNA BE GOD) „Deutschland, warum bist du so? Es ist okay, traurig zu sein, nach alldem, was hier passiert ist.“ (TRAUER//FALL) Unsere Zukunft gestalten wir jetzt! Die Welt lehrt uns das Fürchten – durch Krisen, Konflikte und Unsicherheiten. Und doch wächst eine junge Generation heran, die uns mit Energie und Kreativität Hoffnung für die Zukunft schenkt. So viele selbstbewusste, reflektierte und politische Inszenierungen mit Sinn für Diversität, Gemeinschaft und gesellschaftliches Engagement haben uns in diesem Jahr erreicht. Für die Jury war es eine schwere Aufgabe, aus den über 100 Bewerbungen die sieben Preisträger*innen-Produktionen auszuwählen. Die prämierten Arbeiten der 47. Ausgabe des Theatertreffen der Jugend sind gleichsam kraftvoll und sensibel. Alle jungen Theaterschaffenden eint ein ausgeprägtes politisches Anliegen und das Verantwortungsbewusstsein für die Zukunft, das sie durch ihre theatralen Arbeiten zum Ausdruck bringen. Die vielfach personenstarken Ensembles vertreten unterschiedliche Perspektiven und kulturelle Hintergründe, nicht selten sind mehrere Sprachen auf der Bühne zu hören. Die Produktionen entführen uns in den Keller eines Wohnhauses, nach Delphi vor das Tor der Götter, ins Wunderland, in das Universum von Held*innen, geleiten uns durch die fünf Stadien der Trauer, in ein Hinterhaus nach Amsterdam und bis ins Angesicht des Todes. Die Stücke beschäftigen sich mit dem Erwachsenwerden im Kontext von Flucht, Migration und Polykrisen. Welche Held*innen braucht es heute, um die Welt zu retten? Die jungen Künstler*innen reflektieren Identitätsentwicklung unter dem Einfluss von Social Media und die Suche nach dem eigenen Platz in der Gesellschaft als junge Menschen mit und ohne Behinderung. Thematisiert werden Ängste, Trauer als privates und kollektives gesellschaftliches Phänomen, Gefühle von Macht und Ohnmacht. Ein rein männlich ge- lesenes Ensemble spürt dem „männlichen Erbe“ nach und begibt sich auf die Suche nach zukünftigen Rollenbildern. Ein weiteres Ensemble beschäftigt sich mit dem Leben und Wirken von Anne Frank. So wird Erinnerung zur wichtigen Arbeit an der Gegenwart. 2
Zu erleben sind Performances, inklusive und intergenerative Produktionen, äußerst physische Bühnensprachen mit Tanz und Choreografien, Videokunst, Musiktheater mit Live-Musik und Original-Kompositionen, dokumentarisches Theater, mythologische Stoffe und Figurentheater. Hier betreten junge Künstler*innen die Bühne, die überzeugt sind von der tiefen Notwendigkeit, ihre Anliegen zu formulieren. Vielen Dank an die Jury für das Suchen und Finden dieser bemerkenswerten Thea- terarbeiten. Zu tiefem Dank verpflichtet bin ich allen Kolleg*innen der Berliner Festspiele, die mit vollem Einsatz ihr Bestes geben, diese jungen Theaterarbeiten strahlen zu lassen. Dem Team der Treffen junge Szene gebührt all meine Hochachtung und Dankbarkeit für die liebevolle und unermüdliche Arbeit an diesem Festival. Ohne die engagierte, treue und beispielhafte Förderung des Bundesministeriums für Bildung, Familie, Senioren, Frauen und Jugend wäre dieses besondere Treffen junger Theaterschaffender nicht möglich. Für Ihre Unterstützung bin ich Ihnen dankbar und verbunden. Mein Dank geht in diesem Jahr auch jenseits unseres Bundeswettbewerbs aus- drücklich an alle Künstler*innen, Regisseur*innen, Lehrenden und Gruppenleitungen, die mit großem Einsatz und Energie Kreativräume für junge Theaterschaffende und Menschen öffnen und auch erhalten. Die künstlerischen Ergebnisse dürfen wir mit großer Freude jährlich im Rahmen unserer Treffen präsentieren. Die Arbeit dieser Menschen erweitert Horizonte, bereichert Perspektiven, lässt junge Menschen so vielseitig und intensiv lernen, und kann Leben verändern. Ebenso danke ich allen fördernden Akteur*in- nen, Institutionen und kulturpolitischen Entscheidungstragenden für die Ermöglichung dieser Räume. Seien Sie gewiss, dies ist eine Investition in die Zukunft, in die Zukunft junger Menschen, aber auch in die Zukunft unserer demokratischen Gesellschaft. Wir benötigen Klugheit, Kreativität, Weitblick und Empathie, um den zukünftigen Herausfor- derungen gewachsen zu sein. Liebe Künstler*innen des Theatertreffen der Jugend – ihr baut die Zukunft, jetzt! Herzlich willkommen und danke, dass ihr da seid! Susanne Chrudina Leiterin Treffen junge Szene „Wieso erfinden Menschen Systeme, die Menschen zerstören?“ (Zum Lachen in den Keller) „Wir sind bunt, wir sind laut und wir sind viele! Lasst uns einfach neue Gesetze machen! Lasst uns diese Welt gemeinsam gestalten!“ (ALICE im Wunderl@nd) 3
ALICE im Wunderl@nd Theater AG der Georg-Christoph-Lichtenberg-Gesamtschule Göttingen Niedersachsen Mit Helena Anton, Ole Bartel, Emma Clara Di Bartolo, Lea Dormeyer, Findus Frerichs, Tomke Freymuth, Franka Hiller, Maja Jünemann, Helena Kessler, Madita Kuschel, Jette Laschke, Mara Neumann, Isalie Perschke, Florentine Peukert, Oskar Piskurek, Erik Röhling, Robyn Schlüter, Meije Schöningh, Marlene Strommer, Hannes Weberschock, Kai Winchell, Mia Windel, Bjarne Wolf, Jonte Wolf, Marlene Zachowski Jule Lennartz Gesang und Gitarre Michel Wesemann Bass & E-Gitarre Lukas Baumann Keys Janis Agster Schlagzeug Oskar Piskurek Songwriting & Gesang Raupen-Song Agnes Giese, Laura Kohlhoff, Katrin Schultheis-Joos, Sebastian Wartini Leitungsteam Jule Lennartz Musikalische Leitung & Songwriting Gregor Ehmer, Lena Laschke, Len Stieg, Mathis Wöhrle Teamer Elena Kortenhaus, Mathis Wöhrle Requisite & Kostüm Ole Bartels, Emil Kordowski, Matthias Linnemann, Oskar von Ohlen Video Design, Reels & Bühnenbild Mateo Di Bartolo, Lukas Enders, Milena Furcht, Moritz Großkopf, Julian Kantelhardt, Joost Linne, Len Loeser, Luis Müller, Luca Nitschke, Tjorven Sturm, Ryan Oberle Forumstechnik Sa 30.5.2026 20:15 Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne 5
Produktion und Ensemble In Anlehnung an den Klassiker Alice im Wunderland begeben sich die Jugendlichen der jahrgangsübergreifenden Theater-AG auf die Suche nach sich selbst und ihrem Platz in unserer Gesellschaft. Ein besonderer Fokus wird dabei auf die Herausforderungen der digitalen Welt und die Einflüsse von Social-Media-Plattformen auf die Identitätsentwick- lung junger Menschen sowie die Angreifbarkeit von demokratischen Wertvorstellungen gelegt. Durch die Begegnung mit diversen Influencer*innen verliert sich Alice in einem digitalen Kaninchenbau, dem sogenannten Rabbit Hole. Im Land der Wunder werden die Influencer*innen zu skurrilen Figuren, die dazu einladen, neue Perspektiven und Lebens- wege zu erforschen, Krisen zu überwinden, sich politisch zu positionieren und Erkenntnis- se zu gewinnen – immer den Fragen folgend: Wer bin ich? Wie soll/möchte ich sein? Wie darf ich sein, in einer pluralistischen und vielfältigen Gesellschaft? In was für einer Welt möchte ich nach welchen Regeln leben? Versuche von Lebensbewältigung in Zeiten von Beeinflussung und Auseinanderset- zung mit Inhalten von TikTok, Instagram und Co. inmitten der Pubertät stehen im Fokus. Die Fragen und Anliegen junger Menschen in einer Zeit von Polykrisen und Unsicher heiten des Erwachsenwerdens werden thematisiert und theatral sowie musikalisch bearbeitet. Songs, die von der Band BanJo eigens für dieses Stück geschrieben wurden, tragen zum Erzählen der Geschichte bei. Die Songs geben Impulse zum Nachdenken und erzeugen eine ganz besondere Wunderland-Atmosphäre. Agnes Giese ist studierte Schauspielerin (Universität der Künste Berlin), Theaterclubleiterin und Schauspieldozentin. Seit 1996 ist sie Ensemblemitglied am Jungen Theater (JT) Göttingen. Zuvor spielte sie am Theater 89 Berlin, dem GRIPS-Theater und dem Staatstheater Kassel. Sie realisiert seit vielen Jahren Theaterprojekte mit Jugendlichen, sowohl im JT-Jugendclub als auch im Schultheater. Laura Kohlhoff ist Lehrerin für Darstellendes Spiel (Universität der Künste Berlin) und Theaterpädagogin (Landesarbeitsgemeinschaft Spiel und Theater NRW). Sie hat seit ihrer Jugend zahlreiche inner- und außerschulische Theaterprojekte entwickelt, seit 2015 leitet sie die Theater-AG der Georg-Christoph-Lichtenberg-Gesamtschule. Katrin Schultheis-Joos ist Lehrerin für Darstellendes Spiel, hat sich am Europäischen Theaterinstitut in Berlin im Bereich Schauspiel ausbilden lassen und später in Hamburg die Ausbildung zur Spielleiterin absolviert. 2002 trat sie mit der JugendTheaterWerkstatt Spandau im Haus der Berliner Festspielen auf. Seit 2023 ist sie Teil des Leitungsteams der Theater-AG der Georg-Christoph- Lichtenberg-Gesamtschule. Sebastian Wartini ist Lehrer für Darstellendes Spiel. Er ist als Tänzer und Musicaldarsteller in der Jugend mit Theater in Kontakt gekommen und hat seitdem in vielen verschiedenen Projekten gespielt, getanzt und konzeptionell gearbeitet – seit 2019 ist er im Leitungsteam der Theater-AG der Georg-Christoph-Lichtenberg-Gesamtschule. 6
Jurykommentar Doomscrolling: When you keep scrolling through all of your social media feeds, looking for the most re- cent upsetting news about the latest catastrophe. The amount of time spent doing this is directly proportional to how much worse you‘re going to feel after you‘re done. “Dude! Stop doomscrolling, it‘s only going to make you feel worse!” “I can‘t! The dopamine loop is too strong!” - Urban Dictionary Alice fällt in Lewis Carrolls Roman ins Wunderland, dessen Regeln sie gnadenlos ausgeliefert ist. Ziellos hangelt sie sich von einer verrückten Situation zur nächsten und begegnet dabei vielen bizarren Charakteren. In der Bearbeitung ALICE im Wunderl@nd der Theater-AG der Georg-Christoph- Lichtenberg-Gesamtschule aus Göttingen fällt Alice kopfüber in dieses andere Rabbit Hole, nämlich beim Doomscrollen auf TikTok. Hier ist sie den Regeln von Social Media ausgesetzt und stolpert von Reel zu Reel. Mit konstant hoher Stärke gelingt es dem Ensemble, mit facettenreichem und urkomischem Schauspiel eine Atmosphäre des Ab- surden zu schaffen. Alice begegnet autokratischen Strukturen, aus der Zeit gefallenen Frauenbildern und einer verunsicherten Gesellschaft, die auf der Suche nach Freiheit und sich selbst in Unsicherheit zu stagnieren scheint. Im Wunderl@nd angekommen, schafft das große Ensemble der IGS Göttingen umso größere Bilder: Mit aufwändigen Kostümen, einer mitreißenden Live-Band und mit enormer Spielstärke, die dem surrealen Charakter des Originals gerecht wird, führen uns klassische Figuren wie Kaninchen, Grinsekatze und Teegesellschaft mit viel Humor durch den Abend. Mehrfachbesetzungen werden kreativ ausgestaltet und evozieren in ihrer gekonnt asymmetrischen Synchronität ein Gefühl des Träumerischen, eines Spiegelkabinetts in einer anderen Dimension. Alice verweilt jedoch in dieser Bearbeitung nicht in Passivität, will nicht schweigen und wegsehen. Sie wird zum Funken der Revolution. Mit einem selbstgeschriebenen Song der vergeisterten Raupe politisiert sie Partygesellschaft wie Publikum, was der Königin gar nicht gefällt. Alice schaut nicht mehr tatenlos zu und stellt sich der Königin. Sie transformiert das Rabbit Hole, durch das sie eingangs ins Wunderl@nd gezogen wurde, zum Ringlicht und erhebt ihre Stimme – das finale Reel des Abends. Sie spricht sich für eine bunte Gesellschaft aus, die gemeinsam ihre Zukunft gestaltet und gegen die Gefahr, sich in einer mit Meinungen überladenen Welt fremdbestimmen zu lassen. Wir alle sollten selbstbestimmt agieren und für die eigenen Werte einstehen, „denn wir sind frei und wir sind laut!“ Ilias Botseas 7
ANNE Piccolo Theater Jugendklub Cottbus, Brandenburg Mit Frieda Becker, Hermine Jähne, Maja Kuschnir, Laurenz Lorenz, Charlie Müller, Weronika Musialowska , Lena Patzelt, Lina Patzelt, Lamara Schröder, Celina Siegfried, Isabella Stutzmann, Carl Ferdinand Thomas, Arian Wolff Matthias Heine Spielleitung, Textfassung, Schreibworkshops, Dramaturgie Zaida Ballesteros Parejo Choreografie Sven Mühlbach, Konstantin Walter Licht, Technik, Musik Matthias Heine, Veronica Silva-Klug Bühne und Kostüme Hinweis In dieser Inszenierung kommt es zum Einsatz von Kunstnebel und es werden sensible Themen wie Krieg, Gewalt, Antisemitismus und Tod behandelt. So 31.5.2026 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne 9
Produktion und Ensemble Vor 81 Jahren, am 8. Mai 1945, endete der vom nationalsozialistischen Deutsch- land ausgelöste Zweite Weltkrieg. Er hatte in sechs Jahren weltweit rund 60 Millionen Menschen leben gefordert. Eines davon war das Leben der fünfzehnjährigen Anne Frank. Im Februar 1945 wurde sie im KZ Bergen-Belsen ermordet. Nur zwei Monate später erreichten englische Truppen das Lager und befreiten die letzten Überlebenden. Die jüdische Bevölkerung in Europa haben die Nationalsozialisten nahezu ausgelöscht. Das jüdische Mädchen Anne Frank versteckte sich mit ihrer Familie vor den Nazis während der Besetzung der Niederlande im Hinterhaus der Amsterdamer Prinsengracht 263. Nach zwei Jahren wurden sie verraten und entdeckt. Im Versteck schreibt Anne über die Ereignisse im Hinterhaus und hält ihre Gefühle und Gedanken in ihrem berühmten Tagebuch fest. In der Spielzeit 24/25 beschäftigte sich der Piccolo Jugendklub mit ihrem Leben, Wirken und Sterben. Die Gruppe fuhr nach Amsterdam ins Anne-Frank-Haus und ver- suchte sich über Schreibworkshops und gründliche Recherchen ihrer Geschichte anzu- nähern. Die Spieler*innen sind zwischen 16 und 20 Jahre alt. Sie haben unterschiedliche Hintergründe und brachten auch jüdische Perspektiven in den Erarbeitungsprozess ein. Die Premiere des Stückes fand am 26. April 2025 im Piccolo Theater statt. Der Piccolo Jugendklub folgt Annes beeindruckender Lebenslinie bis zum Ende. Wie können Rituale der Erinnerung durchbrochen werden, um zu einer tatsächlichen Er- innerung als Arbeit an der Gegenwart zu gelangen? Matthias Heine wurde 1979 geboren und ist künstlerischer Leiter des Cottbuser Piccolo Theaters. Er leitet den Jugendklub seit vielen Jahren und wurde mehrfach ausgezeichnet, unter anderem mit dem Theaterpreis des Bundes, Einladungen zum Theatertreffen der Jugend und dem Deutschen Amateurtheaterpreis. Er ist auch als Filmregisseur und Autor tätig. Heine lebt mit seiner Familie in Cottbus. 10
Jurykommentar Hier wird keine verstaubte Biografie nacherzählt. Hier wird Geschichte aktiv bearbeitet, hinterfragt und in den eigenen Körper übersetzt. Unter der Spielleitung von Matthias Heine ist ein Bühnenereignis entstanden, das seine immense Kraft direkt aus der Haltung, den Diskussionen und der intensiven Recherchearbeit der jungen Spielenden zieht. Anlässlich des 80. Jahrestages des Kriegsendes ist das Ensemble weit über die bekannten Tagebuchseiten von Anne Frank hinausgegangen. Die jungen Darsteller*in- nen sind nach Amsterdam gereist, haben vor Ort recherchiert und sich durch zusätzliche Zeitzeug*innenberichte in jene Lücken der Geschichte begeben, die das Tagebuch dort offenlässt, wo Annes Aufzeichnungen nach der Verhaftung enden. Diese tiefgründige Auseinandersetzung spürt man in jeder Sekunde: Das Ensemble hat sich die Geschichte und die Person Anne Frank aktiv erarbeitet, ohne den Anspruch zu erheben, sie zu ver- körpern. Mit einer bewussten Entscheidung für Distanz sagen sie: „Ich spiele Anne“. Sie nähern sich ihr, zitieren sie und stellen ihre eigenen Biografien mutig daneben. Diese Art der nahbaren Aufklärungsarbeit bildet das Herzstück der Aufführung. Die Spielenden lassen ihre eigenen Fragen in den Text einfließen: Wie blicken wir heute, im Jahr 2026, auf Annes Schicksal? Was bedeutet uns Freiheit angesichts aktueller Konflikte? Wenn wir in die Zukunft schauen, ins Jahr 2029, was sehen wir? Wenn die Spielenden aus ihren Rollen treten, von ihrer Reise nach Amsterdam berichten oder auf die aktuelle politische Lage deuten, wird das Stück zu einem brennenden Dokument der Gegenwart. Stelen verwandeln sich durch die Dynamik der Gruppe in das beklemmend enge Hinterhaus, in die unüberwindbaren Wände eines Verstecks. Das Ensemble agiert dabei als beeindruckende, choreografische Einheit. ANNE ist leise und intensiv und dennoch dynamisch, auf eine ganz persönliche Weise. Mehrmals verlagern sich Spielanteile in die Zuschauer*innenreihen; Beobach- tungen von Zeitzeug*innen kommen aus dem Publikum und Textauszüge werden den Akteur*innen wie beiläufig in die Hand gegeben. Die Inszenierung verwebt Annes Noti- zen geschickt mit den Fragen und Erfahrungen der Spielenden. Es entstehen Momente von zarter Intimität, wie die Sehnsucht nach Austausch und Freundschaft oder die erste Zuneigung zu Peter, die jäh durch den harten Kontrast der Realität unterbrochen werden. Dem jungen Ensemble ist ein fesselndes Stück gelungen, das die Leichtigkeit von Annes Träumen und das Gewicht des Verbrechens in einer bemerkenswerten Balance hält. Am Ende stehen sieben Paar rote Schuhe im Licht – ein Symbol der Erinnerung und gleich- zeitig eine Mahnung. ANNE ist mutig, ästhetisch stimmig und ein schöner Beweis dafür, wie kraftvoll Jugendtheater ist, wenn es die eigene Stimme zum Kompass macht und uns mit der Frage nach der eigenen Haltung entlässt. Andreas Kroder und Fernando da Ponte 11
APOLLON – STOP TRYNA BE GOD waltraud900, Forum Freies Theater Düsseldorf Nordrhein-Westfalen Von und mit Gustav Becker, Bowen Gao, Nuragha Gasimov, Tasos Geraidis, Amin Hubricht, Simon Karol Gabriel Ilga, Uğur Kepenek, Anton Schebesta, Andreas Spektorov, Zhengli Wang, Timo Walek, Fabio Wilson, Juri Win Wintersig Nuragha Gasimov, Andreas Spektorov, Zhengli Wang, Juri Win Wintersig Live-Musik waltraud900 Idee und Künstlerische Leitung Bianca Künzel Regie Phaedra Pisimisi Choreografie Bianca Künzel, Dorle Trachternach Text Dorle Trachternach Dramaturgie Ria Papadopoulou Ausstattung Linda Bockholt Musik und musikalische Leitung Uğur Kepenek aka Busy Beast Texte/Rap Theo Gatzka Mitarbeit Produktion Mohammed Marouf Alhassan Choreografische Mitarbeit Katrin Wiesemann Produktionsleitung Julius Kindermann, Eckehard Merholz Licht Thorsten Runge Ton Eine Koproduktion mit dem Forum Freies Theater Düsseldorf und dem Theater im Pumpenhaus Münster. Hinweis In dieser Inszenierung kommt es zum Einsatz von Kunstnebel und es werden sensible Themen wie Misogynie, Gewalt, sexuelle Übergriffe und Tod behandelt. Fr 5.6.2026 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne 13
Produktion und Ensemble „Zeus hat mich nie gefragt, ob ich das hier will. Meinst du, du kannst da mit dem ‘ne Cola trinken und dich über deine Gefühle unterhalten? Dem solche Fragen stellen?“ Der griechische Gott Apollon repräsentiert auf den ersten Blick das Bild der per- fekten Männlichkeit. Überirdisch schön, stark und mächtig, verkörpert er als unfehlbarer Bogenschütze und Hüter des Orakels von Delphi das Bild des durchsetzungsfähigen, potenten Machers und wäre heute wahrscheinlich unter dem Stichwort „toxische Männ- lichkeit“ in aller Munde. Gleichzeitig erzählt seine mythologische Biografie von Scheitern, Verrat und Betrug und eröffnet unerwartete Bruchstellen. APOLLON – STOP TRYNA BE GOD untersucht Männlichkeit als kulturelles Erbe, das weitergegeben, reinszeniert und reproduziert wird. Gemeinsam mit dem deutsch- griechischen Kollektiv waltraud900 und dem Musiker und Rapper Uğur Kepenek aka Busy Beast entwickelte ein Ensemble aus elf männlich gelesenen Jugendlichen zwischen 15 und 20 Jahren mit unterschiedlichen kulturellen Perspektiven eine Performance zwischen Mythos und Gegenwart. Die Apollons von heute verlieben sich nochmal neu in Daphne, rechnen mit Zeus ab, besiegen die Python, steigen vom Olymp, zerlegen männliche Rollenbilder und setzen sie neu zusammen. Welche Narrative tragen heute noch? Welche kippen? Wohin brechen die Söhne der Zukunft auf und welche Fragen begleiten sie? Wir haben uns in Workshops und Gesprächsrunden diesen Fragestellungen genähert, auf Deutsch und Griechisch und vor allem interdisziplinär mit Musik, Tanz und Theater gearbeitet. waltraud900 ist ein deutsch-griechisches Künstlerinnenkollektiv, bestehend aus der Choreografin Phaedra Pisimisi, der Regisseurin Bianca Künzel, der Ausstatterin Ria Papadopoulou und der Dramaturgin Dorle Trachternach. In ihren Arbeiten widmen sich die Künstlerinnen zeitgenössischen Fragen nach Identität und gesellschaftlichen Zugehörigkeiten. Ihre Produktion DAUGHT- ERS OF THE FUTURE wurde zum FAVORITEN-Festival 2024 eingeladen und mit dem Integrationspreis der Stadt Düsseldorf ausgezeichnet. 14
Jurykommentar Apollon sein. Gott sein. Gott sein wollen? Gott sein ist ein Sinnbild für das Privileg patriarchaler Macht: die Macht, Entscheidungen im eigenen Sinne treffen zu können, selbstverständlich Anerkennung zu bekommen, die Macht, dass die eigene Stimme gilt und gehört wird. In der Mythologie heißt Gott sein schützen und strafen, schenken und sich rücksichtslos nehmen, was man will. Natürlich hat Apollon die Python getötet, natür- lich gegen seinen Vater Zeus rebelliert, natürlich Daphne verfolgt, bis sie sich in einen Lorbeerbaum verwandelt. Ein Vorbild? Die Inszenierung APOLLON – STOP TRYNA BE GOD verabschiedet sich von dieser Idee nicht mit einem einfachen Gegenentwurf, sondern mit einer vielstimmigen Befra- gung. Ausgehend von Mythologie, Popkultur und eigenen Erfahrungen untersuchen die Spieler verschiedene Entwürfe von Männlichkeit – zwischen Zuschreibung, Erwartung und persönlicher Realität. „Männlichkeit ist weder gut noch schlecht – es kommt darauf an, was wir daraus machen“, formuliert einer von ihnen. Aus dem Chaos wird Ordnung, das Orakel von Delphi wird zur Bühne männlicher Selbstbefragung, das Tor zum Versprechen und zur Zumutung zugleich. Wer darf hin- durch? Wer will hindurch? Und was wartet auf der anderen Seite? Die silbernen Bälle, die Körperbilder, die Songs, die choreografierten Gruppenszenen und die wiederkehrenden Kränze verdichten sich zu einer präzisen Theatersprache, in der Pathos, Humor und Ver- letzlichkeit zugleich sichtbar werden. Dabei bleibt die Inszenierung nicht bei der Kritik an „toxischer Männlichkeit“ ste- hen, sondern zeigt die Widersprüche: das Bedürfnis nach Vorbildern und die Angst, ihnen zu ähneln; die Sehnsucht nach Stärke und die Erschöpfung durch ständige Selbstoptimie- rung; Väter, die lieben, ohne es sagen zu können, und Söhne, die nach anderen Bildern suchen. „Was bist du denn für ein Gott?“ – von dieser Frage aus entfaltet sich der Abend. APOLLON – STOP TRYNA BE GOD übersetzt das Nachdenken über Männlichkeit in klare Bilder und vielstimmige Perspektiven – und macht sichtbar, wie sehr sich diese Frage heute neu stellt – und neu stellen muss. Es ist auch der Versuch, der eigenen Generation etwas mitzugeben: die Möglichkeit, Zuschreibungen zu hinterfragen, eigene Wege zu finden und nicht einfach zu übernehmen, was vorgezeichnet ist. Saskia Neuthe und Rieke Oberländer 15
FRISCH gefragt! junges RZt, RambaZamba Theater Berlin Mit Elsa Ebeling, Anna Friedrichsen, D. B. Geißler, Amyli – G. von Gersdorff, Parastu Ghashghaie, Nadja Henß, Lara Alison Jaksch, Käthe Maj Selma Lange, Lotte Latscha, Hanna Nguyen, Ursula Raschke, Lukas Reitmeier, Niklas Ufer, Aila Wittig Lillian Bocksch, Sascha Vajnstajn Regie und Bühne Val de Licer Kostüm Fernando Balsera Choreografie Laura Nitsch Film Frieder Blume Sound PPPANIK Visuals Petros Mandalos Dramaturgie Paulina Heyse und Erna Schmidt-Oehm Assistenz Hinweis In dieser Inszenierung kommt es zum Einsatz von Kunstnebel und Musik in erhöhter Lautstärke. Mi 3.6.2026 19:30 Haus der Berliner Festspiele, Seitenbühne 17
Produktion und Ensemble Was verraten unsere Antworten über uns – und was unsere Fragen? Mit seinem berühmten Fragebogen schuf Max Frisch ein literarisches Experiment, das bis heute nachwirkt: Statt Gewissheiten liefert er Irritationen, statt Lösungen neue Perspektiven auf Identität, Verantwortung und das eigene Selbst. Genau hier setzt FRISCH gefragt! an, das inklusive Theaterprojekt des Jugend- clubs am RambaZamba Theater. Im Zentrum steht eine gemeinsame Stückentwicklung mit Jugendlichen mit und ohne Beeinträchtigung sowie zwei Seniorinnen – ein genera- tionenübergreifender Dialog, der unterschiedliche Lebensrealitäten und Perspektiven miteinander in Austausch bringt. Frischs Fragen sind dabei nur der Anfang. Die Jugendlichen greifen sie auf, dre- hen sie weiter, widersprechen ihnen – und entwickeln ihre eigenen Fragen, die von ihrem Leben erzählen, von Zweifeln, Träumen und Widersprüchen. So wird der Fragebogen zum Sprungbrett für einen kreativen Prozess, in dem sich persönliche und künstlerische Aus- drucksformen verbinden. Auf der Bühne entsteht daraus eine vielschichtige Collage aus Text, Bewegung und multimedialen Elementen wie Video, Sound und Visuals. Es geht um große Fragen: Möch- test du unsterblich sein? Was ist dein größter Traum? Bist du dir selbst ein*e Freund*in? Und um jene, die bewusst offen bleiben. Lillian Bocksch studierte künstlerisches Lehramt an der Akademie der Bildenden Künste Wien sowie Theaterpädagogik (Bundesverband Theaterpädagogik) in Berlin. Seit 2022 ist sie am RambaZamba Theater tätig und seit August 2024 leitende Theaterpädago- gin. Zuvor arbeitete sie in der Kunstvermittlung bei 48 Stunden Neukölln sowie bei District Kunst- und Kulturförderung, unter anderem in politischen Bildungsprojekten. Sascha Vajnstajn war viele Jahre in der politischen Bildung aktiv und leitete unter anderem Gedenkstättenfahrten. Er studierte Theater- pädagogik an der Universität der Künste Berlin und arbeitet seit 2020 am RambaZamba Theater. Zudem ist er als Regisseur und Schauspieler an verschiedenen Theatern tätig. 18
Jurykommentar Mit FRISCH gefragt! bringt ein Ensemble von 14 Menschen unterschiedlicher Gene- rationen und Lebensrealitäten – mit und ohne Behinderungen – eine Arbeit auf die Bühne, die Inklusion selbstverständlich lebt. Gemeinsam begibt sich das Ensemble auf die Suche nach einer der drängendsten Fragen: Wer bin ich und was macht mich glücklich? Ausgangspunkt ist der Fragebogen des Schweizer Schriftstellers Max Frisch. In seinem literarischen Werk legte er seinen Leser*innen provokante und tiefgründige Fragen vor – nach Identität, Verbindung und unterschiedlichen Wahrheiten. Doch dem Ensemble dient er vor allem als Inspiration, als Einladung, eigene Fragen zu stellen und neue Perspektiven auf sich selbst zu entdecken. Die Suche nach ihren Antworten findet dort statt, wo Sprache an ihre Grenzen stößt: im Körper, in der Bewegung, im Tanz, in der Begegnung. Tanz ist das, was die Spie- ler*innen verbindet – hier haben sie sich kennengelernt, und genau hier entwickeln sie ihre gemeinsame Ausdrucksform. Die Inszenierung bewegt sich in verschiedenen Konstellationen: In der Silent Disco entstehen kollektive Momente, die intim und harmonisch sind. Im Solo findet jede*r die eigene Stimme. Im Duett entsteht ein Gespräch ohne Worte. In der Gruppe webt sich etwas, das größer ist als die Summe seiner Teile. Begleitet werden die Szenen von elektronischer Musik, die den Körper durchdringt, berührt und Emotionen erfahrbar macht. Immer wieder kippt die Bühne in eine Traum- Sphäre, ein Nebenraum, in dem persönliche Träume, Wünsche und alte Erinnerungen geteilt werden können, ohne erklärt werden zu müssen. Liebe, Ängste, Hoffnungen, Konflikte und Freundschaften – all das findet hier Platz, getragen von einer bemerkenswerten Sensibilität und Sorgfalt füreinander. Es entsteht ein Raum des Vertrauens, der Verletzlichkeit zulässt. Dabei geht es nicht darum, Antworten zu finden und abzuhaken. Im Gegenteil: Es geht um das Aushalten der Frage, das Weiterfragen, ein neugieriges Kreisen um das, was uns ausmacht – immer wieder neu. Das Fragen kann unangenehm sein und genau darin liegt seine Kraft, es öffnet Türen. FRISCH gefragt! ist eine Inszenierung, die zart und kraftvoll zugleich ist. Ein Abend, der leise beginnt und lange nachhallt, weil er uns nicht mit Gewissheiten entlässt, sondern mit der Einladung, weiterzufragen. Mai-An Nguyen und Rahmatallah Ramzi 19
Mission (im)possible – in the end lies the beginning DS-Kurs 12. Jahrgang, Carl-Friedrich-von-Siemens-Gymnasium Berlin Mit Abdullah Ayash, Mahdi Brahmi, Ilayda Tuana Burghardt, Basel El Ammar, Saygin Erol, Anıl Karaalp, Aleksander Kolodziejczyk, Zeinab Noureddine, Milo Ost, Lisa Sophie Reddig, Iman Shafique, Maria Trotimov Merle Müller Kursleitung Thorsten Spiller Technik-AG-Leitung Wahlpflichtkurs Kultur Jg. 8, Jörg Landgraf Stop-Motion-Filme Hinweis In dieser Inszenierung kommt es zum Einsatz von Stroboskoplicht, Kunstnebel, Schwarzlicht und Musik in erhöhter Lautstärke. Es werden sensible Themen wie Diskriminierung und Rassismus thematisiert. Mo 1.6.2026 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Seitenbühne 21
Produktion und Ensemble Der Grundkurs Darstellendes Spiel arbeitet seit über einem Jahr gemeinsam an der Stückentwicklung, die ihren Ausgangspunkt im Besuch der Ausstellung Prinzip Held* (Rimini Protokoll) fand. Zuerst wurden die bekannten traditionellen Held*innengeschich- ten unter die Lupe genommen. Dabei kamen schnell Fragen auf: Wer wird überhaupt als Held*in gesehen? Warum verbinden wir Held*innentum automatisch mit Männlichkeit, Kampf und Stärke? Und was ist mit den zahlreichen Kämpfen, die Menschen austragen, die niemand sieht? Gerade diese biografischen Geschichten weckten bei den Schüler*innen Interesse. Sie erspielten sich einen Raum, in dem sie ihre persönlichen Kämpfe, Verletzlichkeiten und Unsicherheiten zeigen und auf die Bühne bringen konnten. Sie schrieben eigene Texte, gestalteten Stop-Motion-Filme, bastelten Requisiten aus Pizzakartons und bauten Musiktracks. Zusätzlich entwickelten alle elf Spieler*innen ihre ganz persönlichen Held*in- nenszenen, denn alle wollten auch einmal die Hauptrolle spielen, glänzen und gesehen werden. So entspinnt sich eine Collage aus Biografie und Popkultur, ein rasanter Wechsel zwischen eigenen Geschichten und individuellen Held*innenmomenten. Der Wunsch nach Held*innen, die alles regeln, was gerade schiefläuft, ist groß – besonders in einer Zeit, in der Krise zum Normalzustand geworden ist. Mission (im)possi- ble stellt die Frage, wie wir selbst ins Handeln kommen, wenn wir nicht länger auf ver- meintliche Held*innen warten. Merle Müller studierte Kulturwissenschaften und Komparatistik in Saarbrücken. Nach einer Lehrtätigkeit in Istanbul absolvierte sie dort eine Ausbildung im Physical Theatre. 2018 zog sie nach Berlin und studierte Theaterpädagogik an der Universität der Künste. Seit 2021 ist sie Lehrerin für Darstellendes Spiel, Französisch und Deutsch am Carl-Friedrich-von-Siemens-Gymnasium und koordiniert als Kulturbeauftragte Formate der kulturellen Bildung. 22
Jurykommentar Was als harmloser Filmabend beginnt, entfaltet sich in Mission (im)possible – in the end lies the beginning zu einer Reise, die uns mitten ins Herz dessen führt, was Held*in- nentum wirklich bedeuten kann. Eben noch streiten Freund*innen über ihre liebsten Lein- wandheld*innen, doch plötzlich: Dunkelheit. Stromausfall. Ausnahmezustand. Jetzt sind die Spielenden selbst gefragt. Jetzt liegt es an ihnen, zu Held*innen zu werden. Doch wer ist der*die Held*in dieses Abends? Ist es die Figur, die kämpft, rettet und siegt? Oder liegt wahre Größe vielleicht im Zweifeln, im Scheitern, im Wiederaufstehen? In einer klugen, spielerischen Collage begegnen wir bekannten und unerwarteten Held*innen: von Katniss Everdeen bis Thor, von Muhammad Ali über Greta Thunberg bis hin zu Melli Beese, von Emily in Paris bis Garfield. Und es wird klar: Held*innentum kennt keine Schablone. Es ist so vielfältig wie die Menschen selbst. Doch jede große Geschichte hat ihre Risse. Und so öffnen die jungen Darsteller*in- nen mutig die Türen zu ihren eigenen Innenwelten. In eindrucksvollen Stop-Motion-Videos erzählen sie von Unsicherheiten, Zweifeln, Ängsten – von jenen leisen Momenten, in denen das Gefühl entsteht, nicht genug zu sein. Gleichzeitig entsteht auf der Bühne ein Gegenbild: Körper, die sich stützen, Hände, die Halt geben, Gemeinschaft, die trägt. „Wir sind wie eine Familie“, sagen die Spielenden im Nachgespräch – und genau das sehen wir auf der Bühne. Eine Gemeinschaft, die zuhört, die auffängt, die einander Raum gibt. Hier zählt jede Stimme. Dabei scheut das Stück nicht vor großen Fragen zurück: An wen denken wir über- haupt, wenn wir an Held*innen denken? Warum werden Stärke und Mut so oft männlich gelesen? Und wie viele Held*innen bleiben unsichtbar, weil sie gegen Rassismus, Diskri- minierung und Ungleichheit kämpfen? Es ist ein kluger, wacher Blick auf unsere Gesell- schaft – und ein Plädoyer dafür, Held*innentum neu zu denken. Ein Abend voller Spielfreude, Mut und Menschlichkeit. Aus einfachen Pizzakartons entstehen ganze Welten – Hochhäuser wachsen, Blumen blühen, Fanplakate leuchten. Es wird getanzt, gesungen, gekämpft und innegehalten. Es ist laut und leise, kraftvoll und zart zugleich. Und vor allem: Es ist ehrlich. Die Energie dieser jungen Menschen ist ansteckend. Sie tragen uns, reißen uns mit, berühren uns. Ich lache, ich staune, ich bin bewegt – und dankbar, auch ihre verletzlichen Seiten sehen zu dürfen. Am Ende bleibt ein Gedanke, der nachhallt: Das eingeklammerte „im“ in „(im)possi- ble“ ist kein Zufall. Es ist eine Einladung. Eine Erinnerung daran, dass in jedem von uns die Kraft zur Veränderung liegt. Vielleicht sind die Held*innen dieses Abends längst nicht nur auf der Bühne zu finden. Vielleicht sitzen sie auch im Publikum. Lene Wollwerth 23
TRAUER//FALL POLYLUX, Schauspiel Köln Nordrhein-Westfalen Mit Sage Bongard, Amélie Bos, Siyana Boukari, Bilge Cin, Hannah Finkernagel, André Frey, Lilian Friebe, Martha Hellenkemper, Manjusha Hirschberg, Ari Kraegeloh, Lotta Schablitzki, Katja Schäfer, Hilde Wawro, Abas Zafarzai Dana Khamis, Judith Niggehoff Regie Hedda Ladwig Bühne Nele Henrich Kostüm Sage Bongard, Ronja Simon Regieassistenz Stanislav Semeniuk Licht Britta Tekotte Sprechtraining Elias Bodemer Video Hinweis In dieser Inszenierung kommt es zum Einsatz von Kunstnebel und Musik in erhöhter Lautstärke. Es werden sensible Themen wie Diskriminierung, Flucht und Tod thematisiert. Do 4.6.2026 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne 25
Produktion und Ensemble Der Mensch vergießt im Laufe seines Lebens an die fünf Millionen Tränen, etwa 80 Liter, eine halbe Badewanne voll. Tränen sind nur ein kleiner, sichtbarer Teil des Trauerprozesses. Ein vielschichtiger Prozess, in dem wir versuchen, mit Veränderungen umzugehen und das eigene Selbstbild neu zusammenzusetzen. Wir stolpern über Er- innerungen, die bereits verblasst waren. Wir stolpern über unseren eigenen Körper, der sich plötzlich fremd anfühlt. Wie lassen sich Traurigkeit und Trost überhaupt miteinan- der verbinden? Wo sitzt die Wut über einen Verlust, und wie gelangen wir schließlich zu Akzeptanz? Wenn etwas verschwindet, haben wir es dann wirklich verloren oder nur die Erinnerung daran verlegt? Die Jugendlichen von POLYLUX suchen in Sprache, Tanz und Performance nach einem kollektiven Weg, Trauer zu begegnen und in ihr etwas Bewegendes zu finden. POLYLUX ist zunächst aus einem „Kultur macht stark“-Projekt entstanden und ist nun seit 2024 der feste Jugendklub für 13–18-Jährige am Schauspiel Köln. Ausgehend vom Le- bensalltag der Teilnehmenden, ihren Perspektiven und Fragen an die Gesellschaft werden gemeinsam Theaterinszenierungen erarbeitet und aufgeführt. Die Jugendlichen schrei- ben Texte, gestalten Szenen und entwickeln Bewegungssequenzen. Dabei entsteht jedes Jahr ein neues Werk zu unterschiedlichen Themenschwerpunkten. Die Stücke erscheinen im Spielplan des Schauspiel Köln und werden sowohl vormittags als Schulvorstellungen mit begleitenden Workshops als auch regulär im Abendprogramm gezeigt. POLYLUX ist der Versuch, einen möglichst sicheren Raum zu bieten, in dem Ju- gendliche künstlerische Ideen ausprobieren, körperliche Zugänge entdecken, politische Diskussionen führen und sich persönlich in ihrem Tempo weiterentwickeln können. Der Jugendklub öffnet sich jedes Jahr für neue Teilnehmende. Judith Niggehoff aufgewachsen bei Köln, initiiert und begleitet als Theaterpädagogin, Choreografin und Regisseurin künstlerische Prozesse als Ausdrucks- und Bildungsform für junge Menschen. Sie ist feste Mitarbeiterin am Schauspiel Köln, erarbeitet seit 2022 Inszenierungen mit POLYLUX und leitet mit Vivien Musweiler das Teen Ensemble am Theater Marabu. Dana Khamis bringt Menschen in Bewegung – mit Theater, das berührt, verbindet und verändert. Aufgewachsen in Jordanien, entdeckte sie früh die Kraft der Bühne als Ort des Ausdrucks und des Miteinanders. Heute gestaltet sie Workshops, Projekte und Spielräume, in denen Menschen sich selbst und die Welt neu entdecken können. Sie ist Theaterpädagogin am Schauspiel Köln. 26
Jurykommentar Trauer kann sich verhalten wie ein Stück Plastikfolie: durchscheinend, aber den- noch eine Schicht, die uns vom Eigentlichen trennt, etwas abdeckt. Trauer markiert einen Prozess, in dem sich spürbar etwas verändert. Mal begleitet sie uns unauffällig durch den Alltag, mal umschlingt sie den Körper ganz. Vielleicht will ich sie irgendwann loswerden, aber wer nimmt sie mir ab? Geht das überhaupt? Gut, wenn da eine Hand ist, die mich hält. In der Inszenierung TRAUER//FALL ist da eine große Hand. Vielleicht so groß, wie unser aller Hände zusammen? In sinnlichen Bildern voller Bewegung nähern sich die Spieler*innen einer lebensverändernden Erfahrung. Das Stück TRAUER//FALL überzeugt durch seine vielschichtige und berührende Auseinandersetzung mit Trauer als persönlichem wie politischem Gefühl. Aus einer jugendlichen Perspektive und mit klarer Haltung entwickelt das diverse Ensem- ble beim Spielen eine große Dringlichkeit und zeigt eindrucksvoll, wie sich viele junge Menschen fühlen. Besonders gelungen ist die Verknüpfung eigener biografischer Er- fahrungen, ohne dass die Spielenden dabei ausgestellt werden – vielmehr entsteht eine ehrliche, nahbare und zugleich mutige Bühnenpräsenz. Entlang der fünf Phasen eines Trauerprozesses spürt das Ensemble hinein in dieses Gefühl: Worüber trauern wir persönlich und kollektiv? Wer bekommt Raum für Trauer? Ist Trauer ein Privileg? Wo fehlt eine Trauerkultur und was könnte sie leisten? Die persönlichen Plädoyers zum Thema Trauer sowie performative Momente, wie der eindrückliche Monolog über Wut, erzeugen nachhaltige Gänsehautmomente. Die deutsche Gedenkkultur steht dabei auf dem Prüfstand. Wann hat ein persönlicher Ver- lust eine kollektive Bedeutung? Wo sorgen Machtverhältnisse dafür, dass Trauer an- oder aberkannt wird? Besonders im Gedächtnis bleibt der Chor, der die Frage „Deutschland, warum weinst du nicht?“ in den Raum stellt – ein kraftvoller, nachhallender Augenblick, der die emotionale und politische Dimension des Stücks auf den Punkt bringt. Dabei ge- lingt es dem Stück, individuelle Trauer in eine politische Dimension zu überführen. TRAUER//FALL ist ein toller Theaterabend, der im szenischen Spiel eine gute Ba- lance zwischen starken Bildern, klugen Fragen, notwendigen Forderungen, berührenden Einblicken und tröstend-leichtem Miteinander zeigt. Rieke Oberländer und Estera Sara Stan 27
Zum Lachen in den Keller LABYRINTH Theater Stuttgart, Baden-Württemberg Mit Daria Ariton, Anna Biletska, Yuri Gomez, Nadiia Kot, Lukas Krug, Vitalii Kulyk, Viktoriia Levkovska, Vsevolod Liashenko, Lava Mousa, Anastasiia Pavlenko, Alex Popenko, Milana Rosliakova, Kateryna Rozlomii, Said Shubat, Sonatullah Uzbek, Abeesnavan Vimalathas, Alina Nika Zaluzhna Lena Bäuerle Gesangstraining, Chorische Arbeit und Live-Musik Patrizia Birkenberg Projektleitung und Konzeption Thea Marie Eilers Theaterpädagogik, Textproduktion Esther Falk Figurenbau & -spiel, Kostüm, Dramaturgie Yahi Nestor Gahe Bewegungstraining & Choreografie Johannes Reischmann Musikproduktion, Musikalische Erarbeitung und Live-Musik Hinweis In dieser Inszenierung kommt es zum Einsatz von Stroboskoplicht, Kunstnebel und Lebensmitteln als Requisit auf der Bühne. Es werden sensible Themen wie Krieg, Essstörungen und Verlust thematisiert. Di 2.6.2026 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Seitenbühne 29
Produktion und Ensemble Wir sind im Keller – vielleicht eines Wohnhauses, vielleicht einer großen Stadt. Die Besucher*innen kommen aus ganz unterschiedlichen Gründen: um Getränkekisten zu sortieren, die heimliche Liebe zu treffen, Hunger zu stillen oder sich zu verstecken. Doch der Keller folgt eigenen Interessen: Er öffnet verborgene Räume, weckt Erinnerungen, durchlebt Ohnmacht und Verlust und bricht Tabus. Hier wird gewaschen, gewerkelt, gestapelt – und manchmal hemmungslos gefei- ert, getanzt, gesungen und gefressen. Zwischen Schatten und Geistern verschwimmen die Grenzen. Der Keller: ein Ort der Dunkelheit und Einsamkeit, ein Ort der Freiheit und Erkenntnis. An Vorratsregalen und Wäscheleinen begegnen die Menschen nicht nur ge- sellschaftlichen Normen und den eigenen Gefühlen, sondern stehen auch an der Schwelle zum Erwachsenwerden. Zum Lachen in den Keller fragt: Was heißt es, erwachsen zu werden – besonders mit Flucht- oder Migrationserfahrung? Welche Unsicherheiten, Ängste und Irrwege gehören dazu? Die Jugendlichen finden in Musik, Tanz, Theater und Figurenspiel verschiedene Ausdrucksmöglichkeiten für ihre Themen. Unter der Leitung erfahrener und trauma- pädagogisch geschulter Künstler*innen entsteht ein sicherer Raum, in dem sie sich mutig, ehrlich und voller Energie zeigen können. Szenen aus ihren Lebensrealitäten verschmelzen zu einem großen Ganzen, das Geschichten sichtbar macht und zu einer offenen und demokratiefähigen Gesellschaft beiträgt. Zum Lachen in den Keller ist eine bewegende Reise in die verborgenen Räume unserer Innenwelt. Mal waschecht lustig, mal kellertief traurig – die Performance öffnet Türen, die sonst verschlossen bleiben und stellt dabei eine ganz konkrete Frage an das Publikum: Wofür schämt ihr euch? Patrizia Birkenberg geboren 1988, studierte Musikpädagogik an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart. 2012 gründete sie das LABYRINTH Theater als studentisches Projekt – 2013 ausgezeichnet mit dem studentischen Sonderpreis des Landeslehrpreises Baden-Württemberg. Mit Mitstreiter*innen und getragen von Musiktheaterproduktionen und interna- tionalen Straßenkunstfestivals wuchs LABYRINTH zu einem kraftvollen, soziokulturellen Zentrum und prägenden Bestandteil der Stuttgarter Kulturszene. 30
Jurykommentar Die Redewendung „zum Lachen in den Keller gehen“ beschreibt eine humorlose, sehr ernste Person, die Gefühle von Freude oder Fröhlichkeit nicht öffentlich zeigt. Wer sprichwörtlich zum Lachen in den Keller geht, ist gehemmt und zeigt keine Emotionen. Am Eingang werden wir von Wesen aus dem Keller mit weißen Masken persönlich begrüßt, es wird uns aus der Hand gelesen und sie begleiten uns die Treppen hinunter in den Bühnensaal. Unten angekommen sehen wir ein klassisches Kellerregal als Lager- platz, eine Band mit Schlagzeug, Wäscheleinen und einen Haufen Wäsche auf der Bühne. Ein ganz normaler Keller. Der Keller ist für die Gruppe Essensvorrat, Waschkeller, Schutz- raum, Rückzugsraum, Partyort, aber auch ein bisschen gruselig. An diesem Theaterabend erzählen uns 17 junge Menschen im Alter von 14 bis 21 Jahren eine Stunde lang ihre Geschichten. Wir sehen Darsteller*innen mit und ohne Fluchthintergrund, aus Syrien, Afghanistan, Sri Lanka, Paraguay, der Ukraine, Deutsch- land, Rumänien. Sie nehmen uns in die verborgenen Räume ihrer inneren Welt mit, sie öffnen Türen, die sonst verschlossen bleiben. Dabei verbindet die Gruppe das Theater- spielen mit Musik, Tanz und Figurentheater. Die weißen Wesen, die im Keller leben, unter- stützen die Personen, die hereinkommen, sie begleiten und hören zu, wenn der Druck der Erinnerungen und Erlebnisse zu hoch ist. Die Gruppe verbindet ihre individuellen The- men miteinander und zeigt Gefühle auf der Bühne, die sie ansonsten lieber versteckt. In diesem Keller fühlen sich alle sicher, hier stützen sie sich gegenseitig und geben einander Raum. Im Keller werden viele Fragen verhandelt: Was bedeutet es, erwachsen zu werden im Kontext von Flucht und Migration? Welche Unsicherheiten, Ängste und Irrwege ge- hören dazu? Welche Tabus kommen im Keller ans Licht? Wie lernen wir Deutsch und was macht die Sprache mit uns? Was verstehen wir als Spaß und worüber können wir lachen? Welche Gefühle behalten wir lieber für uns? Wie ist unser Umgang mit Essen, welche Schwierigkeiten haben wir mit unserem eigenen Körper? Offen werden Körperscham und Essstörungen thematisiert. Diese Offenheit hält auch Fragen für uns im Publikum bereit. Wofür schämen wir uns? Welche Flecken haben wir, die wir am liebsten verstecken? Eine besondere Kraft entwickeln dabei die gemeinsa- men Lieder, die die Gruppe singt. So werden die Fragen der Spieler*innen auch zu Fragen für das Publikum. Dabei müssen wir entscheiden, ob wir von unserer Scham erzählen, oder sie lieber verbergen. Vielleicht bleiben wir etwas länger im Keller, lassen uns von den weißen Wesen festhal- ten und erzählen einander, warum wir überhaupt dorthin gehen, um zu lachen. Vielleicht hören wir uns gegenseitig aufmerksamer zu – dem Ensemble, aber auch dem Publikum und dem, was es zu sagen hat. Vielleicht haben wir den Mut, uns unsere Flecken auf der Kleidung zu zeigen und miteinander eine wertschätzende Sprache zu lernen. Andreas Kroder und Fernando da Ponte 31
Delegierte der Zwischenauswahl ADHSOLOTL – eine neurodiverse Theaterperformance Die Axolotls, Theatre Pool Berlin Mit Mila Baur, Marion Bonsu, Louis Eberhardt Nguelemo, Josefine Meinecke, Sofia Post Palacios, Lilli Rittner Luca Wetterau Künstlerische Leitung/Regie Viktoria Neuschwander, Ji-Hun Park Produktionsleitung/Dramaturgie An Klepel, Viktoria Neuschwander, Anni Schmidt Bühnenbild Michael Kaspar Musik/Sound Mila Baur Choreografie Dalma Baranyai Produktionsassistentin Torsten Eissrich Licht In ADHSOLOTL begeben sich sechs junge Menschen ins Neurodiversum und stellen sich auf vielfältige Weise den kleinen und großen, politischen und persönlichen Fragen zum Thema ADHS. Im Prozess entstanden eigene Texte und Choreografien, bei denen jeweils eine persönliche Geschichte mit wichtigen Diskursen verbunden ist. Es geht um Gehirne, Scham, Weiblichkeit und alte Klischees, der Ambivalenz einer Diagnose und vielem mehr – zum Ausdruck gebracht durch eigene Texte, Choreografien und einem multifunktionalen Bühnenbild. 32 All Bodies, All Beauty BIPoC Ensemble Junges Theater Bremen, Junge Akteur*innen Bremen Mit Mauada Abdallah, Sally Appiah, Alhussein Daher, Francisca Dosseh, Amarua Roa Hartich, Seda Kurtoĝlu, Nirvana Massoud, Mojtaba Qatamie, Oakley Sow, Samia Hanan Zouheir Gila Christina Schahabi, Canan Venzky Spielleitung Catarina Yassemina Zacarias de Sá Paim Choreografie Timo Block Technik „Was wir für objektiv schön halten, ist deswe- gen schön, weil wir gelernt haben, es schön zu finden“ (Emilia Roig, Why We Matter). Über Jahrhunderte wurde unsere Vorstellung von Schönheit mit rassistischen Schönheitsvor- stellungen gefüttert. Wie wirken diese stereo- typen Vorstellungen heute noch auf margi- nalisierte Körper? Ist es möglich, sich selbst schön zu finden und stolz zu sein auf den eigenen Körper, der immer in Konkurrenz zur weißen Schönheitsnorm steht? Zehn Jugend- liche BIPoC sagen normativen Schönheitsidea- len den Kampf an. Einzigartig und empowernd wirken sie eingefahrenen Bildern entgegen.
Countdown DRAMS’n’ROSES, Geschwister-Scholl-Gymnasium Sangerhausen, Sachsen-Anhalt Von und mit Rusel Ali, Noah Böhme, Thomas Denesjuk, Emelie Lynn Freytag, Delia Gorgas, Johanna Große, Sarah Hesse, Elias Maxim Kersten, Elena Laube, Olivia Laube, Luis Laue, Emil Liebing, Celina Maertens, Bianca Müller, Vanessa Sophie Pein, Eva Pommer, Hannes Räuber, Viana Ramrooz, Amelie Rebhahn, Leopold Redlich, Malte Schröder, Emily Singer, Silas Trull, Enya Wendler, Romy Wieprich, Frieda Zwanzig Benjamin Heinz Einecke, Furqan Mansoor Technik Gabriele Horn Spielleitung Eine eindringliche Szenencollage über Intole- ranz und Ausgrenzung: In einem Countdown durchlaufen die Spielenden zwölf Level von Vorurteilen, Hass und Diskriminierung. Aus- gangspunkt sind verfremdete, autobiografi- sche „Narbengeschichten“, die Fragen nach Identität und Zugehörigkeit aufwerfen. Mit Masken, Musik, Bewegung und symboli- schen Elementen entsteht ein atmosphärisch dichtes Bühnenbild. Am Ende fallen die Mas- ken – und es entsteht ein offener Dialog mit dem Publikum über Erfahrungen, Mut und Zusammenhalt. In lauter Stille Dramaclλn, Landesarbeitsgemeinschaft Spiel und Theater Herford, Nordrhein-Westfalen Mit Sangar Ajabzai, Alijan Alizada, Artem Barvinok, Maria Hrechaniuk, Yeva Liava, Zohrah Mohammadi, Maya Plaewe, Aiva Prišlova, Marlene Wohlhüter Nawid Sadiqi Technische Unterstützung Canip Gündoğdu, Yeva Liava Spielleitung Wir sind neun junge Menschen, die sich mit dem Thema Stille auseinandergesetzt haben. Wir haben gefragt, gefühlt, gestritten. Wir waren wütend, weil uns niemand zuhört. Wütend, weil Menschen der Raum genommen wird. Der Raum zum Leben. Wir beschlossen, diesen Raum selbst zu schaffen. Mit kreativem Schreiben, mit eigenen Szenen, mit Diskussio- nen und Auseinandersetzungen. Wir haben beschlossen: Wir sind nicht länger still. Masse Junges Ensemble und Jugendtanzensemble iMove, Saarländisches Staatstheater Saarbrücken, Saarland Mit Charlotte Appel, Johanna Bastong, Lionel Berger, Rubina Berger, Norah Boßlet, Lavinia Brutty, Oleksandra Chernetska, Jillian Chini, Jasmin Diel, Rebecca Glasman, Marlon Heinrich, Franz Josef Hoffmann, Leonard Janke, Paula Kinzinger, Camie Meystre, Inka Mielczarek, Letizia Muto, Evelina Nesterovska, Clara Reik, Zoe Richter, Evelyne Rutz, Açelya Sahin, Fleur Schack, Elena Schneider, Lotta Schwaiger, Joline Schwarz, Lisa Sturges, Clara Vater, Caprice Wegener, Anna Weiß Luca Pauer, John Armin Sander Leitung Junges Ensemble Claudia Meystre Leitung iMove Huang Meng-Qi Ausstattung und Video Es geht um Masse, inspiriert von Canettis Masse und Macht. Beide Ensembles setzen sich mit dem Spannungsverhältnis zwischen Individuum und Gruppe auseinander. Das Junge Ensemble erforscht demokratische Prozesse, entwickelte eine Gruppenverfas- sung, testete Demokratie-Training, erprobte Veto-Rechte. Bald stießen sie an Grenzen. Der Prozess wurde zum Stück. iMove zeigt in Tanz- szenen, wie sich Dynamik und Gruppengefüge im Tanz spiegeln. Ein Individuum löst sich aus der Gruppe und findet seinen eigenen Weg. 33
Pazifinista Cactus Junges Theater (Jugendtheaterwerk- statt e. V.) in Koproduktion mit dem Theater im Pumpenhaus Münster, Nordrhein-Westfalen Mit Fritz Florentin Borchard, Carolin Jungenblut, Sina Kaper, Milo Rörick, Hasti Sajadi, Alexandra Schrader, Frieda Wirkus, Vova Yurchuk Judith Suermann Regie und Choreografie Ari Nadkarni Kampfkunst Stella Bensmann Choreografieassistenz Gaby Sogl Kostüme/Bühne Hannah Conrad Regieassistenz Team & Ensemble Stückentwicklung Nila Dunschen Musik Leon Blum Schreibwerkstatt Paula Marie Berdrow Sprecherziehung Alae Rtimi Hospitanz Titus Wies Lichtdesign Franca Flender Grafikdesign Erich Saar Fotos Rita Roring PR Dank an Georgie Feldkötter, Maria Heidemann, Sam Huxel, Klea Mago, Rocky, Mosab Zamout In Pazifinista findet sich eine Gruppe junger Menschen in einer künstlich erzeugten Welt ohne Gewalt wieder. Sie kommen aus einem Alltag geprägt von Katastrophennachrichten, stiller Gewalt und dem Gefühl der Ohnmacht. Und jetzt ist alles anders, alles gleich. Sie spü- ren: Irgendwas funktioniert hier nicht. Wohin jetzt mit dem Gefühl des Widerstands und dem Frust? Zwischen Kampfsport, chaotischen Tennisballchoreografien und stillen Momenten entsteht eine Collage aus Realität und Utopie. 34 Unter Welt TheaterTotal Ensemble 2025/26 Bochum, Nordrhein-Westfalen Mit Tom Albert, Clara Balzer, Lukrezia Berghöfer, Elira Cerimi, Rosanna Dommer, Alice (Griffin) Goz, Arthur Jenschke, Raphael Krauß, Carmen Kuehne Díez, Paula Landskröner, Lieve Lippke, Nané Morri, Jesko Risse, Jakob Röhrig, Lily Schroeteler, Levi Vogel, Noah Wandel, Lando Witzel Leon Brüggemann Regie Lena Martin Kostümdesign Carlos Sampaio, Annelise Soglio Tanz und Choreografie Finn Brüggemann Gesang Jakob Baumert Musik Auf einer Reise durch Mythos, Psychologie und Natur entführt die Performance des TheaterTo- tal-Jahrgangs 25/26 das Publikum in eine Welt unter der Welt. Was verbirgt sich unter der Oberfläche? Der Sache auf den Grund gehen – graben. Zwischen Würmern und Kellern, Hades und Eurydike, Träumen und Ängsten, der wahren Liebe und dem Reich der Toten. Im Zusam- menspiel aus tänzerischen Elementen, stum- men Theaterszenen, kreativen Einfällen und Schattenfilmen entstehen verborgene Welten in neuem Licht.
Von meiner Freiheit bis zu deiner Freiheit Junge Szene, Landestheater Württemberg- Hohenzollern Tübingen Reutlingen Tübingen, Baden-Württemberg Mit Casey Beck, Frida Betz, Eliott Birkner, Evo Bohnenstengel, Martha Breitenstein, Victoria Chekai, Wenzel Heiß, Laurin Ilg, Friederike Kasten, Milena Oevers, Toni Pitschmann, Amaya Scherer Sena, Yaroslav Somkin, Malu Stanik, Bleona Zeka Mirijam Kälberer Regie & Leitung Lara Schiek Bühne & Kostüme Toni Pitschmann, Yaroslav Somkin Live-Musik Finn Bühr Sounddesign Monika Kosik Dramaturgie Marie Kindersberger, Bleona Zeka Regieassistenz Conni Lelic Inspizienz Stephan Kraske Licht Im Angesicht von Klimakrise, Ungleichheit und Rechtspopulismus beschließt eine Gruppe junger Menschen, ein Haus auf RESPEKT, SOLIDARITÄT, WAHRHEIT, GLEICHBERECH- TIGUNG, VIELFALT und FREIHEIT zu bauen. Doch Ideale sind keine statischen Konstrukte. Sie fordern Auseinandersetzung. Steht dieses Haus wirklich allen offen? Verlangt Freiheit Grenzen? Basierend auf den Gedanken und Perspektiven des Ensembles entwickelt Milan Gather daraus ein spielerisches Diskursstück über gesellschaftlichen Zusammenhalt. Weiße Rose – Stimmen des Widerstands stellwerk junges Theater in Kooperation mit dem DNT Weimar, Thüringen Mit Ronja Ehrenteit, Phil Forster, Carl Grimm, Elsa Johanns, Nina Kaiser, Ronja Naujoks, Luise Stapel hashtagmonike (Henrike Commichau und Mona Vojacek Koper) Künstlerische Leitung Emanuel Winter Musikalische Leitung Pina Bergemann Künstlerische Mitarbeit Lara Arnold Ausstattung Charlotte Hennen/Stefanie Heiner Dramaturgie Clara Otto Regieassistenz Philipp Münnich/Agnes Weidenbach Technische Einrichtung Nina Kaiser Bau Bühnenbild Was bedeutet es, Widerstand zu leisten und wann ist der Moment dafür gekommen? Sieben junge Erwachsene aus Weimar haben sich gemeinsam mit den beiden Sänger*innen des Thüringer Opernstudios und dem Theater- duo hashtagmonike auf die Suche begeben: Ausgehend von der historischen Widerstands- gruppe „Die weiße Rose“ erkunden sie Formen des abstrakten Begriffs „Widerstand“ und laden ein zu einem Abend voller großer Fragen, Geschichten und Musik. 35
Jury Fernando da Ponte Tostedt Fernando da Ponte – geboren 1982 in Averomar, Portugal, unterrichtet seit 2010 als Lehrkraft Theater/Darstellendes Spiel, Philosophie und Politik in Hamburg, Berlin-Kreuzberg und seit 2024 an der IGS in Rotenburg (Wümme). In dieser Zeit leitete er mehrere Jahre das „Schule mit Courage“- Netzwerk am Hermann-Hesse-Gymnasium in Berlin, ko- operierte sehr eng mit dem Maxim Gorki Theater (UnArt und Tusch, TuschPlus), unter anderem an dem berlinweiten klas- senübergreifenden Projekt Klassen.los und am Festival „Fu- ture Words“. Von 2016 bis 2021 bildete er Referendar*innen aus, u. a. zum theatralen Philosophieren, von 2021 bis 2024 war er die Fachaufsicht für Philosophie/Ethik in Berlin und fördert seit 2024 die Implementierung des Fachs Theater an der IGS Rotenburg (Wümme) in Niedersachsen. Saskia Neuthe Berlin Saskia Neuthe, geboren 1984, wuchs in Berlin-Kreuzberg auf. Sie studierte von 2008 bis 2014 Theaterpädagogik/ Leading Artist an der Zürcher Hochschule der Künste und schloss ihr Studium mit dem Master of Arts ab. Seitdem leitet sie Theaterproduktionen mit Kindern, Jugendlichen und Erwachsenen in Berlin und der Schweiz. Seit 2015 arbeitet sie freischaffend und inszenierte u. a. mehrfach am Maxim Gorki Theater Berlin im Rahmen von Gorki X sowie am Theater Chur. Parallel unterrichtete sie an Berliner Oberschulen das Fach Darstellendes Spiel und ist aktuell als Gastdozentin an der Hochschule in Lingen tätig. Seit 2022 leitet sie die Abteilung Theaterpädagogik am Theater Thikwa Berlin. Dort gründete sie den inklusiven und intergenerativen Spiel- club Club Thikwa und entwickelt kontinuierlich eigene Pro- duktionen. Ein Schwerpunkt ihrer Arbeit liegt auf partizipa- tiven und inklusiven Arbeitsweisen sowie auf der Stärkung von Disabled Leadership in künstlerischen Prozessen. Andreas Kroder Kiel Andreas Kroder, geboren 1972 in Freiburg, ist seit 2025 hauptamtlich in der Aus-, Fort- und Weiterbildung in Schleswig-Holstein (IQSH) tätig und unterrichtet zudem das Fach Darstellendes Spiel am Wolfgang-Borchert-Gymna- sium Halstenbek. Als Landesfachberater und Studienleitung prägt er die Entwicklung des Faches Darstellendes Spiel in Schleswig-Holstein. Er ist Vorstandsmitglied im Bundesver- band Theater an Schulen (BVTS) und leitete langjährig die wo-bo-theater-ag, mit der er u. a. zum Theatertreffen der Jugend eingeladen war. Jelena Bosanac Berlin Jelena Bosanac, geboren 1987 im ehemaligen Jugosla- wien, ist Diplom-Schauspielerin der Akademie der Künste, Belgrad. Sie hat in mehreren Filmen und Theaterproduktio- nen in Serbien sowie im Ausland gespielt. Jelena studierte Performance Studies an der Universität Hamburg und leitete oder begleitete mehrere Projekte mit Kindern und Jugendlichen als Schauspielcoach und Choreografin. Diese Arbeit führte sie zum Masterstudium Theaterpädagogik an der Universität der Künste in Berlin, das sie im Jahr 2018 abgeschlossen hat. Derzeit arbeitet sie als freischaffende Theaterpädagogin und Schauspielerin in Berlin sowie als Theater- und Filmregisseurin. Ilias Botseas Mannheim Ilias Botseas, geboren 1995 in Erbach (Odenwald), studierte Theaterwissenschaft und Publizistik an der Johannes Gutenberg-Universität Mainz. 2020 produzierte Botseas gemeinsam mit Antigone Akgün im Rahmen des Frankfur- ter Forums des Kinder- und Jugendtheaterzentrums in der Bundesrepublik Deutschland (KJTZ) das Hörspiel Zwischen Marmor und Asphalt. 2021 konzipierte und gestaltete Botseas die Audio-Spielstätten-Tour für das Performing Arts Festival Berlin. 2022 folgten ein Stipendium für das Theatertreffen-Blog, die Tätigkeit als Preisjuror*in beim WESTWIND-Festival – Theater für junges Publikum NRW, sowie ein Stipendium der Akademie für zeitgenössischen Theaterjournalismus. 2023 war Botseas für die Produktion G.Wissen & G.Lesen an den Landungsbrücken in Frankfurt am Main als Regieassistent*in und Pressereferent*in tätig. Zuletzt kuratierte Botseas als Dramaturg*in und Szeno- graf*in den Audiowalk In der Unterwelt des Kanons, der neben anderen Bibliotheken auch in der Zentralbibliothek Hanau inszeniert wurde. 36
Rahmatallah Ramzi Magdeburg Rahmatallah Ramzi, geboren 2001 in Sri Lanka, stand mit sechs Jahren das erste Mal auf der Bühne. Dort spielte sie in klassischen Theaterstücken, darunter Shakespeares Hamlet, sowie in Theatermusicals, mit denen sie an Wett- bewerben teilnahm. Diese frühen Erfahrungen prägten ihre Leidenschaft für das Theater, welches für sie eine neue künstlerische Heimat wurde. 2017 kam sie nach Deutschland und schloss sich dem Cactus Junges Theater in Münster an. Dort wirkte sie in vier Produktionen mit, darunter TISCHmanieren beim Festival der Demokratie und Hoping For … unter der Regie von Ju- dith Suermann. Hoping For …, ein Stück, das vom Ensemble entwickelt wurde, befasste sich mit dem Thema Frieden und wurde 2024 zum Theatertreffen der Jugend eingeladen. Seit Oktober 2023 studiert sie Gebärdensprachdolmet- schen in Magdeburg. Ihr Ziel ist es, in Zukunft mit gehör- losen Menschen Theater zu spielen, um neue Perspektiven auf der Bühne sichtbar zu machen. Estera Sara Stan Berlin Estera Sara Stan ist Roma-Aktivistin aus Berlin. Sie ist Peer- Trainerin gegen Rassismus an Sinti*zze und Rom*nja und engagiert sich in verschiedenen Initiativen, unter anderem bei RomaniPhen und im Kombinat, wo sie zu den Themen Empowerment und Feminismus arbeitet. Als ausgebildete KURINGA im Forumtheater verbindet sie politische Bildung mit interaktiven Theatermethoden. Derzeit studiert sie Grundschullehramt an der Humboldt-Universität zu Berlin und wurde 2024 für ihr Engagement mit dem Movers of Tomorrow Award ausgezeichnet. 2022 war sie mit der Pro- duktion WIR SIND HIER! der Jugendtheatergruppe von Ro- maTrial Berlin beim Theatertreffen der Jugend eingeladen. Lene Wollwerth Braunschweig Lene Wollwerth, geboren 2002 in Berlin, absolvierte 2020/2021 ein Freiwilliges Soziales Jahr Kultur im theater- pädagogischen Bereich des Maxim Gorki Theaters Berlin. 2021 gründete Lene mit Emma Jörgeling die freie Theater- gruppe Elektrolyse. Gemeinsam schrieben und inszenierten sie das Stück ICH BIN ROT, mit dem sie beim Theatertreffen der Jungend 2023 Preisträger*innen waren. Seit Oktober 2022 studiert Lene Darstellendes Spiel und Kunstwissenschaften an der Hochschule für Bildende Küns- te Braunschweig. Während ihres Studiums entwickelte sie die Performance grenze der geschmacklosigkeit, die 2025 zum RENE Festival in Braunschweig eingeladen wurde. Gemeinsam mit Luzie Vieler und ihrem neu gegründeten Kollektiv die biestigen Biester entwickelt sie im Rahmen des Nachwuchstheaterfestivals SCHREDDER am Theaterhaus Hildesheim ihr aktuelles Stück scannen. zahlen. stöhnen. Lene widmet sich in ihrer Arbeit feministischen und ge- sellschaftskritischen Themen und setzt sich gezielt mit Bereichen auseinander, in denen sie Leerstellen wahrnimmt. 37 Mai-An Nguyen Berlin 1989 in Cottbus geboren und aufgewachsen, machte sie ihre ersten und prägendsten Theatererfahrungen am Pic- colo Theater und verbrachte dort ihre gesamte Jugend. Von 2011 bis 2014 studierte Mai-An Nguyen Theaterpädagogik an der Hochschule Osnabrück/Campus Lingen. Bereits während des Studiums wurde sie Teil des Ausschusses „Jugendclubs an Theatern“ des Bundesverbandes Theater- pädagogik und engagierte sich ehrenamtlich bis 2017 für das Bundestreffen „Jugendclubs an Theatern“, zuletzt als Jurysprecherin. 2014 trat sie ihr Erstengagement an der neuen Bühne Senftenberg unter der Leitung von Manuel Soubeyrand an und 2017 führte ihr Weg an das Maxim Gorki Theater unter der Leitung von Shermin Langhoff, wo sie in enger Zusammenarbeit mit Uta Plate das Vermittlungspro- gramm zur Arbeit des Exil Ensembles entwickelte. Seit 2019 ist sie an der Schaubühne am Lehniner Platz, wo sie seit 2020 die Theaterpädagogik leitet. Rieke Oberländer Bremen Rieke Oberländer studierte Kulturwissenschaften und äs- thetische Praxis mit Schwerpunkt Theater an der Universität Hildesheim. Sie arbeitet als Leiterin der Theaterpädagogik am Theater Bremen, wo sie u. a. Vermittlungsangebote wie Workshops für Schulen und Bildungseinrichtungen und Inszenierungsprojekte mit Kindern und Jugendlichen realisiert. 2019 war ihre Produktion Just a four letter word zum Bundestreffen Jugendclubs an Theatern eingeladen. Rieke Oberländer ist Dozentin für Fortbildungen im Bereich Darstellendes Spiel. In den letzten Jahren hat sie sich im Bereich Access weitergebildet und arbeitet als Co-Autorin und Sprecherin für Audiodeskription. Eine machtkritische Perspektive ist ihr wichtig. Sie initiiert Projekte mit unter- schiedlichen Institutionen der Bremer Stadtgesellschaft und arbeitet als Betriebsrätin an theaterinternen Veränderungs- prozessen mit. 2010 bis 2015 war Rieke Oberländer Leiterin des Forums beim Theatertreffen der Jugend.
Kuratorium Leitung Annette Steenken Bundesministerium für Bildung, Familie, Senioren, Frauen und Jugend vertreten durch: Dr. Markus Braig Bundesministerium für Bildung, Familie, Senioren, Frauen und Jugend Michael Grabis Ministerium für Bildung Rheinland-Pfalz, Mainz Annett Israel Kinder- und Jugendtheaterzentrum in der Bundesrepublik Deutschland, Büro Berlin Uwe Schulz Ministerium für Kinder, Jugend, Familie, Gleichstellung, Flucht und Integration des Landes Nordrhein-Westfalen Ingund Schwarz Bayerisches Staatsministerium für Unterricht und Kultus, Wissenschaft und Kunst Catrin Wafula Senatsverwaltung für Bildung, Jugend und Familie, Berlin Marc-Oliver Krampe Bundesakademie für kulturelle Bildung Wolfenbüttel, Programmbereich Darstellende Künste Marie-Luise Krüger Bundesarbeitsgemeinschaft Spiel und Theater e. V., Bielefeld 38
Statistik Bewerbungen insgesamt: 103 Produktionsort Schulischer Bereich Berufsschule/-kolleg: 1 Gesamt-/Sekundarschule: 6 Berufliches Gymnasium: 1 Gymnasium: 13 Waldorfschule: 1 Schauspielschule: 1 Hochschule/Universität: 2 Außerschulischer Bereich Bürgerbühne: 4 Theatergruppe an einem freien Theater: 13 Jugendclub an einem Stadt-/Landes-/ Staatstheater: 21 Jugendclub an einem Kinder- und Jugend- theater: 10 Freie Gruppen: 30 Alterszusammensetzung aller Ensembles Überwiegend 11 bis 15 Jahre: 8 Überwiegend 11 bis 21 Jahre: 28 Überwiegend 11 bis 28 Jahre: 4 Überwiegend 15 bis 19 Jahre: 20 Überwiegend 15 bis 21 Jahre: 9 Überwiegend 15 bis 28 Jahre: 11 Überwiegend 18 bis 21 Jahre: 5 Überwiegend 20 bis 28 Jahre: 3 Intergenerativ: 14 Keine Angabe: 1 39 Verteilung auf Bundesländer Baden-Württemberg: 6 Bayern: 12 Berlin: 15 Brandenburg: 3 Bremen: 3 Hamburg: 2 Hessen: 5 Mecklenburg-Vorpommern: 3 Niedersachsen: 7 Nordrhein-Westfalen: 26 Rheinland-Pfalz: 3 Saarland: 1 Sachsen: 9 Sachsen-Anhalt: 2 Schleswig-Holstein: 1 Thüringen: 5 Spieler*innen gesamt: 1343 Weiblich: 871 Männlich: 427 Divers: 34 Gestrichen/none: 11
Weitere Treffen junge Szene der Berliner Festspiele 13. Tanztreffen der Jugend 26. September bis 2. Oktober 2026 41. Treffen junger Autor*innen 26. bis 30. November 2026 Bewerbungen sind noch bis zum 15. Juli 2026 möglich. 43. Treffen junge Musikszene 25. bis 30. November 2026 Bewerbungen sind noch bis zum 31. Juli 2026 möglich. 40 Informationen zu den Wettbewerben und den Bewerbungsbedingungen auf: berlinerfestspiele.de/treffen-junge-szene Das Programm der Treffen junge Szene gliedert sich in drei Säulen: Auf der Bühne erfolgen die öffentlichen Präsentationen der Arbeiten der ausgewählten Künst- ler*innen. In verschiedenen Workshop- und Gesprächsformaten können die Teilneh- mer*innen sich austauschen. Das Forum richtet sich an künstlerische Leitungen und Studierende der jeweiligen Bereiche der kulturellen Jugendarbeit. Die Treffen junge Szene der Berliner Fest- spiele umfassen vier Bundeswettbewerbe, die gefördert werden vom Bundesministe- rium für Bildung, Familie, Senioren, Frauen und Jugend (BMBFSFJ).
Team Thetertreffen der Jugend Leitung Susanne Chrudina Berliner Festspiele Intendanz Matthias Pees Produktions-/Organisationsleitung Renate Kligge Kaufmännische Geschäftsführung Charlotte Sieben Dramaturgie/Organisation Rahmenprogramm Daja Vogt Leitung Kommunikation Claudia Nola Mitarbeit Daniela Gromer, Lena Lipps, Olga Preiss, Juliane Spence Leitung Technik Matthias Schäfer Studentische Mitarbeit Johannes Ambrosius, Liske Martens, Siera Sowe Künstlerische Betriebsdirektion Christine Leyerle FSJ Kultur Selma Steiner Dank an alle Beteiligten und Kolleg*innen, die am Theatertreffen der Jugend 2026 mitwirken. Technik Die technischen Abteilungen der Berliner Festspiele Spielstättenleitung Jenny Redmann Redaktion ARTEFAKT Kulturkonzepte, Daja Vogt Copyright 2026 Berliner Festspiele, Autor*innen und Fotograf*innen Bildnachweise S. 4 Laura Kohlhoff, S. 8 Michael Helbig, S. 12 Christian Knieps, S. 16 Sascha Schlegel, S. 20 privat, S. 24 Viktoria Gurina, S. 28 Dominique Brewig, S. 41 Berliner Festspiele, Foto: Dave Grossmann Berliner Festspiele Schaperstraße 24 10719 Berlin + 49 30 254 89 0 info@berlinerfestspiele.de berlinerfestspiele.de Die Berliner Festspiele werden gefördert von Das Theatertreffen der Jugend ist Teil der Treffen junge Szene der Berliner Festspiele. Impressum Herausgeber: Berliner Festspiele, ein Geschäftsbereich der Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin GmbH, Schöneberger Straße 15, 10719 Berlin; Geschäftsführung: Matthias Pees (V.i.S.d.P.), Charlotte Sieben, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, Tricia Tuttle; Design: 3pc; Druck: PIEREG Druckcenter Berlin GmbH Stand: 11. Mai 2026, Programmänderungen vorbehalten 42
Alle öffentlichen Veranstaltungen stehen euch in der Berliner Festspiele Mediathek zur Verfügung. berlinerfestspiele.de/ mediathek Unter dem Hashtag #TreffenJungeSzene findet ihr uns auf Instagram und Facebook. 45