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12. Tanztreffen der Jugend Vorwort Susanne Chrudina Leiterin Treffen junge Szene 2 Auswahl Tanztreffen der Jugend 2025 Caperucita Roja Fatigateau Ich bin leidenschaftlich anders … M.y Y.ear O.f S.tress A.nd R.ealisation Mindcage Selbstgespräche Spark touch_taff Delegierte Jury Kuratorium Statistik Treffen junge Szene Team 4 8 12 16 20 24 28 32 36 40 42 43 44 46
Vorwort „Wie stark muss man sein, um zart sein zu können?“ touch_taff „Köpfe voller Gedanken. Gedanken, die wie unsichtbare Mauern wirken, uns einengen und den Weg versperren, aus unseren mentalen Grenzen auszubrechen.“ Mindcage Die eigenen Mauern niedertanzen Tanz öffnet einen außergewöhnlichen Raum, einen Raum der besonderen Möglich- keiten, einen Raum, in dem der Mensch sich verlieren und wahrhaft finden kann, in dem Identitäten abgelegt, angenommen, erprobt und neu erfunden werden können. Tanz erlaubt, ganz bei sich selbst zu sein, intimste Momente zu erleben und dennoch ganz ohne Worte in Kommunikation mit anderen zu treten und sich als kleines Teilchen in einer großen Gemeinschaft aufzulösen. Tanz ist eine Spielwiese für Neugierige, stiftet Bezie- hungen, gibt Identität. In der diesjährigen Auswahl des Tanztreffen der Jugend reflektieren die Künst- ler*innen intensiv, was ihre Identität ausmacht und welche Rolle und Position sie in der Gesellschaft einnehmen. Sie suchen den klaren und ungeschönten Blick auf sich selbst, setzen sich mit den an sie gestellten Erwartungen auseinander, mit dem Druck, der auf sie ausgeübt wird, mit dem Spannungsfeld zwischen gesellschaftlicher Normierung und ihrem eigenen Anderssein. Tanz ist dabei der Freiraum des Perspektivwechsels, des Zweifelns und der Experimente. Dabei durchdenken die jungen Tanzschaffenden beson- ders kritisch die selbst errichteten oder fraglos akzeptierten Grenzen, Mauern und Bar- rieren, von denen sie sich einschüchtern und einschränken lassen. Tänzerisch erzählend und mit starkem theatralem Ausdruck versuchen die Tänzer*innen in ihren Produktionen diese Mauern zu überwinden und niederzutanzen als einen Akt der Identitätsfindung und Selbstbehauptung. Die 12. Ausgabe des Tanztreffen der Jugend stellt unterschiedlichste Arbeiten vor, vom Solo und Trio bis hin zum großen Ensemblestück mit mehr als 30 Tanzenden. Wir dürfen kurze, intensive Arbeiten von wenigen Minuten Länge erleben, ebenso wie abendfüllende Stücke. Stilistisch bewegen sich die ausgewählten Produktionen im zeitgenössischen und urbanen Tanz: Es gibt Contemporary-Choreografien zu sehen, Improvisations-Elemente, Kombinationen von zeitgenössischem Tanz und Akrobatik, 2
urbanes Tanztheater mit starkem theatralem Ausdruck, House, Breaking und Hip-Hop. Erfreulich ist, dass die Tendenz zu eigenständigen Arbeiten junger Tanzschaffender weiter zunimmt: Die Hälfte der ausgewählten Inszenierungen sind auf Eigeninitiative und in Eigenregie der jungen Tanzschaffenden entstanden. Häufig wurde kollektiv gearbeitet und die Ensemblemitglieder haben unter anderem Originalmusiken kreiert oder Kostüme und Bühnenbilder entworfen. Und uns erwartet sogar eine Live-Band auf der Bühne. Mauern und Schranken niedertanzen – das ist auch im Rahmenprogramm des Tanz- treffen Motto. Wir freuen uns daher besonders, in diesem Jahr im Rahmen von „Über die Grenzen“ das englische Gastspiel „Gravity“ der National Youth Dance Company (NYDC), ein Projekt des Sadler’s Wells unter der künstlerischen Leitung von Boy Blue, zeigen zu können. Besonderer Dank geht hier an die Regierung des Vereinigten Königreichs und das Arts Council England für die Finanzierung dieses Gastspiels, das so wichtige Impulse in unser Festival sendet. Das diesjährige Festivalprogramm geht auf die leidenschaftliche und besonnene Arbeit der Jury zurück. Ich danke allen Juror*innen für ihre Energie und diese großartige Auswahl der Preisträger*innen. Das Tanztreffen könnte nicht sein, was es ist, ohne das fantastische Team der Treffen junge Szene, und die Kolleg*innen der Berliner Festspiele, die mit vollem Einsatz und Herz alles daransetzen, die junge Tanzkunst auf unseren Bühnen strahlen zu lassen. Danke! Mein inständiger Dank geht an das Bundesministerium für Bildung, Familie, Senio- ren, Frauen und Jugend (BMBFSFJ), das mit seiner Förderung dieses Tanztreffen möglich macht, und damit unterstützt, Mauern und Grenzen zu überwinden, was in diesen Zeiten so wichtig ist. Liebe Preisträger*innen, Delegierte, Tanzschaffende, liebes Publikum, liebe Gäste, herzlich willkommen zum Tanztreffen der Jugend 2025! Lasst uns einander begegnen, über Grenzen hinweg, und gemeinsam die Mauern niedertanzen. Susanne Chrudina Leiterin Treffen junge Szene „was heißt überhaupt anders wer sagt was anders ist und was gleich wer hat diese irrwitzigen Regeln überhaupt aufgestellt“ Ich bin leidenschaftlich anders ... „Wer bin ich, wenn niemand zusieht?“ Selbstgespräche 3
Caperucita Roja Renata Flores Junge Choreograf*innen, Bad Honnef tanzt e. V. Bad Honnef, Nordrhein-Westfalen Von und mit Renata Flores Tanz und Choreografie Anna-Lu Masch Coaching Mo 29.9.2025 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Seitenbühne 5
Produktion und Ensemble In ihrem Solo setzt sich die 18-jährige Renata Flores mit Identität, Selbstwahr- nehmung und kultureller Zugehörigkeit auseinander. Ausgangspunkt ist ihre eigene Lebensgeschichte: Als Kind aus Mexiko nach Deutschland gekommen, erzählt sie durch Bewegung, Sprache und Symbolik vom Ringen um einen Platz zwischen zwei Kulturen. Kleidungsstücke stehen für Rollen, die sie ausprobiert, aber wieder abgelegt hat. Ein Spiegelturm wird zur Projektionsfläche für Unsicherheiten – aber auch für die Kraft, sich selbst treu zu bleiben und zu akzeptieren. Ihre Muttersprache und Rotkäppchen als Sym- bol für Kindheit und Erinnerung stehen im Mittelpunkt des Solos. Ein kraftvoller Tanz über das Erwachsenwerden und die Suche nach Zugehörigkeit, ohne sich selbst zu verlieren. Die Jungen Choreograf*innen sind eine freie, alters-, fähigkeits- und kulturge- mischte Jugendtanzkompanie aus Bad Honnef. Im Rahmen des Vereins Bad Honnef tanzt erhalten die Teilnehmenden die Möglichkeit und das Handwerkszeug, eigene Tanzstücke zu entwickeln – von der ersten Idee bis zur Bühnenreife. Im Zentrum stehen die individu- ellen Perspektiven der Jugendlichen sowie ein selbstbestimmter künstlerischer Prozess – ohne festgelegte Tanztechnik oder vorgeschriebenen Stil. Begleitet durch Coaching pro- fessioneller Künstler*innen verschiedener Sparten arbeiten die Jungen Choreograf*innen eigenständig an ihren Konzepten, tauschen sich interdisziplinär untereinander aus und bekommen Raum für Experimente, Reflexion und Entwicklung. Die Arbeiten werden regel- mäßig öffentlich präsentiert, unter anderem beim eigenen jährlichen Tanzfestival vor Ort. 2024 wurde ein Stück der Kompanie erstmals zum Tanztreffen der Jugend eingeladen. Renata Flores ist seit vier Jahren Teil der Jungen Choreograf*innen. In dieser Zeit hat sie eine klare künstlerische Sprache entwickelt und mehrere Solo- und Gruppenarbeiten aus der Improvisation heraus choreografiert, ohne sich in einem bestimmten Tanzstil festzulegen. Ihre Stücke sind geprägt von starken Bildern, persönlicher Tiefe und Emotionen. Renatas Arbeiten zeichnen sich aus durch großen Ideenreichtum und gestalterischen Mut. Anna-Lu Masch ist Tänzerin, Choreografin und Gründerin von Bad Honnef tanzt im Jahr 2012. Ihre Arbeit verbindet professionelle Bühnen- kunst mit partizipativen Formaten für Menschen jeden Alters. Sie legt einen besonderen Fokus auf die Arbeit mit Tanz in Schulen. Als Leiterin der Jungen Choreograf*innen begreift sich Anna-Lu als Coach, Inputgeberin, Begleiterin und Rahmen- geberin, während die Regie bei den Teilnehmenden liegt. 2024 erhielt ihr Projekt „Magic Future“ den Bundespreis „Mixed up“. Seit der Spielzeit 2023/24 ist sie als Tanzvermittlerin am Theater Bonn tätig. 2025 übernahm sie die Leitung des NRW- weiten Fortbildungsprogramms „Tandem Tanz“ von Aktion Tanz e. V. 6
Jurykommentar Eine Solo-Performance als künstlerischer Akt der Selbstermächtigung. Mit ihrem selbst entwickelten Solo „Caperucita Roja“ schafft Renata Flores ein ebenso kraftvolles wie berührendes Bühnenereignis. Ausgehend von der bekannten Figur des Rotkäppchens entwirft sie eine vielschichtige autobiografische Erzählung, in der das Märchenhafte mit dem Persönlichen, das Verletzliche mit dem Widerständigen und das Spielerische mit dem Politischen in einen dichten künstlerischen Dialog treten. Renata nutzt die Erzählstruktur des Märchens, um die Geschichte umzuschreiben – und zwar mit dem eigenen Körper als Medium. Was bei ihr auf der Bühne geschieht, ist ein existenzieller Ausdruck innerer Erfahrung. Dabei verwebt sie Tanz, Musik, Licht, Büh- nenbild und Kostümgestaltung zu einem kohärenten und poetischen Gesamtkunstwerk. Jedes dieser Elemente ist durchdacht, präzise gesetzt und unterstützt die emotionale und narrative Kraft der Performance. Besonders eindrücklich ist sowohl die physische Ausdrucksstärke als auch Renatas Spiel mit den Stilmitteln. Während ihre tänzerische Darbietung erzählt, widersteht, auf- bricht, sich schützt und herausfordert, tritt die Tänzerin bewusst in Beziehung zur sorg- fältig ausgewählten Musik und zum Bühnenbild: Überall sind persönliche und emotional aufgeladene Gegenstände platziert. Renata füllt und nutzt den ganzen Bühnenraum und verändert diesen und ihr Kos- tüm ganz so, wie es ihre persönliche Geschichte verlangt. Durch den Wechsel zwischen kraftvollen Bewegungen und Momenten der Stille entsteht eine emotionale Tiefe, die das Publikum unmittelbar erreicht und herausfordert. Renatas Solo ist ein Tanz, der sich nicht nur durch Technik, Ästhetik und Bühnenbild auszeichnet, sondern vor allem durch Au- thentizität. Was besonders heraussticht, ist der autobiografische Bezug und dessen trans- formative Wirkung. Renata nutzt ihre Geschichte, um daraus Kraft zu schöpfen und eine künstlerische Form zu finden, die über das Persönliche hinausweist. Sie schafft damit Identifikationsräume, gerade für junge Menschen, die sich mit Themen wie Selbstbestim- mung, Othering, Rollenbildern und Stärke inmitten von Verletzlichkeit auseinandersetzen. „Caperucita Roja“ ist mehr als eine Soloarbeit – es ist eine choreografische Selbst- behauptung, eine Einladung zum Perspektivwechsel, ein starkes Zeichen für die künst- lerische Ausdruckskraft junger Tänzer*innen. Renata Flores zeigt mit dieser Performance eindrucksvoll, wie Tanz zum politischen, biografischen und zugleich poetischen Medium werden kann. Ihre Arbeit bewegt – im tiefsten Sinne des Wortes. Die Jury würdigt mit „Caperucita Roja“ eine künstlerisch eigenständige, durchdachte und emotional berühren- de Performance, die durch ihre Komplexität, ihre gestalterische Klarheit und ihre the- matische Relevanz herausragt. Renata Flores ist mit dieser Arbeit eine bemerkenswerte Stimme im zeitgenössischen Tanz – mutig, ehrlich und absolut eigen. Raphael Moussa Hillebrand und Mila Lipicar 7
Fatigateau Junior Company Bonn – They Might Be Giants Koproduktion von CocoonDance Company und Theater im Ballsaal Bonn Bonn, Nordrhein-Westfalen Von und mit Lene Victoria Burgardt, Lilith Chiriac, Anna-Naomi Kirchhoff, Emilia Klinz, Lola Kornbrust, Nelli Kornbrust, Clara Krueger, Marie Krüger, Emilia Lichte, Mina Locke, Maris Pauka, Nima Robin Saffarian, Ella Schwarzer, Anna Wehmschulte Lola Kornbrust, Emilia Lichte, Maris Pauka, Robin Nima Saffarian Choreografie, Konzept Marcus Bomski, Fa-Hsuan Chen, Rafaële Giovanola, Ada Sternberg Künstlerische und choreografische Beratung Szymon Wojcik Musik Lilith Chiriac, Fa-Hsuan Chen Kostüme Milon Pauka, Jan Wiesbrock Licht- und Raumgestaltung Rainald Endraß Dramaturgische Beratung Do 2.10.2025 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne 9
Produktion und Ensemble Schneller, höher, weiter. So empfinden junge Menschen die Welt von heute und fürchten, diesem Tempo und den damit verbundenen Anforderungen nicht mehr stand- halten zu können. Die Bonner Junior Company erkundet in „Fatigateau“, ihrem insgesamt zehnten, aber ersten künstlerisch komplett eigenständig erarbeiteten Stück, die viel- schichtigen Dimensionen von Erschöpfung. Dahinter steht das Gefühl, robotergleich durchs Leben zu rasen und funktionieren zu müssen, zu wenig Zeit für sich selbst und andere zu haben und dabei doch eigentlich zu erschöpft zu sein, um den hohen Erwartun- gen an eine junge, dynamisch-positive Generation gerecht zu werden. Gleichzeitig sehen die Tänzer*innen es als Geschenk, diesem Gefühl der Erschöpfung auf der Bühne Raum und Ausdruck verleihen zu können, sich ganz im Hier und Jetzt zu verlieren, sie selbst zu sein, und jederzeit von der Gruppe getragen zu werden. „Fatigateau“ ist die offene und kreative Auseinandersetzung mit einem scheinbaren Widerspruch – der einsamen Erschöpfung (frz. fatigue) und der süßen Leichtigkeit – die durch gemeinsame Erfahrung entsteht, wie ein Kuchen (frz. gâteaux), den man gut miteinander teilen kann. Die Junior Company Bonn hat sich seit 2013 zu einem „Möglichkeitsraum“ für Heranwachsende zwischen 8 und 22 Jahren entwickelt. Die Fähigkeiten und Potenziale sind von Projekt zu Projekt gewachsen. Vor allem haben die Jugendlichen sich den Tanz als eine Lebensform angeeignet, in der Freiheit und Selbstbewusstsein gestaltet und erfahren werden können. Im Mittelpunkt der langjährigen partnerschaftlichen Zusammen- arbeit mit der professionellen CocoonDance Company steht das Künstlerische, das auch jenseits pädagogischer Zielsetzungen wichtige Freiräume schafft. CocoonDance Company Das kollektive Projekt CocoonDance um die Schweizer Choreografin Rafaële Giovanola, Preisträgerin des Deutschen Theaterpreises DER FAUST 2022, ist aus der europäischen Tanzszene nicht mehr wegzudenken. Seit ihrer Gründung im Jahr 2000 ist die deutsch-schweizerische Kompanie mit rund 50 Produktionen auf fünf Kontinenten unterwegs und wurde mehrmals mit Einladungen zu den renommierten Veranstaltungen der Szene auf nationaler und internationaler Ebene aus- gezeichnet. Wesentlich für die Arbeit sind kontinuierliche Teamarbeit, kollektive Entscheidungsprozesse, sowie eingehende Körperrecherche. 10
Jurykommentar Beim Betreten des Theaterraums empfangen uns vibrierende Bässe. Immer wieder erklingt aus den Boxen die Aufforderung „Work it!“ – wie ein Mantra unserer Leistungs- gesellschaft. Wir haben die freie Wahl, an einer der vier Seiten der Spielfläche Platz zu nehmen – der klassische Bühnenraum ist aufgehoben. Die Tanzenden durchqueren bereits energetisch den Raum – mal einzeln, mal übernehmen sie die Bewegungsmuster der anderen. Sie erzeugen eine Atmosphäre von Geschäftigkeit und Hektik, die an einen Maschinenraum erinnert. Von Beginn an beeindruckt die Klarheit der choreografischen Sprache. Das Ensem- ble spielt mit Rhythmus und Wiederholung: Körper zittern, zucken, stürzen, richten sich wieder auf. Die Bewegungen scheinen sich einzuschleifen, ein Gefühl des Aushaltens macht sich breit. Schnell wird deutlich: Hier geht es nicht um bloßes Tanzen – hier wird er- zählt. Vom Müde-Sein, vom Druck zu funktionieren. Von Körpern, die durchhalten, obwohl sie an der Grenze zur Erschöpfung stehen. Die Bewegungssprache der Jugendlichen ist authentisch – spürbar wird, dass sie sich auf die Suche nach ihren eigenen körperlichen Ausdrucksmöglichkeiten begeben haben. Kollektive Momente, in denen sich die Tänzer*innen gegenseitig stützen, auffan- gen oder mitziehen, wechseln mit Szenen fast schmerzhafter Einsamkeit. Die daraus ent- standenen, kaleidoskopartig wechselnden Bilder reflektieren ihre Sicht auf Themen wie Müdigkeit, Leistungsdruck und die Sehnsucht nach Entschleunigung mit großer Dringlich- keit. Die Mitglieder der Junior Company Bonn verfügen über langjährige Erfahrung in der Entwicklung von Tanzstücken – und doch war bei dieser Produktion vieles neu. Der Ver- such, erstmalig ganz eigenständig in einem kollektiven Schaffensprozess, ein Stück zu kreieren, ist ihnen auf beeindruckende Weise gelungen. Man spürt, dass sich alle Beteilig- ten nicht nur körperlich, sondern auch inhaltlich mit dem Phänomen der Erschöpfung, das uns alle betrifft, auseinandergesetzt haben. Mit „Fatigateau“ ist der Gruppe ein eindrucksvolles Zusammenspiel aus Tanz, Raum und Klang gelungen – eine Inszenierung, die die Zuschauenden gleichermaßen fordert und berührt. Hier wird nicht über Erschöpfung getanzt, sondern mit ihr. Danke für euren Mut, euch diesem wichtigen Thema auf so verletzliche Weise zu stellen! Silke Gerhardt 11
Ich bin leidenschaftlich anders … Grundkurs Urbaner Tanz der Klasse 11 Gerda-Taro-Schule Leipzig, Sachsen Mit Nele Brock, Leonard Damm, Arthur Engelhardt, Nora Falke, Jessica Fritsche, Timon Funk, Tessa Gröll, Sten Heß, Sophie Hild, Lisbeth Kaschel, Fabian Kintz, Isabell Kröber, Clara Krönert, Louéta Lorenz, Ava Meerz, Alisa Mundierow, Leonora Oettel, Maya Pohlhaus, Helena Quaas, Matilda Schäfer, Gustav Schutte, Lotte Seydel, Johanna Thieme, Paula Veit, Oscar Vojacek, Pino Volland, Finn Wagner, Carlo Wallinger, Marie Wasserscheid, Emil Weihmann, Lena Wenzel, Anjali Worms Hannah Lesselberg Text Gedicht „Menschenmuster – Mustermenschen“ Louéta „Lou“ Lorenz Lesung Gedicht „Menschenmuster – Mustermenschen“ Timon Funk, Leonora Oettel Gesang Leonie Haigis, Mathias „Beat Bohème“ Buckl Choreografie, Kurs- und Projektleitung Mathias „Beat Bohème“ Buckl Licht, Ton, Projektion Sa 27.9.2025 20:15 Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne 13
Produktion und Ensemble Identitätsfragen begleiten uns ein Leben lang. Sie sind eng verbunden mit der Frage nach Zugehörigkeit. Wer bin ich? Wie sehen mich die anderen? Von wem oder was bin ich ein Teil? Und von wem oder was möchte ich ein Teil sein? Wer oder was kann, muss und darf ich sein? Diese Fragen und die Suche nach sich selbst werden im Stück tänzerisch untersucht. Der eigene Platz ist das zentrale Element der Choreografie. Den roten Faden des Stückes bildet das Gedicht „Menschenmuster – Mustermen- schen“ der ehemaligen Schülerin Hannah Lesselberg. Der Text zieht sich in Fragmenten durch den Handlungsverlauf. In die tänzerische Auseinandersetzung mit dem Thema fließen auch A-Cappella-Sequenzen sowie der Song „Keiner“ von Lou, einer beteiligten Tänzerin, ein. An der Gerda-Taro-Schule Leipzig gibt es seit dem Schuljahr 2023/24 die Möglich- keit, den fächerverbindenden Grundkurs „Urbaner Tanz / Urbanes Tanztheater“ zu wäh- len. Im Rahmen dieses Kurses entstand „Ich bin leidenschaftlich anders …“ als Jahres- ergebnis im Schuljahr 2024/25. Es sind insgesamt 32 Schüler*innen beteiligt. Das Stück setzt sich in großen Teilen aus Ergebnissen zusammen, die die Schü- ler*innen im Rahmen von zu erbringenden Aufgaben entwickelt und gestaltet haben. Die Schüler*innen können den Kurs als Zusatzkurs wählen und besuchen diesen 90 Minuten pro Woche. Der Schwerpunkt im Schuljahr 2024/25 lag auf der Verbindung von Tanz und Musikalität. Die vorrangig vermittelten Tanzstile waren House, Breaking und zeitgenössi- scher Tanz. Leonie Haigis ist Fachlehrerin für Französisch, Sport und Tanz. Bereits in ihrer Schulzeit engagierte sie sich in Tanz- und Theaterprojekten. Später absolvierte sie Praktika beim Jungen Ensemble Stuttgart. Sie war 2013 – 2015 Teilnehmerin im Trainee-Programm des Leipziger Tanztheaters und Mitglied der Kompanie. 2023 studierte sie den Urban-Dance-Lehrgang an der Anton-Bruck- ner-Privatuniversität Linz. Mathias Buckl ist Fachlehrer für Deutsch, Biologie und Tanz. Seit 1994 haben ihn urbane Tanzstile fest im Griff. Neben der Teilnahme an zahlreichen Workshops bei namhaften Tänzern wie Niels „Storm“ Robitzky, Niako, Caleaf, Damon Frost und weiteren, studier- te er Tanz in Schulen an der Deutschen Sporthochschule Köln und den Urban Dance Lehrgang an der Anton-Bruckner-Privat- universität Linz. Seit 2010 arbeitet er an seiner Vision, mit Tanz mehr Bewegung und Kreativität in die Schule zu bringen und Tanz zum Unterrichtsfach zu machen. 14
Jurykommentar 32 Tänzer*innen erschaffen mit Solos, Duetten, Trios und kraftvollen Gruppen- momenten ein eindrucksvolles Tanz-Mosaik. Dabei fließen Stile wie House, Hip-Hop, Breaking und Elemente des zeitgenössischen Tanzes ein – immer wieder neu zusammen- gesetzt, auseinandergebrochen, neu geordnet – begleitet von verschiedenen Tracks und klaren Themen: Menschen, Muster, Mustermenschen? Diese Themen verhandeln die Jugendlichen in tänzerischen Bildern, die laut und leise, wild und explosiv, dann wieder zurückgenommen und verletzlich sind. Dabei geht es stets um das Spannungsfeld zwischen Gleich- und Ungleichheit, um Identität und um Zugehörigkeit. Im Zentrum des Stücks stehen Fragen wie: Wie sehr leben wir nach gesellschaftlichen Mustern – bewusst oder unbewusst? Müssen wir bestimmten Erwartungen entsprechen? Entsprechen andere Menschen unseren Erwartungen? Und wie können wir einfach nur wir selbst sein? „Du bist anders, weil du nicht über Opas diskriminierende Witze lachst“, ertönt eine Stimme aus dem Off während einer Szene im Stück. Es handelt sich um Textfrag- mente eines Gedichts einer ehemaligen Schülerin – persönliche, berührende Worte, die die Tänzer*innen aufgreifen und in Bewegung übersetzen. Gleichzeitig kristallisieren sich vereinzelt Tänzer*innen aus einem Klumpen von Menschen heraus und suchen in ihrer Bewegungssprache nach einem Platz inmitten von vielen. Die Stimme aus dem Off zieht sich wie ein roter Faden durch das Stück und greift immer wieder Fragen auf, die viele Menschen, unabhängig von ihrem Alter, beschäftigen: „Wer bin ich? Und wo gehöre ich hin?“ Während einerseits das Thema des Stücks die Zuschauenden emotional berührt, betrifft und herausfordert, zeugt andererseits die Bewegungssprache der Schüler*innen von einem bemerkenswerten Engagement. Durch die kreative Weiterentwicklung von Bewegungsimpulsen wurden authentische, künstlerisch wie emotionale Szenen kreiert, mit denen sich die Tänzer*innen wohlfühlen und identifizieren können. Die Arbeit an dem Stück zeigt, wieviel Eigeninitiative, Neugier und Lust am Ausprobieren in dieser Gruppe steckt. Genau das macht sich auch im Tanz bemerkbar: Die Bewegungen sind ausdrucks- stark, die Emotionen greifbar, die Aussagen klar. Danke an euch, liebe Tänzer*innen, dass ihr euch mit diesem kraftvollen und wichti- gen Stück beim Tanztreffen der Jugend beworben habt. Ihr zeigt, was passiert, wenn Tanz ein Teil von Schule wird und welche Räume sich dadurch öffnen! Mila Lipicar 15
M.y Y.ear O.f S.tress A.nd R.ealisation Art & Dance Junior Company Art & Dance Lörrach, Baden-Württemberg Von und mit Clara Brandt, Frieda Brunner, Greta Dischinger, Lilli Meißner, Sydney Mosch, Helene Schäfer, Sophie Tremmel Marie da Silva Choreografie Sylvia Künnecke Schulleitung So 28.9.2025 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne 17
Produktion und Ensemble Inspiriert von Ottessa Moshfeghs Roman „My Year of Rest and Relaxation“ setzt sich das Tanzstück „M.y Y.ear O.f S.tress A.nd R.ealisation“ mit den Auswirkungen äußerer Einflüsse auf Körper, Geist und gesellschaftliche Strukturen auseinander. Die jungen Tänzerinnen der Junior Company der Tanzschule Art & Dance Lörrach, alle mit Wettbewerbserfahrung, bewegen sich durch choreografisch komponierte Räume und reagieren mit ihren Körpern auf Druck, Erwartungen und den permanenten Leistungs- anspruch. Ihre Bewegungen spiegeln das Spannungsfeld zwischen äußerem Einfluss und innerer Verarbeitung – sie entstehen im Wechselspiel von Disziplin, Zweifel und dem Streben nach Selbstbestimmung. Die Choreografie ist in enger Zusammenarbeit mit den Tänzerinnen entstanden und über einen gemeinsamen, offenen Probenprozess hinweg gewachsen. Jede Bewegung trägt persönliche Anteile, jede Szene reflektiert individuelle Erfahrungen. Im Verlauf des Stücks wird sichtbar, wie tiefgreifend Veränderung sein kann, wenn junge Menschen beginnen, das vermeintlich Normale zu hinterfragen. Der Tanz wird zur Sprache zwischen Müdigkeit, Rebellion und Befreiung. Synchronität steht für Gemein- schaft und Halt, während Soli und Duette persönliche Wahrheiten ausdrücken. Kleine Begegnungen zeigen Reibung, Konsens oder auch den Mut, sich abzugrenzen. „M.y Y.ear O.f S.tress A.nd R.ealisation“ ist ein choreografisches Statement über mentale Überforderung, soziale Anpassung und die stille Kraft der Selbstermächtigung, getanzt von jungen Frauen, die ihre eigene Stimme im System suchen und behaupten. Maria da Silva wurde 2002 geboren und ist eine deutsch-portugiesische Tänzerin und Choreografin im zeitgenössischen Tanz. Sie studierte an der Züricher Hochschule der Künste und tanzte seitdem in mehreren Ensembles. Sie entwickelt eigene Arbeiten in engem Austausch mit der Art & Dance Tanzschule. 18
Jurykommentar Wir dürfen eine außergewöhnliche Gruppe würdigen – eine junge Kompanie, die mit bemerkenswerter Ausdruckskraft, künstlerischem Mut und choreografischer Klarheit überzeugt: die Art & Dance Junior Company aus Lörrach. Diese junge Kompanie zeigt, was Tanz sein kann: Spiegel, Frage, Dialog. Sie wagt Neues, verlässt ausgetretene Pfade – und tut das mit Neugier, Offenheit und einer Leidenschaft, die ansteckt. Die Arbeit erzählt sich durch choreografisch vielschichtige Momentaufnahmen und erlaubt es sich, atmosphärisch von einem Zustand in den nächsten zu wechseln – ohne den inneren Zusammenhang zu verlieren. Auffallend ist die hohe tänzerische Qualität: Die Gruppe arbeitet auf einem beein- druckenden technischen Niveau – mit großer Synchronität, starker Bühnenpräsenz und klar gesetzten Bewegungsstrukturen. Ihr Werk zeigt aber weit mehr von ihnen als ihre technische Präzision: Mit beeindruckender Reife und einem feinen Gespür für emotionale Tiefe haben diese jungen Tänzerinnen ein Kurzstück zum Thema Stress und Erkenntnis geschaffen, das uns berührt und zum Nachdenken anregt. Dass hier tänzerische Exzellenz auf künstlerische Eigenständigkeit trifft, ist keine Selbstverständlichkeit, sondern Ergebnis eines besonderen künstlerischen Prozesses. In enger Zusammenarbeit mit der Choreografin ist ein Stück entstanden, das in Workshops gemeinsam entwickelt wurde. Dabei wurde den Tänzerinnen Raum gegeben, eigene Ge- danken, Emotionen und Impulse einzubringen. Die Choreografie entfaltet eine erzählerische Kraft, die das Publikum nicht nur be- obachtet, sondern miterlebt. Ihr Tanz handelt von Dynamiken und Druck innerhalb einer Gemeinschaft, von innerer Zerrissenheit und individuellen Entscheidungen. Auf bemer- kenswerte Weise schafft es die Kompanie, innere Spannungen und Herausforderungen, die Stress mit sich bringen, durch ihr tänzerisches Vokabular auszudrücken. Die Bühne wird hier zum Resonanzraum für ein Thema, das aktueller nicht sein könnte – und das durch diese eindrucksvolle Ensembleleistung eine neue künstlerische Form erhält. Carmen Scarano und Daniela Rodriguez Romero 19
Mindcage ARS SALTANDI Company Ars Saltandi e. V. Hildesheim, Niedersachsen Mit Thea Bentz, Kaspar Blohmer, Amelie Evers, Emil Henke, Paul Henke, Maurin Katholnigg, Phineas Katholnigg, Emma Könneker, Lisa Marie Mann, Khira Scharf, Laura Voronovic Katrin Katholnigg, Peter Katholnigg Technik Mi 1.10.2025 20:50 Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne 21
Produktion und Ensemble Als selbst initiierte Truppe hatten wir die Idee, ein eigenes Bühnenprojekt auf die Beine zu stellen. Kaspar, Amelie und Laura übernahmen freiwillig die choreografische Leitung. Gemeinsam wählten wir ein zentrales Thema als Ausgangspunkt, daraus entwi- ckelte sich der rote Faden unseres Stücks: „Mindcage“ – die Gefangenschaft im eigenen Kopf. Wo liegen unsere Grenzen, und was hält uns zurück? Mentale Barrieren, die wir nicht nur allein, sondern auch gemeinsam als Gruppe innerhalb unseres Gedankenchaos zu durchbrechen versuchen. Durch Improvisationen und Austausch fanden wir zu gemeinsamen Bewegungs- abläufen. Die Choreografien entstanden aus Emotionen und Themen, die wir im Dialog vertieften. Was unsere Gruppe so besonders macht: Aus vielen verschiedenen Ideen und Stärken entstand ein harmonisches Ganzes. Jede*r konnte sich einbringen und Teil des Projekts sein. Die Gruppe lebt vom gegenseitigen Lernen und Inspirieren. Wir sind elf junge Tänzer*innen zwischen 16 und 21 Jahren und tanzen bereits seit rund zehn Jahren. Kennengelernt haben wir uns in unserer Tanzschule, der Ars Saltandi Dance & Drama School. Innerhalb des Vereins gibt es verschiedene ehrenamtliche Grup- pen, die regelmäßig an Auftritten teilnehmen und vielfältige Choreografien auf die Bühne bringen. Durch unser regelmäßiges Training sind wir wie eine zweite Familie zusammen- gewachsen. Laura Voronovic Ich bin Laura Voronovic (21) und tanze seit 13 Jahren. Inzwischen habe ich viele tanzpädagogische Erfahrungen gesammelt und an kleinen Choreografien oder Konzepten für Stücke gearbeitet. Wenn mich ein Wort im Tanzen beschreiben müsste, dann wäre es IMPRO! Ich liebe es, zu improvisieren, um Körper, Gedanken und Seele freien Lauf zu lassen. Amelie Evers Mein Name ist Amelie Evers (16) und ich tanze seit 13 Jahren – momentan vor allem die Stile Modern und Contemporary sowie seit sechs Jahren Stepptanz. Besondere Momente habe ich 2024 bei der European Gym for Life Challenge in Norwe- gen und beim Auftritt zum diesjährigen Kirchentag in Hannover erlebt. Kaspar Blohmer Ich bin Kaspar Blohmer (17), spiele Trompete und Klavier und treibe viel Sport (Bouldern, Akrobatik, Calisthenics, Tanz). Besonders erfüllt mich, wenn ich an meine Grenzen komme und die Möglichkeit habe, mich ohne große Worte auszudrücken. Die Erarbeitung unseres Stücks war für uns in dieser Konstellation, neben ein paar kleineren Projekten, die erste choreografi- sche Erfahrung. 22
Jurykommentar Wer kennt es nicht? Ewiges Gedankenkreisen, unsichtbare Grenzen im Kopf, die uns zurückhalten und in unserem Wachstum hindern. Das Stück „Mindcage“ macht diese inneren Barrieren und Prozesse durch eine intensive tänzerische Auseinandersetzung und ein markantes Bühnenbild spürbar. Ausgangspunkt dieser kollektiven Arbeit von der ARS SALTANDI Company waren Fragen nach inneren Begrenzungen – und Wegen in die Freiheit. In einem spürbar gemeinschaftlichen Prozess, geführt von drei kreativen Köpfen, mit flacher Hierarchie und hoher Eigeninitiative, ist das bildgewaltige Stück „Mindcage“ entstanden, in dem uns die Tänzer*innen auf ihre Suche nach Freiheit mitnehmen. Zwischen Isolation und Beziehung entfaltet sich ein Weg – vom Gefangensein bis zum Ausbruch: Grenzen werden verhandelt, überwunden und neu definiert. Dieser innere Konflikt entlädt sich in einem Spannungsfeld aus Wut, Verzweiflung, Angst und innerem Druck und trifft auf den tiefen Wunsch nach Freiheit, Selbstbestimmung und Befreiung aus dem eigenen mentalen Käfig. Von Beginn an werden die Zuschauer*innen in den Bann gezogen. Energiegeladen und intensiv zeigt sich eine Gruppe von Tänzer*innen auf Augenhöhe, die trotz kollektiver Kraft individuell bleiben. Die Tänzer*innen agieren voller Bewusstsein und glänzen mit ihrem Können. Ob im Trio, Duett, Solo oder als Gruppe, sie bewegen sich stets präsent und ausdrucksstark. Man sieht und spürt: Sie haben etwas zu sagen – und sie tun es mit vollem Einsatz. Diese Entschlossenheit trifft auf das Publikum und entfaltet Resonanz – körperlich, emotional, gedanklich. Klare Fokusse, ein überzeugender dramaturgischer Bogen und ein spürbares Ur- vertrauen in der Gruppe tragen das Stück. Beeindruckend ist auch der kreative Umgang mit dem Bühnenbild, dem „Mindcage“, das im Laufe des Stücks immer wieder dekonstru- iert wird. Die choreografische Dichte, starke Symbolbilder und klug gesetzte Konstellationen machen die Arbeit zu einem bemerkenswerten Gesamtkunstwerk. Akrobatische Elemen- te sind nahtlos eingebunden, nie vordergründig, sondern eingebettet in die Thematik. Sie sorgen für echte Wow-Momente, ohne vom Inhalt abzulenken und unterstützen die Spielfreude und Verhandlung auf der Bühne. Das Stück bleibt durchgehend vielschichtig: Höhen, Tiefen und enorme emotionale Intensität lassen das Publikum teilhaben. Es wird nie oberflächlich oder langweilig. Stattdessen entsteht ein weiter Raum an Interpreta- tionsmöglichkeiten – getragen von einem klaren Konzept und einer kompromisslosen, rohen und authentischen Ausführung. „Mindcage“ ist ein starkes, klug gebautes, inhaltlich wie tänzerisch beeindrucken- des Stück und absolut verdient eingeladen beim diesjährigen Tanztreffen der Jugend. Denn „Mindcage“ zeigt uns, dass wir aus unserem Gedankenkäfig ausbrechen können, es selbst in der Hand haben und Freiheit in uns finden können. In diesem Sinne: „Feel the fear and do it anyway!“ Lin Verleger 23
Selbstgespräche AERIALS Ensemble Pottporus e. V. Herne, Nordrhein-Westfalen Mit Elisa Aydin, Camila Carvalheiro Busz, Paul Konrad Eikmeier, Anna Ekwueme, Thandie Kröger, Zondiwe Kröger, Karina Lakgaj, Eva Theologou, Miracle Laackmann Choreografie Jacqueline Neuenhausen Choreografische Assistenz, Ensembleleitung Mi 1.10.2025 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne 25
Produktion und Ensemble Im Tanzstück „Selbstgespräche“ beschäftigen sich acht Tänzer*innen eines Ju- gendensembles mit zentralen Fragen zur eigenen Identität und Selbstwahrnehmung: Wer bin ich ohne die anderen? Wer bin ich in meiner Gruppe? Wer möchte ich sein? Und vor allem: Wer bin ich, wenn niemand zusieht? Die Produktion beleuchtet die inneren Konflikte und Konfrontationen, die entstehen, wenn man sich mit dem eigenen Ich auseinandersetzt. Im Mittelpunkt stehen dabei Selbst- gespräche – die inneren Dialoge, die oft unbewusst stattfinden und dennoch großen Ein- fluss auf unser Denken und Handeln haben. Diese inneren Stimmen verbinden bewusste Gedanken mit unbewussten Überzeugungen, Einstellungen und Emotionen. Sie helfen uns, Situationen zu bewerten, Entscheidungen zu treffen und Probleme zu lösen. Das Stück zeigt, wie diese Selbstgespräche auf der Bühne sichtbar und erfahrbar werden und was passiert, wenn die innere Stimme von Zweifeln und negativen Gedanken geprägt ist. Die Tänzer*innen machen diese Auseinandersetzung mit sich selbst durch Bewe- gung, Ausdruck und Körpersprache eindrucksvoll sicht- und erfahrbar. Das Tanzstück lädt das Publikum ein, in die Welt des inneren Erlebens einzutauchen und über die Bedeutung von Selbstreflexion, Selbstzweifel und innerer Stärke nachzudenken. So entsteht ein sen- sibles und kraftvolles Bild vom Kampf mit der eigenen inneren Stimme. Miracle Laackmann ist ein urbaner Tänzer, Choreograf und studierter Audio-Engineer. Er ist künstlerischer Leiter von Monada e. V. und Mitgrün- der des internationalen Free Spirit Festivals. Unterrichtet in der Disziplin Hip-Hop/Freestyle wurde er anfangs von Pionieren aus Deutschland und bildete sich von dort aus regelmäßig durch diverse Workshops weiter. Nun gibt er national und inter- national Workshops und sitzt bei vielen Veranstaltungen als Juror zu Gast oder performt seine eigenen Shows. Jacqueline Neuenhausen ist eine vielseitige urbane Tänzerin, Performerin und Choreografin mit großer künstlerischer Leidenschaft. Sie hat in zahlrei- chen Produktionen unter renommierten Choreograf*innen mitgewirkt. 2022 gründete sie das Jugendensemble AERIALS, um junge Talente zu fördern und ihnen eine Bühne zu bieten. Mit ihrem Engagement setzt sie sich für die urbane Tanzszene und die nächste Generation von Künstler*innen ein. 26
Jurykommentar Dunkelheit. Schwarze Mauern. In Schwarz gehüllte Körper und Gesichter bewegen sich lautlos davor. Ein Schrei. Ein Aufbrechen. Ein tastender Versuch, zu entkommen … Mit „Selbstgespräche“ ist dem AERIALS Ensemble aus Herne ein eindrucksvolles, tief bewegendes Tanztheaterstück gelungen. Es widmet sich einem Phänomen, das uns alle und vor allem auch viele junge Menschen betrifft – und über das dennoch selten ge- sprochen wird: den inneren Dialogen, dem gedanklichen Kreisen, dem ungeteilten Ringen mit sich selbst. Die Bühne wird zum Resonanzraum für das Unsichtbare. Die schwarzen Wände, auf die die Tänzer*innen zurennen, sind mehr als nur Kulisse – sie wirken als physische Metapher für mentale Barrieren. Besonders bemerkenswert ist dabei der Umgang mit dem Raum: Es gibt keine Markierungen, keine klaren Vorgaben. Und doch findet das Ensem- ble mit großer Koordination und klugem Einsatz von Requisiten seinen Weg – tänzerisch, körperlich, erzählerisch. Was wir erleben, ist eine authentische und künstlerisch durchdrungene Auseinan- dersetzung mit einem Thema, das tief in der Lebenswirklichkeit der Ensemblemitglieder verankert ist – und dem sich das Ensemble mit großer Offenheit, forschender Neugier und dem mutigen Teilen eigener Gedanken- und Selbstgespräche angenähert hat. Was wir auf der Bühne sehen, ist ein Spiegel innerer Kämpfe. Ein Ventil für das Unausgesprochene. Ein Aufruf, genau hinzusehen und zuzuhören! Die Choreografie verhandelt das Getrieben- sein durch innere Gedanken, das Ringen um Klarheit, die Abgrenzung der Innenwelt – und was passiert, wenn diese Gedankenwelten auf reale Begegnungen treffen. „Selbstgespräche“ bleibt in seiner Dramaturgie klar und nachvollziehbar. Die Ent- wicklung von düsteren, bedrängenden Bildern hin zu einem offeneren, beinahe hoff- nungsvollen Ton ist schlüssig und wirkt nie aufgesetzt. Das Ensemble erlaubt sich, emo- tional zu sein und zeigt Stärke – ohne dabei zu verhärten. Und es bleibt bei seinem Thema: dem Einfluss innerer Stimmen auf unser Denken, Fühlen und Handeln – in all seinen Facetten. „Selbstgespräche“ ist ein Stück, das herausfordert, berührt und bestärkt. Es ist ein sehr physisches und stilistisch vielseitiges Stück, das die künstlerische Kraft und Aus- drucksstärke junger Menschen eindrucksvoll unter Beweis stellt. Eine bemerkenswerte Leistung, die wir als Jury mit großer Anerkennung würdigen. Daniela Rodriguez Romero 27
Spark Emma Fischer-Fels, Malu Thiersch, Ben Stüttgen tanzhaus nrw Düsseldorf, Nordrhein-Westfalen Mit Emma Fischer-Fels, Malu Thiersch, Ben Stüttgen Choreografie und Tanz Ansgar Kluge Technik Lena Schmidt Organisatorischer Support Mo 29.9.2025 20:10 Haus der Berliner Festspiele, Seitenbühne 29
Produktion und Ensemble Das Stück „Spark“ handelt von Individualität und Passion und den darüber ent- stehenden Gemeinsamkeiten. Die Inhalte, die hauptsächlich aus unseren persönlichen Erfahrungen und unserem Alltag kommen, haben wir durch unsere Kreativität in Tanz um- gewandelt. Im Vordergrund stehen zwischenmenschliche Beziehungen, äußere Einflüsse auf das Individuum und Spaß am Tanzen. Wie können wir uns ausdrücken? Wie kommuni- zieren wir? Was für eine Rolle spielt Tanz dabei? Zuerst entstand ein kurzer, fünfminütiger Teil, der bei der Performance-Session von Takao Baba im tanzhaus nrw erstmalig gezeigt wurde. Danach entwickelten sich neue Ideen zur Weiterführung. Wir haben ausprobiert, in welche unterschiedlichen tänzeri- schen Richtungen wir gehen können. Daraus entstanden mehrere Teile, die wir zu einem Ganzen zusammengeführt haben – eine Fusion aus dem, was wir an unterschiedlichen Erfahrungen und Tanzstilen mitbringen. Wir haben einen Weg gefunden, miteinander zu kommunizieren und uns dadurch auszudrücken. Vor allem Musik spielt für uns eine wichtige Rolle. Sie bringt Menschen zu- sammen, man kann über sie kommunizieren. Wenn ein Song alle gleichermaßen berührt, entstehen Verbindung und nonverbale Verständigung. Tanz kann genauso funktionieren – aber für uns braucht Tanz auch Musik. Deshalb ist jeder Song in unserem Stück danach ausgewählt, ob er uns alle drei bewegt und etwas in uns auslöst. Der Titel „Spark“ weist darauf hin, dass wir uns am Anfang unserer Proben mit diesem Funken beschäftigt haben, der einen packt, wenn man Begeisterung spürt. Der Funke steht für uns sinnbildlich für das Gefühl der Begeisterung. Sich in etwas reinstei- gern. Motivation. Leidenschaft. Manchmal verliert man diesen Funken vielleicht – aber er ist immer da, auch wenn man ihn nicht sieht. Vertrauen. Von all dem und mehr handelt „Spark“. Emma Fischer-Fels, Malu Thiersch und Ben Stüttgen Ben, Malu und Emma haben sich in der Jugendkompanie des tanzhaus nrw in Düsseldorf kennengelernt und nahmen bereits 2024 am Tanztreffen der Jugend teil. Durch gemeinsame Tanzerfahrungen entstanden die ersten Ideen, die am Ende das Stück „Spark“ ergeben haben. Es verbindet sie ihre Leidenschaft für Tanz und Musik. Ihre tänzerischen Erfahrungen unter- teilen sich in verschiedene Stile. Emma tanzt Hip-Hop und House. Malu tanzt Hip-Hop und Afro, ihre Ursprünge liegen im Contemporary. Ben tanzt Hip-Hop und Breaking. Alle drei tanzen hauptsächlich Freestyle, lernen aber auch Choreo-Skills und performen gerne. Sie waren zu dritt bereits auf einigen Hip-Hop-Events und Festivals eingeladen. 30
Jurykommentar „Lass mal darauf einlassen.“ Das Trio von „Spark“ (engl. Funke) überzeugt durch eine erfrischende, eigene und ausdrucksstarke Bewegungssprache. Im Zentrum stehen die Suche nach der eigenen Identität in der Masse und das Spannungsfeld zwischen Individuum und Gruppe. Die Tänzer*innen experimentieren mutig und spielerisch mit Elementen aus di- versen Tanzstilen wie House, Hip-Hop und Breaking und entwickeln daraus eine eige- ne, körperlich wie emotional reiche Bildsprache rund um die Suche nach Identität. Die bewusste Verschränkung und Transformation unterschiedlicher Bewegungselemente zeugt von einer reflektierten, gestalterischen Auseinandersetzung mit unterschiedlichen Tanzformen. Diese Fähigkeit, verschiedene Einflüsse nicht nur zu zitieren, sondern in eine eigenständige, authentische Bewegungssprache zu überführen, ist ein Zeichen künstleri- scher Reife. Besonders beeindruckend ist auch der sensible Umgang mit den Momenten der Stille zwischen den einzelnen Musikstücken. Die drei Tänzer*innen begegnen sich in immer neuen Konstellationen, durchmessen den Raum auf vielfältige Weise und entfalten dabei eine mitreißende Energie. Ihre Bewegungen sind klar, artikuliert und federleicht, zugleich kraftvoll und zugänglich. Dabei springt der Funke über ins Publikum, aktiviert die Zuschauenden und weckt die Lust, sich selbst zu bewegen, zu springen, zu gleiten und zu grooven. Das Trio glänzt nicht nur durch seine tänzerische Präsenz, sondern auch durch die eigenständige, kollektive choreografische Arbeit auf Augenhöhe. „Lass mal darauf ein- lassen“, hieß es u. a. im Nachgespräch zur Frage nach der Herangehensweise. Die jungen Künstler*innen haben „sich eingelassen“ – haben gemeinsam recherchiert, ausprobiert, Ideen verworfen und neu begonnen – ein Prozess, der viel Mut erfordert und alles andere als selbstverständlich ist. Sie sind als Kollektiv durch Höhen und Tiefen gegangen, haben Rückschläge in kreative Energie verwandelt und so eine außergewöhnliche künstlerische Handschrift entwickelt. Gerade diese gemeinschaftliche, offene Arbeitsweise und die Be- reitschaft, sich immer wieder auf Neues einzulassen, zeugen von einem großen Vertrauen in die Gruppe, sich selbst und den Tanz. Die Produktion steht auch beispielhaft für das, was das Team der Tanzvermittlung im tanzhaus nrw durch seine kontinuierliche Arbeit hervorbringt und sichtbar macht. Es zeigt, wie wichtig Strukturen wie die Tanzvermittlung im tanzhaus für kulturelle Bildung, Selbstwirksamkeit und eigenständige künstlerische Arbeit von Jugendlichen sind. „Spark“ ist ein herausragendes Beispiel für die Kraft und das Potenzial des zeitge- mäßen Tanzes. Die Jury ist begeistert von der Kreativität, der Präzision und der Ausstrah- lung des Trios und gratuliert zu diesem inspirierenden Beitrag! Sonia Franken 31
touch_taff Inklusives Jugendtanzprojekt des Theater und Orchester Heidelberg / Dance Theatre Heidelberg (für die Tanzbiennale Heidelberg 2025) Heidelberg, Baden-Württemberg Mit Angela Blum, Anouk Emschermann, Johanna Folger, Vincent Gehlen, Citlali Hol Kieslich, Zoe Janson, Sofia Kuznetsova, Julia Lindenau, Karla Ohlmeier, Clara Rocholz, Arthur Rose, Karolin Schikore, Emilia Speck, Elisabeth Ströber, Fabian Ströber Corinna Clack, Gaëlle Morello, Jona Oldenburg Konzept, Künstlerische Leitung, Choreografie, Bühnenbild Jutta Glaser, Cordula Reiner-Wormit Komposition Jutta Glaser, Cordula Reiner-Wormit, Cris Gavazzoni, Matthias Debus Live-Musik Matthias Jacob-Burger Kostüm Jonah Fellhauer Lichtdesign Andreas Schulz Technische Leitung (Heidelberg) Eine Produktion des Theater und Orchester Heidelberg / Dance Theatre Heidelberg für die Tanzbiennale Heidelberg 2025. Mit freundlicher Unterstützung der Lamy Kulturstiftung, der Friederike-Lehrnickel-Stiftung und der Karin und Uwe Hollweg Stiftung. Di 30.9.2025 19:30 Haus der Berliner Festspiele, Seitenbühne 33
Produktion und Ensemble Wie schaffen es Jugendliche und junge Erwachsene, positiv und zart zu sein, dabei jedoch auch taff zu werden, wenn die Welt von einer Krise in die nächste stolpert? Wie geht Kooperation statt Konkurrenz? Wie Berührung statt Abschottung? Was gibt Hoff- nung? Was gibt Kraft? Und wie geht das alles zusammen und nicht auf Kosten anderer? Das Stück erzählt von Solidarität angesichts dieser Krisen, von der Kraft einer empowernden Gemeinschaft, davon, gemeinsam zu wüten, um nicht in alleiniger Hoffnungs losigkeit zu versinken, angesichts einer komplexen, fordernden Welt. Es erzählt aber auch von Schwierigkeiten auf diesem Weg der Vergemeinschaftung, davon, dass Inklusion nicht einfach und schon gar keine heile Welt ist, von Kompromissen, von Ausschlüssen und Machtdynamiken, davon, dass manche manchmal mehr halten und stützen, damit die anderen sich freitanzen können. Es geht darum, wie schwierig es ist, dass alle Bedürfnisse und Ausdrucksweisen in gleicher Weise vorkommen und dass es manchmal weh tut, dass andere so anders sind. Zwischen Berührbarkeit und Stärke, zwischen „touch“ und „taff“ wird ein Seil gespannt, auf dem zu balancieren eine Heraus- forderung ist. Wie stark muss man sein, um zart sein zu können? Das diverse Ensemble ringt um diese Themen, verkörpert sie und ermöglicht so auch dem Publikum eine beson- dere Erfahrung in besonderen Zeiten. „touch_taff“ ist das erste inklusive Tanzstück der Tanzbiennale Heidelberg. 15 Jugendliche und junge Erwachsene mit und ohne Behinderung träumen, wüten, zweifeln und hoffen gemeinsam, gestalten mit ihren Köpfen, Herzen und Körpern und bringen all das gemeinsam in den Tanz, in die Musik und auf die Bühne. Corinna Clack war Tänzerin und ist Diplom-Sozialpädagogin, Diplom-Tanzpädagogin und Choreografin. In Kooperation mit der Kinder- und Jugendsparte sowie der Tanzsparte des Theater und Orchester Heidelberg choreografierte sie vier Jugendtanztheater- stücke. Deutschlandweit gibt sie Fortbildungen zum Thema „Kreativer Kindertanz“ und unterrichtet in Heidelberg. Das 2001 gegründete Junge Tanztheater Corinna Clack produziert zusammen mit Jutta Glaser und Cordula Reiner-Wormit alle zwei Jahre ein Tanz- und Musiktheaterstück. Jona Oldenburg ergänzt seit 2018 das Team, arbeitet künstlerisch-forschend mit Tanz und Text zu den Themen Inklusion und Antidiskrimi- nierung und promovierte zum Thema „Improvisation und Inklusion – Leibkörperlichkeit als Basis gemeinsamer Bildung“ (transcript Verlag, 2025). Jona studierte Heilpädagogik, absolvierte eine tanztherapeutische Ausbildung und ist aktuell in der freien Szene in Heidelberg sowie an der Pädagogischen Hochschule Karlsruhe tätig. Gaëlle Morello war Tänzerin in verschiedenen Stadttheaterkompanien und erwarb 2010 ihr Diplom als Tanzpädagogin. Sie absolvierte Weiterbildungen in Tanzmedizin, Feldenkrais-Technik, Body-Mind-Centering und Kinesiologie. Zudem unterrichtet sie Tanzmedizin, Anatomie und Bewegungsanalyse. Seit der Spielzeit 2018/19 betreut sie den Tanzclub des Jungen Theaters Heidelberg, seit 2019/20 verstärkt sie als Tanzpädagogin das Team des Dance Theatre Heidelberg (DTH). 34
Jurykommentar Die Performer*innen des Jugendtanzprojekts des Theater und Orchester Heidel- berg haben mit viel Engagement, Kreativität und Herz ein nachhaltig beeindruckendes Tanzstück erarbeitet. Diese jungen Künstler*innen haben sich mit tiefgründigen Themen auseinandergesetzt, die uns alle betreffen. Positivität in Krisenzeiten, Stärke und Zärtlich- keit, Kooperation und Konkurrenz, sowie Berührung statt Abschottung waren die treiben- den Inhalte dieser bemerkenswerten Produktion. Mit ihrem Tanzstück „touch_taff“ haben sie eine kraftvolle Botschaft geschaffen: Es ist möglich, Stärke und Zartheit zu verbinden, Hoffnung zu finden und gemeinsam Lösun- gen zu gestalten. Sie zeigen uns, dass Zusammenhalt, gegenseitige Unterstützung und das offene Miteinander Wege sind, um Herausforderungen zu meistern – auch wenn die Welt manchmal schwer auf uns lastet. Dabei gelingt es ihnen, komplexe gesellschaftliche Fragen nicht nur tänzerisch zu reflektieren, sondern auch neue Perspektiven anzubieten, die sowohl emotional berühren als auch zum Nachdenken anregen. Diese Gruppe steht für Inklusion, für das Miteinander aller Menschen. Sie beweist, dass Vielfalt bereichert und dass gemeinsames Schaffen Kraft gibt. Ihr Engagement ist ein leuchtendes Beispiel dafür, wie Kunst Brücken baut, Berührungen schafft und Hoff- nung schenkt. Vielen Dank für dieses Werk, für euren Mut und eure Kreativität. Euer tänzerisches Schaffen hat nicht nur bewegt, sondern inspiriert – und gezeigt, dass Kunst eine Sprache ist, die ohne Worte auskommt. Ihr seid ein inspirierendes Vorbild dafür, wie wir gemein- sam den Blickwinkel der Tanzwelt erweitern können und darüber hinaus eine bessere, ver- ständnisvollere Welt gestalten können. Carmen Scarano und Aliyye Sahin 35
Delegierte der Zwischenauswahl /ʃ̺ɤ˧˥/(Schlange) Zhechang Yuan Freischaffender Künstler, München, Bayern Von und mit Zhechang Yuan 袁喆畅 Zum Stück Das Tanzstück „/ʃ̺ ɤ˧˥/(Schlange)“ wurde von dem jungen Künstler Zhechang Yuan choreografiert und aufgeführt. Inspiriert vom chinesischen Jahr der Schlange und lateinamerikanischer Jazz- Musik kombiniert es urbane Tanzstile mit traditioneller chinesischer Kampfkunst. Das experimentelle Stück soll zukünftig immer weiter entwickelt werden. Electric Shock Electric Pulse Ensemble Oberschule Lesum, Bremen Von und mit Mariia Breslavska, Louisa Dogbesdou, Hannah Görlich, Milana Herzog, Rohan Ibrahim, Princes Isibor, Beritan Khalaf, Nguyen Khanh, Nancy Kowouvi, Milena Kurzmann, Elaine Listewnik, Emily Maul, Alisha Osei-Tutu, Sina Peters, Luisa Stranz Rimma Kruse und Ensemble Choreografien, Musik Zum Stück Die Tanzgruppe Electric Pulse wurde Ende 2024 gegründet und besteht aus 15 Tänzer*innen im Alter von zehn bis zwölf Jahren. Die Gruppe verbindet freie Tanzgestaltung mit Elementen aus Street Dance, Akrobatik und Gymnastik – und schafft damit einen einzigartigen, kraftvollen Tanzstil voller Ausdruck, Dynamik und Kreativität. „Electric Pulse“ steht für den elektrisierenden Impuls, der durch die Musik und durch jede Bewegung geht – wie eine Welle aus Energie, die die ganze Gruppe verbindet. „Ensemble“ betont das gemeinsame Tanzen, das Vertrauen untereinander und die Stärke der Gruppe als Einheit. Der Name Electric Pulse Ensemble ist von der Musik „Electric Shock“ inspiriert, die bei den Tänzer*innen sofort eine kreative Energie ausgelöst hat. 36
Menschen dieser Stadt AG-Tanzperformance des Albrecht-Dürer-Gymnasiums Berlin Von und mit Maya Akua Addai, Lorin Aktas, Tala Albalkhi, Pepa Atanassov, Duru Naz Baris, Sofia Helene Behrendt, Tilda Margarete Böttcher, Ani Shirin Boussetta, Selma Noelle Busse, Rosalie Maria Findeis, Clara Galukhina Schwer, Fritzi Ursula Herz, Rosalie Herz, Lale Marla Heublein, Luisa Heublein, Emilia Höft, Laura Höft, Lina Hoffmann, Nora Hundert, Yael Anna Kaiser, Ema Kalfus, Ada Ellen Rieder, Frieda Schoon, Greta Sommer, Sophia Thomas, Mimi Winck, Leona Zwahr Kia Paasch Künstlerische Leitung Zum Stück „Menschen dieser Stadt“ ist ein bewegtes Plädoyer für Vielfalt und Gleichwürdigkeit. Die jungen Tänzer*innen haben ihre Perspektiven, Bewegungsideen und musikalischen Vorbilder miteinander verwoben und so gemeinsam ein Stück zwischen Contemporary, Hip-Hop, Improvisation und Tanztheater entwickelt. Choreografie, eigene Texte und Requisiten verweben sich zu einem Statement gegen Ausgrenzung – und für ein buntes, solidarisches Berlin. 37
Menschheit in Harmonie Florinda van Dijk tanzhaus nrw, Düsseldorf, Nordrhein-Westfalen Von und mit Florinda van Dijk Zum Stück „Menschheit in Harmonie“ ist ein Tanztheater-Solo, das sich in Form von Bewegung, Musik und Text mit der Frage nach einem mensch- lichen Zusammenleben beschäftigt. Inspiriert von dem verwendeten Elektrotango-Track „Diferente“ und dem dazugehörigen Songtext, wird das Stück erst aus einer Improvisation im Tanz und anschlie- ßend aus kritischer Lyrik zusammengesetzt. Inhaltliche Ausgangs- punkte sind sowohl die angespannte politische und soziale Weltlage als auch das alltägliche zwischenmenschliche Miteinander. narrow spaces Formation Laboratory Haus der Produktionen, Karlsruhe, Baden-Württemberg Mit Sarah Krug, Clara Magarin, Tobias Philip Ritter, Johann Schuster, Lenny Schwartz, Lilly Tuloweit, Pia Klara Weber, Katarina Zillmann Ferdinand Waltz Regie Paul Tebbert Musik Yoreme Waltz Dramaturgie Peer Florin Maria Schmidt Regieassistenz Zum Stück Die Produktion untersucht Raum und Grenzen – und wie ungleich Bewegungsfreiheit verteilt ist. Was passiert, wenn bestimmte Gruppen ausgeschlossen und ihrer Rechte beraubt werden? Die Performer*innen bringen persönliche Erfahrungen ein. In performativen Experimenten werden Fragen nach Teilhabe, Macht und geteiltem Raum tänzerisch verhandelt. Das Publikum erlebt die eigenen Grenzen und wird selbst Teil der immersiven Bühnenerfahrung. 38
overflow JugendTanzCompany fabrik Potsdam fabrik Potsdam, Brandenburg Mit Emilia Engel, Irma Haack, Karolina Krone, Norah Pfau, Elodie Rehnus, Luna Rehnus, Cosima Ruppert, Ella Ruppert, Milan Schuster, Nanouk Schuster, Thea Wachter, Marjam Zenichowski, Jette Zierke Giulia Del Balzi Künstlerische Leitung, Choreografie in Zusammenarbeit mit den Tänzer*innen Rüdiger Ruppert Komposition „Give Me Water“ Jens Siewert Lichtdesign Zum Stück „overflow“ setzt sich tänzerisch mit dem Element Wasser auseinander – seiner Kraft, Schönheit und Verletzlichkeit. Die Tänzer*innen bewegen sich wie Wellen, Strömungen und Tropfen, spiegeln Verbindung und Wandel. Die Jeans als Kostüm und Requisit steht dabei als Metapher für Konsum und Umweltbelastung. Zwischen Harmonie und Chaos fragt das Stück nach unserer Beziehung zum Wasser – und seiner Zukunft. Power Cleo Pazmandi und Elin Verholzer Iwanson International School of Contemporary Dance, München, Bayern Von und mit Cleo Pazmandi, Elin Verholzer Zum Stück „Power“ von Elin Verholzer und Cleo Pazmandi (beide zwölf Jahre alt) ist eine selbst entwickelte Choreografie über Stärke, Schwäche und innere Kraft. Was bedeutet es, stark zu sein? Wann fühlen wir uns ohnmächtig – und wie kehrt die Kraft zurück? Der Tanz erzählt von Angst, Mut und Freundschaft und zeigt: Tanzen ist für die beiden ein ganz persönlicher Kraftort. 39
Jury Sonia Franken Köln Sonia Franken schöpft aus vielen Jahren der Praxiserfah- rung in den Feldern freie Tanzproduktion und Tanzvermitt- lung. Sie initiiert und leitet diverse Projekte, Fortbildungen und Festivals u. a. mit Bundesverband Aktion Tanz, nrw landesbuero tanz, Montag Stiftung, Universität zu Köln, der Kölner Philharmonie sowie dem Proben- und Produktionsort Barnes Crossing. Als Choreografin und Produzentin arbeitet sie an transdisziplinären Formaten und erhielt diverse Auszeichnungen in Form von Stipendien, Förderungen und Preisen; u. a. 2022 den Kölner Tanzpreis. Künstlerisch be- arbeitet sie an der Schnittstelle von Tanz und dem Theater der Dinge Themen rund um das widersprüchliche Verhältnis des Menschen zur Natur, Vorstellungen von Körper und der Absurdität des Alltags. Durch die Mitbegründung von diver- sen Kollektiven (El Cuco Projekt, Polar Publik, Bauchladen Monopol) prägen auch vielfältige kollektive Prozessse ihre Arbeitsweisen. Seit 2024 ist sie Mitarbeitende bei Aktion Tanz e. V. und bringt dort ihre langjährigen Erfahrungen im Feld Tanz und Schule sowie in der Fachlichen Begleitung in die Co-Leitung des Pilotprojekts Tandem Tanz NRW mit ein. Sie verbindet praktische Vermittlungsarbeit mit kultur- politischem Diskurs, um Tanz gesellschaftlich nachhaltig zu verankern und weiterzuentwickeln, und ist dabei in diversen kulturpolitischen Funktionen aktiv. Sie ist seit 2023 Jury- mitglied des bundesweiten Tanztreffens der Jugend für die Berliner Festspiele. Sie hat einen BA in Tanzvermittlung mit dem Schwerpunkt Improvisation und Komposition (CODARTS/Rotterdam) sowie einen MA Tanzwissenschaf- ten (ZZT/Köln) und ist zertifizierte IOKAI Meridian Shiatsu®- Practitioner. Silke Gerhardt Schwerin Silke Gerhardt arbeitet als Lehrerin für Sport, Tanz und Theater am Goethe-Gymnasium Schwerin. Sie etablierte Tanz als Unterrichtsfach im musischen Profil der Schule und unterrichtet Kurse in Theater mit Spezialisierung auf Tanz- theater. In Zusammenarbeit mit Musikensembles der Schule gestaltet sie Choreografien für Chöre. Mit Produktionen des von ihr gegründeten Tanztheaters Lysistrate war sie unter anderem zum Schultheater der Länder, beim Theatertreffen der Jugend sowie bei inter- nationalen Jugendtheater-Festivals eingeladen. Sie initiiert Tanz- und Theaterprojekte generationsübergreifend und gibt Workshops in der Lehrer*innenaus- und -fortbildung unter anderem an der Hochschule für Musik und Theater Rostock. 40 Modjgan Hashemian Berlin Modjgan Hashemian ist als Choreografin seit vielen Jahren berlinweit und international mit ihren Arbeiten präsent und vernetzt. Leitmotive ihrer künstlerischen Beschäftigung sind unter anderem fragile Kommunikation und die Suche nach Common Grounds einer Verständigung auch über sprach- liche Barrieren hinweg; Räume, in denen Bewegung unter Restriktion steht und sich in ihrer eigenen Dringlichkeit Gegenwelten der Entfaltung erschließen muss, überhaupt: Dominanzstrukturen, unter denen sich Menschen auch im wörtlichen Sinne verbiegen; schließlich der Bruch mit stereotypen (Körper-)Bildern und Gender-Klischees. Hashe- mians iranischer Familienkontext – die Eltern siedelten nach der Revolution 1979 endgültig nach Deutschland über – ist immer wieder Bezugs- und Startpunkt für Brückenschläge zwischen deutscher und iranischer Gesellschaftsgegen- wart. Neben ihren eigenen Produktionen arbeitet sie unter anderem mit Nurkan Erpulat im Bereich des Sprech- und Musiktheaters. Sie arbeitet am Maxim Gorki Theater Berlin und gastiert am Theater Thikwa, Deutsches Nationaltheater Weimar, Nationaltheater Bagdad/Irak, Theater Regensburg, Staatsoperette Dresden sowie mit den Guerilla Architects und dem I Collective. Außerdem war Hashemian Mentorin am Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz Berlin (HZT), mehrfach Jurymitglied bei der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt Berlin, Draußenstadt und dem Tanztreffen der Jugend. Raphael Moussa Hillebrand Berlin Der Choreograf, Tänzer, Kurator, Speaker und Aktivist Ra- phael Moussa Hillebrand wurde 1982 in Hongkong geboren. Verwurzelt in Deutschland und Westafrika, aufgewachsen in Berlin und ausgebildet durch Hip-Hop, schloss er im Juni 2014 sein Masterstudium Choreografie an der Universität der Künste – Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz (HZT) Berlin ab. Seine künstlerische Arbeit ist eine Fusion von Körper und Sprache, eine kreative Reise durch dekoloniale Erzählungen, die das Publikum dazu einlädt, über festge- fahrene Denkmuster nachzudenken. Als Ideengeber und Gründungsmitglied der weltweit ersten Hip-Hop-Partei, Die Urbane, setzt er sich u. a. für Dekolonialisierung sowie Emp- owerment und kulturelle Vielfalt ein. Im Jahr 2020 wurde er vom Deutschen Tanzpreis für seine herausragenden künst- lerischen Entwicklungen im Tanz geehrt.
Mila Lipicar Köln Mila Lipicar lernte im Saarländischen Staatstheater in Saar- brücken erstmals das Tanzen kennen, als sie fünf Jahre alt war. Von der Begegnung mit Ballett über Hip-Hop hin zu den Stilen House und Waacking entwickelte sie eine tiefe Leidenschaft und Verbundenheit zum Tanzen. Heute fühlt sie sich insbesondere in den urbanen Tanzstilen House und Waacking zuhause und versucht hierüber neue und authentische Ausdrucksformen der Selbstdarstellung und -identifikation zu erproben und weiterzuentwickeln. Zudem nahm Mila bereits an einigen Tanztheater-Produktionen in Spanien, Frankreich und in Deutschland teil. 2023 choreo- grafierte sie zuletzt das Stück „Heimat. Suchend.“, welches zum Tanztreffen der Jugend 2023 eingeladen wurde. Das Stück thematisierte Fragen der eigenen Heimat, der kultu- rellen Zugehörigkeit sowie der Identität – Fragen, die Mila Lipicar in ihrer choreografischen Tätigkeit aufgreift und die sie in ihrem tänzerischen Ausdruck begleiten. Daniela Rodriguez Romero Stuttgart Daniela Rodriguez Romero ist freischaffende Tanzkünst- lerin, Wissenschaftlerin und Kulturschaffende. Ihre Arbeit umfasst die Künstlerische Forschung, Produktion von Büh- nenstücken und die Vermittlung von Kreativität. Ihr Fokus liegt dabei auf urbaner Bühnenkunst sowie der kulturellen Bildung und Transmissionsarbeit in urbanen Tanzkulturen. Die Prämisse in ihrer künstlerischen Schaffenspraxis ist es, nach kreativen Methoden zu forschen, welche die Ent- faltung eines authentischen und persönlichen Ausdrucks von darstellenden Künstler*innen stützen können. Als Produzentin sucht sie immer wieder Synergien zwischen formaler und informeller Struktur. Ihre Tanzproduktionen schaffen Beteiligung und tragen zu mehr Diversität im Bühnenkontext bei. Aliyye Sahin Berlin Aliyye wurde in Berlin geboren und ist dort aufgewachsen. Seit über zehn Jahren ist sie mit großer Leidenschaft im Bereich Tanz aktiv. Ihren Einstieg fand sie im Hip-Hop mit ihrer Crew, den „Bordaboogies“, einer reinen Frauencrew mit der sie bis heute auf der Bühne steht, an Battles teil- nimmt und Theaterproduktionen entwickelt. Im Laufe der Jahre hat sich ihr Stil weiterentwickelt – von der klassischen Battle-Szene hin zu mehr Ausdruck und erzählerischen Elementen im Storytelling. Dabei ließen sich neue Impulse insbesondere durch Hip-Hop House, Afro House, Litefeet und Voguing erkennen, die sie zunehmend in Richtung Tanztheater führten. Parallel zu ihrer tänzerischen Tätigkeit studiert Aliyye Soziale Arbeit und leitet Hip-Hop-Tanzkurse für Mädchen im Alter von 9 bis 13 Jahren. Ihr Anliegen ist es, jungen Tänzerinnen durch den Tanz Selbstvertrauen und Ausdruckskraft zu vermitteln. Für sie ist Tanz nicht nur eine Kunstform, sondern vor allem ein Raum für Begegnung, Ver- ständigung und Freiheit. Carmen Scarano Stuttgart Als Tanzpädagogin und Künstlerin wirkt Carmen seit über 22 Jahren in unterschiedlichsten künstlerischen und kul- turellen Projekten mit. Diese reichen von Gewaltprävention für den Elementarbereich über politische Bildungskonzepte für Schulen bis hin zu tanzpädagogischen Projekten in Strafvollzugsanstalten sowie Lehraufträgen an Universitä- ten und Dualen Hochschulen. Zu ihrer Leidenschaft zählen interdisziplinäre, inklusive, performative Kunstprojekte, Community Dance und die Arbeit mit heterogenen Gruppen. Als Choreografin arbeitet Carmen mit professionellen Tän- zer*innen und Schauspieler*innen sowie Laien an diversen deutschen Theatern und für die freie Wirtschaft. Menschen, die in jeglicher Hinsicht bewegt werden wollen, finden bei Carmen in Unterricht, Projektarbeit oder Prozessarbeit die Möglichkeit, sich mit dem eigenen Körper und dem eigenen Sein auseinanderzusetzen (Conscious Bodies / Dance as a healing art form). Lin Verleger Köln Ursprünglich aus dem Breaking kommend, verbindet er in seiner künstlerischen und tanzpädagogischen Arbeit zeitge- nössische und urbane Elemente. Mit seiner Crew „Reckless“ gewann er das Battle of the Year Germany und tanzte u. a. bei renommierten Tanztheater-Größen wie Susanne Linke, der ehemaligen Pina Bausch-Tänzerin Regina Advento und am Tanztheater Erfurt. Als Choreograf und Regisseur arbeitete er u. a. für das Junge Ensemble Stuttgart, Tanz Graz, das Landestheater Tübingen, das COMEDIA Theater Köln sowie die Deutsche Oper am Rhein. Für seine Arbeiten wurde er mehrfach ausgezeichnet: Er gewann u. a. mit den Produktionen „MIRA“ und „Youngdogs“ den zweiten Preis beim Jugend.Kultur.Preis NRW, wurde mit „Uncanny Valley“ zum Tanztreffen der Jugend eingeladen und erhielt beim SoloDuo Festival NRW den Preis für das beste Solo. Sein Stück „MutigMutig“ wurde für den Kölner Theaterpreis nominiert und war zudem Kindertheater des Monats. Das von ihm choreografierte urbane Tanztheater „Aus der Kurve fliegen“ (Regie: Grete Pagan) wurde für den renommierten Theaterpreis „DER FAUST“ nominiert. 41
Kuratorium Annette Steenken (Vorsitz) Bundesministerium für Bildung, Familie, Senioren, Frauen und Jugend, Berlin Monika Bürvenich Bundesministerium für Bildung, Familie, Senioren, Frauen und Jugend, Berlin Claudia Feest Dachverband Tanz in Deutschland e. V., Berlin Sabine Chwalisz fabrik Potsdam e. V., Künstlerische Leitung Kulturelle Bildung, Potsdam Dominik Eichhorn Bundesvereinigung Kulturelle Kinder- und Jugendbildung e. V. (BKJ), Leitung Kooperation und Bildung, Berlin Henrike Kollmar nrw landesbuero tanz e. V., Tanzvermittlung, Köln Anna-Lu Masch Aktion Tanz – Bundesverband Tanz in Bildung und Gesellschaft e. V., Köln Christoph Peichl Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden- Württemberg, Stuttgart Marc-Oliver Krampe Bundesakademie für Kulturelle Bildung Wolfenbüttel, Programmbereich Darstellende Künste Mareike Uhl Tanzplattform Rhein-Main, Frankfurt am Main 42
Statistik Bewerbungen insgesamt: 53 Produktionsort Schulischer Bereich: 9 Gesamt-/ Sekundarschule: 1 Gymnasium: 4 Berufsschule/-kolleg: 1 Ausbildung, Universität/FH: 1 Regelschule: 1 Keine Angabe: 1 Außerschulischer Bereich: 44 Ballettschule: 3 Freie Gruppe angegliedert an einen Verein: 16 Freie Gruppe aus einer Jugendkulturein- richtung: 2 Jugendclub an einem Kinder- und Jugend- theater: 2 Jugendclub an einem Stadt-, Land-, Staatstheater: 3 Tanzschule mit zeitgenössischem Profil: 6 Tanztheater/Tanzhaus: 6 Theater der freien Szene: 6 Alterszusammensetzung aller Ensembles Überwiegend bis 13 Jahre: 5 Überwiegend 13 bis 16 Jahre: 16 Überwiegend 17 bis 20 Jahre: 7 Überwiegend älter als 21 Jahre: 8 Mehrgenerationenprojekt: 17 43 Verteilung auf Bundesländer Baden-Württemberg: 4 Bayern: 7 Berlin: 6 Brandenburg: 5 Bremen: 3 Hamburg: 3 Hessen: 1 Mecklenburg-Vorpommern: 1 Niedersachsen: 2 Nordrhein-Westfalen: 18 Saarland: 1 Sachsen: 1 Thüringen: 1 Tänzer*innen gesamt: 534 Weiblich: 450 Männlich: 74 Divers: 9 Keine Angabe: 1
Weitere Treffen junge Szene der Berliner Festspiele 40. Treffen junger Autor*innen 20. bis 24. November 2025 42. Treffen junge Musikszene 19. bis 24. November 2025 47. Theatertreffen der Jugend 30. Mai bis 6. Juni 2026 Bewerbungen sind ab Oktober 2025 möglich 44 Informationen zu den Wettbewerben und den Bewerbungsbedingungen auf: berlinerfestspiele.de/treffen-junge-szene Das Programm der Treffen junge Szene gliedert sich in drei Säulen: Auf der Bühne erfolgt die öffentliche Präsentation der Arbeiten der ausgewählten Künst- ler*innen. In verschiedenen Workshop- und Gesprächsformaten können die Teilneh- mer*innen sich austauschen. Das Forum richtet sich an künstlerische Leitungen und Studierende der jeweiligen Bereiche der kulturellen Jugendarbeit. Die Treffen junge Szene der Berliner Festspiele umfassen vier Bundes- wettbewerbe, die gefördert werden vom Bundesministerium für Bildung, Familie, Senioren, Frauen und Jugend (BMBFSFJ).
Team Tanztreffen der Jugend Berliner Festspiele Leitung Susanne Chrudina Ein Geschäftsbereich der Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin GmbH Produktions-/Organisationsleitung Juliane Spence Intendant Matthias Pees Dramaturgie/Organisation Rahmenprogramm Daja Vogt Kaufmännische Geschäftsführung Charlotte Sieben Mitarbeit Daniela Gromer, Renate Kligge, Lena Lipps, Niklas Brubach Leitung Kommunikation Claudia Nola Studentische Mitarbeit Johannes Ambrosius, Vivien Dawit, Siera Sowe Technische Leitung Matthias Schäfer Künstlerische Betriebsdirektion Christine Leyerle Berliner Festspiele Schaperstraße 24 10719 Berlin + 49 30 254 89 0 info@berlinerfestspiele.de berlinerfestspiele.de Die Berliner Festspiele werden gefördert von Das Tanztreffen der Jugend ist Teil der Treffen junge Szene der Berliner Festspiele. FSJ Kultur Leonie Müller und Selma Steiner Technische Produktionsleitung Victor Haberkorn Danke an alle Mitarbeiter*innen der Berliner Festspiele. Magazin Herausgeber Berliner Festspiele Redaktion ARTEFAKT Kulturkonzepte, Daja Vogt Grafik 3pc Druck PIEREG Druckcenter Berlin GmbH Copyright 2025 Berliner Festspiele, Autor*innen und Fotograf*innen Bildnachweise S. 4 Jella Dehmer, S. 8 Michael Maurissens, S. 12 David Prinzer, S. 16 Privat, S. 20 Christian Giraldo, S. 24 Privat, S. 28 Privat, S. 32 Susanne Reichardt, S. 45 Berliner Festspiele, Foto: Dave Grossmann Stand September 2025 Programmänderungen vorbehalten 46
Alle öffentlichen Veranstaltungen stehen euch in der Berliner Festspiele Mediathek zur Verfügung. berlinerfestspiele.de/ mediathek Unter dem Hashtag #TreffenJungeSzene findet ihr uns auf Instagram und Facebook.