Theatertreffen der Jugend 2025: Magazin

46. Theatertreffen der Jugend Vorwort Susanne Chrudina Leiterin Treffen junge Szene Auswahl Theatertreffen der Jugend 2025 dazwischen Flügelschläge Global Player Maschallah My Body is a Cage Nur die Freiheit? Project Fear SCHLAG ZEILEN Delegierte Jury Kuratorium Statistik Treffen junge Szene Team 2 4 8 12 16 20 24 28 32 36 40 42 43 44 46

Vorwort „Angst kann überall hin, überall rein und über alles hinweg. Sie ist in mir, in dir, im System, in dem wir leben.“ Project Fear, Jugendensemble 24, jugendtheaterwerkstatt spandau e. V. „Doch die Welt ist zu schön, um heut‘ Nacht unterzugehen. Doch die Welt ist viel zu krank, als dass ich sie lieben kann. Seltsame, seltsame Welt.“ SCHLAG ZEILEN, „UNART“ Festival mit Staatsschauspiel Dresden Gegen die Angst oder: Was aus der Angst erwachsen kann Angst, ein Grundgefühl, eine Verunsicherung des Gefühlslebens. Eine Reaktion auf empfundene Bedrohung der körperlichen Unversehrtheit, der Selbstachtung oder des Selbstbildes. Empfundene Enge, Bedrängnis. Aber auch Warnimpuls, unverzichtbar im Konzept der Selbsterhaltung. Sinnvoll, lebensnotwendig, wenn sie nicht überhandnimmt … Wie ver- und erträgt die junge Generation das Leben mit der omnipräsenten Angst? Davon erzählt das 46. Theatertreffen der Jugend. Die Bandbreite des Spielplans zeigt Arbeiten mit drei Performenden oder große Ensemblestücke mit 16 Personen, es können intensive 15 Minuten sein oder Inszenierungen von einer Stunde und mehr. Wir erleben in dieser Woche aktive junge Theaterschaffende, die teilweise sogar in Eigeninitiative ihre Inhalte für die Bühne erarbeitet haben. Dafür haben sie recherchiert, Texte geschrieben, übersetzt, eigene Familienbiografien befragt und Klassiker zerlegt. Sie haben Musik komponiert, Bühnenbilder entworfen und Videos gedreht. Der Aktivismus setzt sich bis in den Zuschauer*innenraum fort, wenn die Kunst Realität wird und Spenden gesammelt oder Petitionen gezeichnet werden. Hier haben wir es mit Menschen zu tun, die es ernst meinen mit ihrer Kunst, aber auch mit ihren Überzeugungen. Sie wollen vor- gehen, gegen die Angst. Ihre Stückentwicklungen werden zu Performances und Theatercollagen, in denen sie sich zu ihren Inhalten positionieren. Die Angst ist dabei immer wieder Thema: Angst 2

vor dem System, in dem wir leben, vor den sich überschlagenden Ereignissen und Katastro- phen, Angst vor Krieg, Armut und Versagen, Angst vor Manipulation und Überforderung durch Social Media. Es wird gefragt nach Chancengleichheit hinsichtlich des Geschlechts, des Ortes und der Familie, in die Menschen hineingeboren werden. Wie verhalten sich die Global Player des großen Fußball-Business zu den Global Playern der internationalen Marktwirtschaft und warum können globale Akteur*innen alle Grenzen spielend überwin- den, während es andere mit ihrem Pass nicht einmal über die nächste Grenze schaffen? Es wird der Begriff der Freiheit reflektiert, im Kontext des Erwachsenwerdens, der Ab- lösung von den Eltern und ihrer Autorität, aber auch im Zusammenhang von Migrations- geschichten und Kriegserfahrungen. Klassiker, Texte der Moderne und griechische Sagen dienen als Bezugsrahmen, aus denen eigene Positionen entwickelt werden und Original- texte entstehen. Handelt es sich auch um einen Wettbewerb auf Bundesebene, freuen wir uns, die Welt zu Gast zu haben, denn das Theatertreffen der Jugend bringt in diesem Jahr wieder viele Sprachen und Perspektiven auf die Bühne. So sind unter anderem Kosovo, Rumänien, Somalia, Spanien, Syrien und die Ukraine vertreten. Die Angst umfasst uns täglich. Aber was aus der Angst erwächst, nicht zuletzt an wunderbarer intensiver Kunst, und was gegen die Angst hilft, das können wir gemeinsam in dieser Festivalwoche erleben. Mein Dank geht an die Kolleg*innen der Jury für diese bemerkenswerte Auswahl. Ich danke allen Kolleg*innen der Berliner Festspiele, die mit Leidenschaft und Herzblut daran mitwirken, diese jungen Arbeiten zu präsentieren. Bewunderung und Dank geht auch an das großartige Team der Treffen junge Szene, die der jungen Kunst so wunderbare Hüter*innen und Gastgeber*innen sind. Und besonders danke ich dem Bundesministe- rium für Bildung und Forschung (BMBF) für die substanzielle und treue Förderung auch in dieser 46. Ausgabe des Theatertreffen der Jugend. Susanne Chrudina Leiterin Treffen junge Szene „Warum kostet ein Mensch so viel Geld? Und warum kosten Frauen weniger?“ Global Player, Theater des Bellevue di Monaco „Dieser Pass bedeutet Frieden. (…) Ein Mensch kann überall zustande kommen, aber ein Pass niemals.“ dazwischen, Piccolo Theater Cottbus 3

dazwischen Piccolo Theater Jugendklub Cottbus, Brandenburg Eine Eigenproduktion des Piccolo Jugendklubs für ein junges Publikum ab 14 Jahren Mit Frieda Becker, Hermine Jähne, Nico Kornisch, Maja Kuschnir, Laurenz Lorenz, Charlie Müller, Weronika Musialowska, Lena Patzelt, Lina Patzelt, Lamara Schröder, Celina Siegfried, Arian Wolff Matthias Heine Spielleitung, Textfassung und Dramaturgie Johanna Hoff Tanzchoreograﬁe Matthias Heine Schreibworkshops Konstantin Walter, Sven Mühlbach Licht, Technik und Einspieler Texte, Textﬂächen, Quellen Erich Maria Remarque, Bertolt Brecht, Wolfgang Borchert Ensemble (Schreibworkshops) Matthias Heine Mi 4.6.2025 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne 5

Produktion und Ensemble Frieden ist nichts, das entsteht, wenn man es sich wünscht. Frieden ist etwas, das Menschen tun. Etwas Aktives. Etwas, das wir verschenken. Ist Frieden auch etwas, für das man kämpfen muss? Mit Waffen, gegen Angreifende, oder wie? Hat das etwas mit Heimat zu tun? Herrscht Frieden in deiner Heimat? Ist dieser Frieden bedroht? Welche Perspek- tiven bringen die Spielenden mit? Ist Frieden der gesellschaftliche Zustand zwischen den Kriegen? Können wir für dieses „dazwischen“ Ausdrucksformen finden und erfinden? Was können wir aus der Vergangenheit für die Gegenwart und für die Zukunft lernen? Mit eigenen Texten und Texten von Brecht bis Borchert nähert sich der Jugendklub des Piccolo Theaters dem Thema an. Das Piccolo Theater ist ein professionelles Theater für Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene. Es führt die Sparten Kinder- und Jugendtheater, Puppen- und Figurenspiel, Tanz- und Theaterpädagogik. Die Angebote sollen Kinder und Jugendliche dabei unterstützen, mündig und selbstbewusst heranwachsen zu können, und beglei- ten sie dabei mit künstlerischen Mitteln aus Schauspiel, Puppenspiel, Musik und Tanz. Der Theaterjugendklub bildet die Altersspitze der theaterpädagogischen Angebote des Piccolo Theaters. Die Mitglieder sind zwischen 14 und 21 Jahren alt. Jedes Jahr wird dort ein Theaterstück auf die Bühne gebracht, das auch im normalen Spielplan des Thea- ters erscheint und stets Themen beleuchtet, die die jungen Spielenden mitbringen. Der Piccolo Jugendklub legt sehr viel Wert auf kreative Eigeninitiative der Teilnehmenden und die damit verbundenen emanzipatorischen Effekte. Die Texte und die Inszenierungsideen werden gemeinsam diskutiert und entwickelt. Matthias Heine ist Schauspieler, Regisseur und Theaterpädagoge. Er wurde 1979 in Cottbus geboren und arbeitet seit 2004 am Piccolo Theater Cottbus, seit 2024 als künstlerischer Leiter. Den Theaterjugendklub des Hauses leitet er seit 15 Jahren und erhielt in dieser Tätigkeit drei Mal den Deutschen Amateurtheaterpreis sowie den Brandenburger Jugendkulturpreis und den Theater- preis des Bundes. Sein Film „Baden gehen“ wurde 2024 von der Bundeszentrale für politische Bildung ausgezeichnet. 6

Jurykommentar Eine Spielerin betritt die Bühne. Ein Vogel wird gesucht. Eher klein und weiß. Die Friedenstaube ist davongeflogen. Dabei könnte die Welt sie gut gebrauchen. Vielerorts gibt es Krieg, vermeintliche Ansprüche an Macht und Land werden mit Waffengewalt er- stritten. Und auch in Deutschland sprechen Parteien wieder über eine Wehrpflicht, über Aufrüstung und Verteidigung. Antidemokratische und menschenfeindliche Kräfte werden lauter. Wo ist er nur, der Vogel? 13 Jugendliche machen sich auf die Suche nach dem Frieden. Aber was ist das eigentlich? In „dazwischen“ auf jeden Fall die Abwesenheit von Krieg. Krieg, wie die beiden Weltkriege. Krieg, wie in der Ukraine. Ausgehend von literarischen Texten, lässt die szenische Collage in starken und berührenden Bildern die Wunden erahnen, die Kriege in die Generationen reißen. Wie schreiben sie sich in unsere Familiengeschichten ein? Wie bedrohen sie unser Leben, unsere Sicherheit, unser Glück? Die poetische Kraft der Inszenierung lässt keine Grausamkeit entstehen. Viel- mehr setzen die Spielenden dem Krieg immer wieder starke Momente der Hoffnung und Menschlichkeit entgegen. Einen Sehnsuchtsort, meine Familie, ein gemütliches Kissen, das mir ein Zuhause ist. Eine menschliche Berührung, oder dass mir jemand zuhört, auch wenn wir unterschiedliche Ansichten haben. Zusammenhalt. Frieden eben. Mit eindringlichem, präzisem Spiel erzählen die Jugendlichen von ihrer Angst vor einem Krieg und von der Erkenntnis, dass der Frieden ein zufälliges Privileg ist, flüchtig und zerbrechlich. Welchen Pass habe ich? Kenne ich Menschen, die aus einem Kriegs- gebiet geflohen sind? Ist Frieden immer möglich? Was kann ich dafür tun, den Frieden in Deutschland zu erhalten, jeden Tag? Und was ist er mir wert? In der Balance von zarten, sinnlichen und lauten, kraftvollen Szenen hat „dazwi- schen“ eine ansteckende Energie und ist ein kluges Plädoyer für ein solidarisches Mit- einander. Wenn die weißen Fahnen im Wind der Spielenden flattern, entlässt mich die Inszenierung mit dem Gefühl, dass der Vogel nicht wiederkommt. Dass Frieden etwas ist, das wir uns als Menschen gemeinsam erarbeiten müssen. Wir müssen die Friedenstaube sein. Auch außerhalb des Theaters. Rieke Oberländer 7

Flügelschläge Ein Projekt der Reihe Schule.Spiel.Theater Kooperation zwischen der Berufsbildenden Schule Haarentor, dem Bildungszentrum für Technik und Gestaltung und dem Oldenburgischen Staatstheater Oldenburg, Niedersachsen Mit Lejsa Adrović, Ole Agthe, Ilona Iozefine Bundic, Viktoriia Dashukova, Jule Dresler, Levin Fortmeier, Nagham Jabboulieh, Liam Lengle, Julian Mauder, Anawar Omar Mohamud, Vitalii Peterherin, Alamira Sabr Albarrak, Denis Sotoc Mañas, Pavlo Stasiuk, Yevhenii Vlasov, Felix Wegener Lina Joost-Krüger, Hanna Puka Regie Karoline Khan, Margit Ostern Schulische Projektleitung Georgios Kolios Bühne, Video Tom Stellamanns Kostüm Olaf Brunkhorst Licht David Massonet Ton Richard Schneider Video Operator Peter Rech Soundtrack, Postproduktion Di 3.6.2025 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne 9

Produktion und Ensemble Wirst du auf einen Schlag erwachsen? Oder sind es mehrere Versuche? Verleiht erwachsen werden Flügel? Wohin fliegst du und kannst du zu weit fliegen? Bedeutet er- wachsen sein, sich auf dem Boden der steinigen Tatsachen einzurichten? Wie findest du ein Zuhause, in dem du „Ich“ sein kannst? In der antiken Sage von Dädalus und Ikarus leben Vater und Kind auf einer Insel. Wir stellen uns das so vor: Der Vater ist ein großer Baumeister und Erfinder, sein Kind ist schwer gelangweilt. Jeden Tag passiert das gleiche, die Insel ist klein und der Horizont sieht immer gleich aus. Zum Glück liefert die göttliche Gestalt Hermes jede Menge nicht bestellter Pakete an Ikarus. Ein Hauch von Glitzer, eine Ahnung von Verwandlung und eine Frage: Kann ich alles sein? Papa findet: nein. Und außerdem: Wer soll das bezahlen? Es entsteht Streit, es gibt auf allen Seiten Verletzungen, es geht um die Sehnsucht nach einem Leben, das wo- anders stattfindet, um eine erste flüchtige Liebe und die Frage, welche Zukunft überhaupt denkbar ist, wenn alles um uns herum zerstört wird. Das Ensemble setzt sich aus Schüler*innen der Berufsbildenden Schule Haarentor (Sprache und Integration) und der Fachoberschule des Bildungszentrums für Technik und Gestaltung zusammen. Im Rahmen der Reihe „Schule.Spiel.Theater“ wurde von Septem- ber 2024 bis Januar 2025 einmal wöchentlich im Probenraum des Theaters geprobt. In dieser Zeit sind wir mehr oder weniger zusammen wach geworden, sehr oft und unter- schiedlich durch den Raum gegangen, haben Fragen an uns und unsere Eltern gestellt, fliegen und fallen geübt, Bruchstücke von uns kennengelernt, Vorträge über Steine gehört und in unterschiedlichen Sprachen über Wut und Einsamkeit gesprochen. Hanna Puka absolvierte ein Studium der Szenischen Künste an der Universität Hildesheim und an der Université Aix/Marseille. Seit 2006 arbeitet sie als Theaterpädagogin und Regisseurin am Oldenburgischen Staatstheater und realisiert Projekte, Stückadaptio- nen und -entwicklungen mit nicht-professionellen Schauspieler*innen aller Altersstufen. Seit 2018 ist sie dort künstlerische Leiterin der Theatervermittlung. Lina Joost-Krüger ist in Bremen aufgewachsen und studierte Geschichte und Kulturwissenschaften in Leipzig. 2018 zog sie nach Berlin, um ihren Master in Theaterpädagogik an der Universität der Künste zu machen. Seit der Spielzeit 2020/21 arbeitet sie am Olden- burgischen Staatstheater und liebt es, mit Kindern und Jugendlichen Theaterstücke zu entwickeln. 10

Jurykommentar Mit ausgebreiteten Flügeln und neuem Tatendrang gehe ich aus der Inszenierung „Flügelschläge“. Ein Gefühl, das nachhallt. Ein Stück, das über den Theaterabend hinaus berührt. Mit „Flügelschläge“ hebt ein außergewöhnliches Theaterprojekt ab: 16 junge Erwachsene bringen gemeinsam mit dem Oldenburgischen Staatstheater, der Berufs- bildenden Schule Haarentor und der Fachoberschule des Bildungszentrums für Technik und Gestaltung im Rahmen der Reihe „Schule.Spiel.Theater“ ein Stück auf die Bühne, das nicht nur berührt, sondern Brücken schlägt – zwischen Sprachen, Kulturen, Generationen und Lebenswelten. Viele der Spieler*innen stehen zum ersten Mal auf der Bühne – einige lernen erst seit wenigen Monaten Deutsch, andere sind hier aufgewachsen, doch alle eint das Be- dürfnis, ihre Geschichte zu erzählen. Inspiriert von der griechischen Sage um Dädalus und Ikarus und ergänzt durch die göttliche Figur des Hermes, erzählen sie von den ersten Schritten ins Erwachsenwerden – von Verletzungen, Versöhnungen, Neugier, Aufbruch, Angst und Hoffnung. Was bedeutet es, erwachsen zu werden? Eine Frage, die ich mir im Laufe des Abends immer wieder stelle – und auf die es viele, ganz persönliche Antworten gibt. Es geht um die Loslösung von den Eltern, um erste Liebesgeschichten, um Zukunftsängs- te in einer Welt, die oft erschreckend instabil scheint. Doch bei aller Schwere gelingt es dem Ensemble, mit Leichtigkeit, Humor, Musik und Tanz eine Geschichte zu erzählen, die zum Träumen einlädt. Eine Geschichte, die berührt, begeistert, herausfordert – und dabei immer eine große Sehnsucht spürbar macht: nach Selbstbestimmung, Zugehörigkeit und einer Stimme, die gehört wird. Diese Gruppe begegnet sich – und ihrem Publikum – mit großer Offenheit, Wärme und echtem Miteinander. Sie haben einen Raum geschaffen, in dem Vertrauen, Mitgefühl und gegenseitige Unterstützung nicht nur Schlagworte, sondern gelebte Realität sind. Ein Ort, an dem Begegnung möglich wird, Veränderung beginnt und Hoffnung spürbar ist. „Flügelschläge“ entführt in eine andere Welt – eine, in der Träume erlaubt sind. Eine, in der das erste Flügelschlagen nicht das Ende, sondern der Anfang ist. Ein Abend, der Gänsehaut macht. Der zum Lachen bringt, zum Weinen, zum Nachdenken. Lene Wollwerth 11

Produktion und Ensemble In dem neuen Stück der Theatergruppe des „Bellevue di Monaco“ geht es um Global Player, um Konzerne, um weltbekannte Fußballspieler*innen und um Geflüchtete, die weltweit unterwegs sind und Grenzen überschreiten. Im herkömmlichen Sinne bezieht sich der Begriff auf Wirtschaftsakteur*innen, die am internationalen Wettbewerb teilneh- men und weltweit eine Vormachtstellung einnehmen. Die Idee zu dem Stück entstand durch ein Gespräch mit Rüdiger Heid, der vor 25 Jahren die Straßenfußball-Liga „buntkicktgut“ gründete. Dabei erzählte er von Muham- med, der als junger Geflüchteter in einer Erstaufnahmeeinrichtung in Rosenheim lebte und den Landkreis nicht verlassen durfte. Muhammed fuhr oft heimlich nach München, um bei „buntkicktgut“ zu trainieren. Er hatte gute Chancen, in ein Leistungszentrum auf- genommen zu werden, war beim FC Bayern München und anderen Profivereinen im Ge- spräch. Da sich sein Aufenthaltsstatus nicht verbesserte, entschied er sich eines Tages, weiter nach Schweden zu ziehen. Ohne Pass und ohne Geld überquerte er Grenzen – wie viele andere Geflüchtete, die gezwungen sind, auf unsicheren Wegen nach Perspektiven zu suchen. Er hat als junger Mensch allein eine Reise unternommen, die Mut und Ent- schlossenheit erforderte – Eigenschaften, die auch international agierende Wirtschafts- akteur*innen kennzeichnen. Doch im Unterschied zu ihnen, die freiwillig und strategisch über Grenzen hinweg operieren, sind es bei Geflüchteten oft existenzielle Notwendigkei- ten, die zu solchen Grenzüberschreitungen führen. Während wirtschaftliche Akteure vielfach von der Öffnung nationaler Grenzen profitieren, sehen sich Schutzsuchende mit immer höheren Hürden konfrontiert. Die Außengrenzen der EU werden zunehmend militarisiert und abgeschottet, und dennoch entscheiden sich viele Menschen dazu, diese gefährlichen Wege auf sich zu nehmen. Sie überwinden enorme Distanzen, überqueren Meere und riskieren ihr Leben – oftmals unter Bedingungen, die extreme körperliche und psychische Belastungen mit sich bringen. Diese Wege zeugen von außergewöhnlicher Widerstandskraft und einem tief ver- wurzelten Willen zur Zukunft. In einer Welt globaler Mobilität sind es diese Menschen, die unter großen Risiken Grenzen überschreiten und damit auf ganz eigene Weise Teil eines globalen Geschehens werden. Christine Umpfenbach ist Regisseurin und Autorin. Ihre dokumentarischen Theaterprojekte befassen sich mit gesellschaftspolitischen Themen. Ihr Stück „9/26 – Das Oktoberfestattentat“ wurde für den Mülheimer Dramatikerpreis 2021 nominiert. Denijen Pauljević in Belgrad geboren, flüchtete während der Jugoslawien-Kriege nach Deutschland. Der Autor und Dramaturg studierte inter- kulturelle Kommunikation und nahm an der Drehbuchwerkstatt an der Hochschule für Fernsehen und Film München teil. 14

Jurykommentar Fußball und Theater. Theater und Fußball. Ob die beiden Aktivitäten wohl irgendet- was gemeinsam haben? Eigentlich sind sie sich sogar sehr ähnlich, außer vielleicht, wenn es um gesellschaftliche Relevanz geht? Fußball ist allseits bekannt und heiß geliebt. Auf allen Teilen der Welt sind bestimmte Mannschaften und Fußballspieler*innen große Idole. Erfolgreiche*r Fußballspieler*in zu sein, wird häufig mit Ruhm und Reichtum assoziiert. Ruhm gibt es auch im Theater abzustauben. Reichtum eher weniger. Die Idee der Thea- tergruppe des „Bellevue di Monaco“, Fußball und Theater gemeinsam zu denken, ist eine besonders brillante. Denn sie beweist, wie inklusiv und anschlussfähig Theater sein kann. Schon zu Beginn des Stückes gelingt es den Schauspieler*innen, eine Nähe zum Publikum zu schaffen, indem sie über Heldenfiguren sprechen, die wir alle kennen: Messi, Ronaldo, Müller. Das Publikum jubelt, hört zu, ist sofort dran an der Erzählung. Und in dieser Erzäh- lung setzen sich Karim Aldiri, Arya Durrani-Gill, Eyob Getachew, Fatemeh Hassani, Tracey Igbinosun, Henry John, Jochanah Mahnke, Mohammed Reda Talebi und Mina Vogel mit den Machtmechanismen von Fußball auseinander. Sie durchleuchten Unterschiede der Anerkennung und des Erfolgs im Frauen- und Männerfußball. Sie erzählen von den Träumen Vieler, entdeckt und in den Profifußball aufgenommen zu werden – in der Hoff- nung, so wirtschaftlicher und gesellschaftlicher Ungleichheit zu entkommen. Diese Men- schen sind Global Player: Sie mischen mit auf dem internationalen Markt und bewegen sich unabhängig von Grenzen. Ähnliche Grenzgänger*innen, also Global Player, sind aber auch die Schauspieler*innen dieser Inszenierung, denn sie lassen uns an ihren Geschich- ten teilhaben, die von Notständen handeln, von Fluchterfahrungen und Versuchen, Privile- gien zu erlangen, die einem bewusst verwehrt werden. Sie werden zu Held*innen, die das Publikum ähnlich bewundert und feiert, wie ihre Fußballikonen. Das alles sind komplexe Themen, vor denen manch eine*r zurückschrecken mag, weil sie treffen: ins eigene Verantwortungsbewusstsein, in die eigenen Privilegien. Und doch schreckt das Publikum nicht zurück, denn die Spielart der jungen Schauspieler*in- nen ist energiegeladen, authentisch und sehr charmant. Wenn sie immer wieder probie- ren, über die Rampe des Fußballfeldes zu springen, um auch dabei zu sein, wenn sie ihre Fußballikonen feiern, wenn sie sich von Genderstereotypen im Fußball lossagen, wenn sie sich in ihrem Mut, scheinbar normierte Grenzen zu überschreiten, empowern – zahlreich sind die Momente, in denen das Publikum gebannt am Geschehen hängt, wie echte Fuß- ballfans eben. In der Symbiose von Theater und Fußball gelingt es den Akteur*innen von „Global Player“, strukturelle Fragen mitreißend, barrierearm, mit spielerischer Leidenschaft und Freude an theatralen Mitteln zu bearbeiten. Solch ein politisches Theater sollte es häufi- ger geben! Antigone Akgün 15

Maschallah Stückentwicklung von und mit jungen Menschen aus Weimar und Umgebung Junges DNT Deutsches Nationaltheater und Staatskapelle Weimar Weimar, Thüringen Von und mit Emil Fischer, Lou-Amelie Groth, Runa Martha Hoffmann, Ronja Klein, Thalia Lauer, Jan Port, Arne Reißenweber Angelika Andrzejewski Regie Silja Reimer Bühne und Kostüme Jannik Strohm Musik Beate Seidel Dramaturgie Annika Bosch Musikalische Einstudierung Maya Gomez Bewegungstraining Antonia Donat, Tobias Ludwig Video Thomas Geiler Licht Emilie Losfeld, Jan Port Regieassistenz und Abendspielleitung Thomas Fischer Ton Charlotte Hildesheim, Leonie Martins, Kornelia Bloßfeld Maske Susanne Hillmann Inspizienz Hinweis In dieser Inszenierung kommt Stroboskoplicht zum Einsatz und es werden sensible Themen wie Krieg, Flucht und Zerstörung thematisiert. Do 5.6.2025 20:00 Haus der Berliner Festspiele, Seitenbühne 17

Produktion und Ensemble „Maschallah“ ist ein Wortspiel. Es bedeutet Anerkennung, Freude über ein Ereignis oder eine Person. Zugleich verbirgt sich dahinter der Name der Autorin, mit der sich dieses Theaterprojekt beschäftigt: Mascha Kaléko, eine der bedeutendsten Lyrikerinnen der Vor- und Nachkriegszeit. Nach verschiedenen Workshops an Schulen fand ein Ensemble zusammen. Seit Oktober 2024 haben sie sich mit Kalékos Leben und Werk spielerisch auseinanderge- setzt und ausgewählte Gedichte bearbeitet. Aus dem großen Pool an Tagebucheinträgen, Lyrik und biografischen Beschreibungen entwickelte die Dramaturgin Beate Seidel eine Textfassung. Diese wurde mit dem Ensemble besprochen, getestet und im Probenprozess immer wieder angepasst. Zudem recherchierten die Spieler*innen die Migrations- und Kriegserfahrungen ihrer eigenen Familien in den letzten 100 Jahren. Diese wurden in die Inszenierung integriert. Alle Beteiligten stellten dabei fest, dass auch ihre Familienge- schichten geprägt sind von Umbrüchen, Lebens- und Ortsveränderungen sowie unaus- gesprochenem oder verschüttetem Wissen – als eine Folge des Krieges, des Kriegsendes und den daraus erwachsenden Fluchtbewegungen. Mascha Kalékos zeitloser Umgang mit Sprache und ihre alltäglichen Beobachtun- gen – gerade in politisch radikalen Zeiten – sind besonders zugänglich. Sie ermöglichen den jungen Darsteller*innen, sich in einem Theaterabend mit den Themen Krieg und Heimatlosigkeit auseinanderzusetzen und Verbindungen zur Gegenwart herzustellen. Als Autorin der Neuen Sachlichkeit schrieb Kaléko hoffnungsvoll gegen den oft schwer er- träglichen Alltag an: „Jage die Ängste fort und die Angst vor den Ängsten … Zerreiß deine Pläne und halte dich an Wunder.“ Ihre Gedichte schaffen einen Leitfaden, sich Umbrüchen unerschrocken zu stellen. Der Abend richtet sich an junge und ältere Erwachsene, Schulgruppen, Mascha- Kaléko-Liebhaber*innen und an all jene, die ihre Lyrik entdecken wollen. Angelika Andrzejewski geboren 1981, studierte Sozialarbeit an der Alice-Salomon-Fachhochschule und Theaterpädagogik an der Universität der Künste Berlin. Sie arbeitete als freischaffende Theaterpädagogin am Heimathafen Neukölln und Theater Strahl in Berlin. 2010 bis 2017 war sie am Staatstheater Braunschweig engagiert und wirkte dramaturgisch wie künstlerisch an der Arbeit der Braunschweiger Bürgerbühne „Stadt-Theater“ mit. Seit der Spielzeit 2017/18 leitet sie am Deutschen Nationaltheater Weimar das Junge DNT mit partizipativen Angeboten für Kinder, Jugendliche und Erwachsene. 18

Jurykommentar Das Stück „Maschallah“ des Jungen DNT Weimar beeindruckt durch seine tiefgrün- dige und sensible Auseinandersetzung mit der Lyrik und dem Leben von Mascha Kaléko. Die Darsteller*innen verleihen den Worten eine emotionale Tiefe – sie berühren, be- wegen und laden das Publikum zum Innehalten und Nachdenken ein. Die Inszenierung besticht durch eine kluge dramaturgische Struktur, durch die es gelingt, persönliche und historische Ebenen wie Lyrik und Tagebucheinträge miteinander zu verweben. Die ausgewählten Texte und ihre szenische Umsetzung zeigen die Vielsei- tigkeit von Kalékos Werk und machen ihre Themen wie Exil und Identität sowie ihre Sehn- sucht eindringlich spürbar. Die Bühne ist mit Holzbänken und aus Holz gefertigten Landkarten ausgestattet, die dem Raum eine besondere Tiefe verleihen und auch als Projektionsfläche genutzt werden. Sechs junge Erwachsene setzen sich intensiv mit dem Werk dieser mutigen und kühnen Dichterin auseinander, deren Gedichte mit Vitalität, Humor und Ernsthaftigkeit die Facetten des Lebens beleuchten. Dabei suchen die Spieler*innen nach persönlichen Anknüpfungspunkten und bringen ihre eigenen Perspektiven in das Stück ein. Die Gruppe tanzt und singt virtuos, lässt die Zeit stillstehen, um im nächsten Mo- ment den Rhythmus zu wechseln und die Schwere abzuschütteln. Die Darsteller*innen nutzen den Raum perfekt aus und erzeugen durch ihren variantenreichen Ausdruck eine beeindruckende Dynamik. Insgesamt erlebe ich während des Stückes ein Wechselbad der Gefühle: Der Atem stockt, das Herz klopft, ich lache und bin zutiefst berührt, erschrecke und bin dann wieder fröhlich. Diese emotionale Achterbahnfahrt ist der klugen Struktur der Inszenierung zu verdanken, die den Rhythmuswechsel und die Leichtigkeit aufgreift, die Mascha Kaléko in ihren Gedichten vereint. Auch die ästhetische Umsetzung verdient Anerkennung: Das Bühnenbild mit den Landkarten als Projektionsflächen und die Lichtgestaltung fügen sich harmonisch in die Inszenierung ein und unterstützen die emotionale Wirkung der Szenen. Die musikalische Untermalung und der geschickte Einsatz von Stimme und Körperspra- che verstärken die Wirkung der Worte und schaffen eine dichte Atmosphäre. Die Ensembleleistung ist herausragend: Alle Beteiligten tragen mit einer intensiven und einfühlsamen Darstellung zur Gesamtwirkung bei. Die enge Verknüpfung der individu- ellen Ansätze der jungen Darsteller*innen mit dem literarischen Erbe Kalékos macht diese Produktion zu einem bewegenden Erlebnis. „Maschallah“ ist nicht nur eine Hommage an Mascha Kaléko, sondern auch ein lebendiges Beispiel für die Kraft von Poesie und Theater als Mittel der persönlichen und gesellschaftlichen Reflexion. Eine außergewöhnliche Inszenierung, die noch lange nach- wirkt. Canip Gündoğdu 19

Produktion und Ensemble Wir sind das Leistungszentrum Schwarzer Kasten. „My Body is a Cage“ – die Aus- einandersetzung mit der Gelehrtentragödie aus „Faust I“ – ist unser erstes gemeinsames Stück. Wir spielen alle seit der fünften Klasse Theater an der Albert-Einstein-Schule. Wir sind zwischen 14 und 19 Jahre alt. Der Altersmix bringt neue Perspektiven. Weil wir uns als Kollektiv verstehen, arbeiten wir demokratisch an unseren Ideen und Zielen. In „Faust I“ geht es darum: Ein Mensch, hochgelehrt, freier Zugang zu Bildung, viel Zeit und finanzielle Mittel … aber er hat Schranken im Kopf, setzt sich selbst Grenzen und steckt fest – im ewig Gestrigen. Stagnation: My Body is a Cage. Plötzlich bekommt er ein Angebot, das er nicht ablehnen kann, es scheint der Ausstieg aus seiner Misere zu sein. Aber das Angebot ist genauso rückwärtsgewandt wie sein ganzes bisheriges Leben. Pro- gression und Wandel gleich null. Dennoch: Hey! Ein Augenblick der absoluten Zufriedenheit! Für diesen Moment geht er einen Pakt mit dem Teufel ein. Den Körper befreien. Wir sitzen tagtäglich in unseren Studierstuben und sammeln Bildung – oder das, was die Ministerien glauben, was Bildung für uns sein soll. Geist-Körper-Clash. Ist das nicht alles eine Symptombekämpfung und die Reflexion über das, was geändert werden müsste, bleibt aus? Wir spielen dann halt mal Blockflöte?* *Auszug aus dem Koalitionsvertrag der neuen Hessischen Landesregierung zum Thema Kulturelle Bildung: „Wir werden ein Blockflötenprojekt mit Schulanfängerinnen und Schulanfängern starten, bei dem die Grundschülerinnen und Grundschüler eine Blockflöte und die Lehrkräfte passendes Unterrichtsmaterial erhalten. So wollen wir Kin- dern möglichst früh das Tor zur Welt der Musik öffnen.“ Andrea Fischer ist Theaterpädagogin, Zeichnerin und Druckgraphikerin mit einem M.A. in Philosophie und Kunstpädagogik. Seit 2005 arbeitet sie mit Kindern, Jugendlichen und jungen Erwachsenen an Theaterprojekten. Seit 2013 ist sie für die Hessische Lehrkräfteakademie tätig. Außerdem macht sie künstlerische Interventionen in Schulen und im öffentlichen Raum. 22

Jurykommentar Die Theater-AG der Albert-Einstein-Schule Groß-Bieberau präsentiert mit „My Body is a Cage“ eine bemerkenswerte Interpretation von Goethes „Faust I“ (Gelehrtentra- gödie). Statt den Klassiker unnahbar zu inszenieren, nutzen die jungen Theaterschaffen- den den Stoff für eine lebendige, humorvolle und kritische Auseinandersetzung mit Bildung und gesellschaftlichem Druck. Dabei lassen sie den klassischen roten Faden – wie die Gretchenfrage – bewusst hinter sich. Faust wird zum Symbol für eigene Schulerfahrungen, die oft von sturer Wissensver- mittlung, ohne Raum für Kreativität geprägt sind. Ein Beispiel für die subtile Kritik ist der wiederholte, „nervige“ Einsatz von Blockflöten, der auf den in hessischen Schulen einge- führten Pflichtunterricht anspielt. Die Inszenierung ist gespickt mit solchen Anspielungen. Die Aufführung ist alles andere als gewöhnlich: Ein türkises Pferdchen als „Pudel“ hoppelt vor fragenden Gesichtern entlang, eine abgedrehte Beschwörung findet statt, Hexen agieren im Hobby-Horsing-Modus und ein*e skurrile*r Mephista*o erscheint in wechselnden Gestalten. Diese Mischung aus absurden Ideen und sprudelnder Energie sorgt für eine Aufführung, die von Spielfreude und Kreativität lebt. Ja, manchmal wird es chaotisch, aber genau dieses kontrollierte Chaos fesselt die Zuschauenden. Die Interaktion mit dem Publikum ist interessant oder ein Wagnis. Direkte Haus- aufgabenfragen und andere schulische Provokationen sind nicht immer bequem, bringen aber genau die gewünschte Dynamik in den Raum und lösen die Barriere zwischen Bühne und Zuschauer*innen auf. Nicht alles davon ist für jede*n Zuschauende*n angenehm, doch scheint es bewusst eingesetzt zu werden, um das Publikum herauszufordern, Teil des Geschehens zu werden. Das Ensemble überzeugt durch ehrliche Spielfreude. Diese Überdrehungen und das Spiel mit Klischees und Stereotypen in spießig-karierten Hemden verleihen der Inszenie- rung ihren charmanten Charakter. Die Theater-AG zeigt mit ihrem Stück, dass Goethe und Schulkritik sich nicht aus- schließen. Im Gegenteil: Diese Mischung aus Spielwitz, kreativer Freiheit und klarer Bot- schaft bleibt im Gedächtnis und macht Lust auf mehr. Es ist ein Beispiel dafür, wie Theater nicht nur unterhalten, sondern auch zum Hinterfragen anregen kann – und dabei viel Spaß macht. Wer Lust auf eine unkonventionelle, freche Inszenierung hat, sollte sich das nicht entgehen lassen. Warum das Stück „My Body is a Cage“ heißt…? Das fragt ihr am besten die Gruppe direkt. Andreas Kroder 23

Produktion und Ensemble Die Theatergruppe am Goethe-Gymnasium Schwerin – TaGGS arbeitete mehr als ein Jahr an diesem Projekt. Der Kern der Gruppe spielt schon seit drei Jahren gemeinsam Theater, zuerst im AG-Bereich, dann gab es Zuwachs, heute ist es ein Oberstufen-Grund- kurs. Ausgangspunkt für diese Produktion war ein Recherche- und Schreibprojekt zu den Biografien und Familiengeschichten der Schüler*innen. Es ging um Klassismuserfahrun- gen, Genderthemen, Identitätsfindung, um das Verorten in der eigenen Gruppe, um das Hinterfragen elterlicher Autorität. Freund*in- und Feind*inzuweisungen wechseln schnel- ler als in anderen, späteren Lebensphasen. Große Behauptungen, Statements, aber auch Weltveränderungsträume fanden aufs Papier. Zunächst erschienen die Texte aus den Schreibwerkstätten zu privat, zu intim, zu heftig für die Aufführung auf der Schulbühne, aber zu wichtig, um sie zu verwerfen. Umso praktischer war es, die eigenen Themen im Stoff von Schillers „Die Räuber“ wiederzufin- den, das zu nutzen, was gefällt – und herauszulassen, was zu weit weg erschien. In der Auseinandersetzung mit der Textgrundlage erzeugte vor allem die kraftvolle Sprache und der kompromisslose Ton der Moorbrüder Resonanz. So entstand eine eigene Stückentwicklung – wie aus einem Steinbruch zusammen- gesetzt: mit eigenen Texten, Schiller-Fragmenten, Kommentaren zu einzelnen Motiven und viel Bewegung. Und da sind auch kleine Filmszenen im Dunkeln – sie zeigen nur an- gedeutet, wohin man sich verirren kann, wenn man sich nachts heimlich davonstiehlt, um Regeln zu brechen, die andere gemacht haben. Anne-Kathrin Holz studierte an der Universität Leipzig und in Rostock. Seit 1991 ist sie Lehrerin für die Fächer Theater, Deutsch und Geschichte am Goethe-Gymnasium Schwerin und etablierte dort Darstellendes Spiel als Schulfach im Wahlpflichtbereich und als Ober- stufen-Grundkurs. Seit 1991 ist sie Ensembleleiterin der Theatergruppe TaGGS und war mit ihren jährlichen Schultheaterpro- duktionen bereits mehrfach zum Theatertreffen der Jugend und zum Schultheater der Länder eingeladen. Sie ist an der Ent- wicklung der Rahmenpläne für den Theater-Unterricht in Mecklenburg-Vorpommern beteiligt und betreut dort als Fachleitung das neu eingerichtete Fachseminar Darstellendes Spiel / Theater. 26

Jurykommentar Wir hören die Stimme von Kurt Cobain von Nirvana mit „Come as You Are“. Diese Songzeilen begleiten uns während des Theaterabends, doch „wer bin ich, wie soll ich sein, was will ich nicht sein?“ Die Theatergruppe am Goethe-Gymnasium Schwerin – TaGGS arbeitet seit Jahren als jahrgangsübergreifendes Ensemble und verbindet kontinuierliche Kursarbeit mit ge- meinschaftlichen Aktivitäten. Über einen längeren Zeitraum ist die Gruppe zusammenge- wachsen und seit über einem Jahr wurde am Projekt gearbeitet. Das Projekt „Nur die Freiheit?“ ist eine Stückentwicklung, basierend auf biografi- schen Texten der Schüler*innen und Motiven aus Schillers „Die Räuber“. Das Bühnenbild ist minimalistisch mit Getränkekisten, die mal einen Wald oder eine Spelunke darstellen. Die eigenen Textfragmente werden mit Versatzstücken aus „Die Räuber“ und Kom- mentaren zu Motiven des Dramas zur ganz eigenen, vor der persönlichen Lebenswelt aus- gehandelten Frage nach Freiheit und Gesetzestreue. So wie Karl und Franz die Grenzen der Freiheit im Widerstreit mit dem Gesetz verhandeln, so probt die Gruppe, an die ganz eigenen, jugendlichen Grenzen zu kommen, die mit 16 Jahren eine Rolle spielen. Kurt Cobain hat über „Come as You Are“ in einem Interview gesagt: „It’s just about people and what they are expected to act like.“ Brüche und Widerstand entstehen gera- de da, wo die Freiheit sich zeigt, indem gesellschaftliche Erwartungen in Frage gestellt, problematisiert oder abgelehnt werden. So lädt uns die Gruppe in „Nur die Freiheit?“ ein, mitzukommen. Dabei wird „Come as You Are“ zum erneuten Ausgangspunkt, beginnend mit einem kleinen, zarten „Nein …“. Fernando da Ponte 27

Produktion und Ensemble Angst kann überall hin, überall rein und über alles hinweg. Sie ist in mir, in dir, im System, in dem wir leben. Evolutionsbiologisch ist Angst überlebenswichtig. Ohne Angst kein Überleben. Sie warnt uns vor Gefahren und bringt uns in Bewegung. Auch für unser System ist unsere Angst überlebenswichtig: Wir leisten, verdienen, bauen auf, sichern ab. Wir messen, vergleichen, kaufen und konsumieren. Das weiß auch die Marktwirtschaft. Ein ganzes Jahr lang haben wir uns mit unseren Ängsten beschäftigt. Das Internet hat uns viele Angebote gemacht, um weniger Angst zu haben – weniger Angst, allein zu sein, weniger Angst, nicht schlau genug, schön genug, gut genug, normal genug zu sein. Aber das kostet alles Geld, und wir wissen nicht, ob wir jemals genug Geld haben werden. In einer einjährigen Probenzeit wurde „Project Fear“ mit dem Jugendensemble 24 der Jugendtheaterwerkstatt (jtw) Spandau entwickelt. Jeweils einmal die Woche und an intensiven Wochenenden setzten sich die Spieler*innen mit ihren Ängsten im Zusammen- hang mit unserem neoliberalen System auseinander. Olivia Meyer Montero arbeitet als Theatermacherin und Schauspielerin in Berlin. Sie war bisher u. a. am St. Galler Stadttheater, der Volksbühne im Prater und seit 2016 am Atze Musiktheater tätig. Seit 2022 leitet sie jährlich eine Stückentwicklung in der Jugendtheater- werkstatt (jtw) Spandau und das „Theatersprachlabor“, das sich mit Mehrsprachigkeit auf der Bühne beschäftigt. Marco Sternsdorf ist als Sounddesigner, Musikproduzent und Performancekünstler in Berlin tätig. Mit seinem Unternehmen „BaumSoundBer- lin“ bietet er seit 2020 professionelle Sounddesigns und Musikproduktionen an, sowie Workshops zu den Themen Musikpro- duktion, Rap und Songwriting. Marcos García Pérez ist bildender Künstler, Zeichner und Kunstvermittler in Berlin. Seit 2023 entwickelt er mit den Jugendgruppen der Jugend- theaterwerkstatt (jtw) Spandau wandelbare Installationen für ihre Stücke. Im Fokus steht das Experimentieren mit Materialien sowie der künstlerische Prozess als gemeinschaftliche Praxis. Die Bühne entsteht im Spiel. 30

Jurykommentar Wer Angst hat, sollte sich „Project Fear“ unbedingt anschauen. Wer keine Angst hat, sollte sich „Project Fear“ auch unbedingt anschauen. Wer irgendwo dazwischen liegt… bitte unbedingt anschauen. Es wird euch allen guttun. In diesem 50-minütigen Stück gehen wir zusammen mit den Spielenden durch eine emotionale Achterbahn. Wir lachen, wir weinen, wir schreien, naja, in uns hinein, denn es wäre ungewöhnlich, aus dem Zuschauer*innenraum herauszuschreien – obwohl das Be- dürfnis da ist. Die Spielenden packen uns mit ihrer großen Energie, ihrem Selbstbewusst- sein und ihrem scharfen Fokus. Wir kriegen Angst, wenn wir Sätze hören wie: „Wir haben Angst davor, wie die Welt einmal sein wird. Wir wissen nicht, wie wir einmal leben werden. Oder sollen oder können oder dürfen. Ob wir zu den Erwachsenen werden können, die wir gerne wären.“ Gleichzeitig wird uns diese Angst genommen. Wir sehen, dass es andere Menschen gibt, die unsere Ängste teilen, dass wir uns ihnen nicht alleine stellen müssen und sollen. 25% der Menschen haben in ihrem Leben mindestens einmal eine Angsterkrankung. Man könnte sagen, es ist normal, Angst zu haben. Aber was ist normal? Und ist es überhaupt normal, dass wir diese Tatsache als „normal“ bezeichnen? Evolutionsbiologisch sei Angst überlebenswichtig, sagen die Spieler*innen auf der Bühne. Na dann. Gegenüber Angst haben wir keine Kampfstrategien, wir sollten sie einfach akzeptieren, umarmen, einen Pakt mit ihr schließen. Ein altes Sprichwort lautet: „Einen Keil schlägt man mit einem Keil heraus.“ Wenn laute Musik und Geschrei im Unterbewusstsein automatisch Angst auslösen, dann ist es vielleicht eine gute Idee, diese Angst mit einem Punk-Song zu bearbeiten. Auch wenn „Project Fear“ so viele Highlights hat und auf ganz unterschiedlichen Ebenen mit dem Publikum kommuniziert, möchte ich an dieser Stelle ein Lob aussprechen für den Punk-Song, der uns empowert, der unsere Angst wegtreibt, der uns einlädt mitzu- singen, mitzuschreien, unsere Emotionen loszulassen. Und das tut wirklich gut! Jelena Bosanac 31

Produktion und Ensemble Heutzutage sind wir dauerhaft von Nachrichten umgeben. Ein Blick in unseren Insta-Feed und wir sind schockiert, belustigt, interessiert, verstört und erschüttert. Wir wissen, wie privilegiert wir sind und dass Privilegien davon leben, dass andere sie nicht haben. Aber wer würde freiwillig auf sie verzichten? Ja, wir wollen helfen, aber wie viel würden wir wirklich tun und was bringt das? Ist Mitgefühl sinnvoll oder nicht? Diese vielen Videos. Das Blut, das Leid und die Überschwemmungen! Oh, ein süßes Katzenvideo … Mit diesen Themen haben sich Anna Quitzke, Alma Maria Orlamünder und Johan- na Murr in ihrer Performance „SCHLAG ZEILEN“ auseinandergesetzt. Die Performance entstand innerhalb des Jugendperformance-Festivals „UNART“ in Dresden und wurde dort im März 2024 uraufgeführt. Der Entstehungsprozess wurde von dem Coach René Bornstein begleitet. Die drei Performer*innen haben sich über verschiedene Produktio- nen der „Bürger:Bühne“ in Dresden kennengelernt und das Stück gemeinsam entwickelt. „SCHLAG ZEILEN“ gibt einen persönlichen Einblick in die Gefühlswelt der Performer*in- nen beim Konsum von Nachrichten. Dabei lädt die Performance das Publikum ein, auch die eigenen Gefühle und Gedanken zu reflektieren. Gibt es den idealen Weg mit unseren Privilegien umzugehen? Wann hast du das letzte Mal alles in deiner Macht Stehende getan, um eine Situation zu verbessern? Wann hast du dich das letzte Mal bewusst da- gegen entschieden? Bist du wütend, wenn dein Umfeld weniger oder mehr Mitgefühl zeigt als du? „SCHLAG ZEILEN“ versucht das Theater als politischen Raum zu nutzen und uns alle daran zu erinnern, dass wir mit der Überforderung nicht allein sind. Auch wenn im Theater die Verantwortung für unsere Welt thematisiert wird, bleibt für das Ensemble am Ende immer noch die Frage: Wie absurd ist es eigentlich, dass auf der Welt so viele Katastrophen passieren und wir es uns herausnehmen, eine Perfor- mance darüber zu entwickeln, wie wir mit den Nachrichten umgehen? 34

Jurykommentar Ein Klavier, ein Tisch, ein Ringlicht, ein Walking Ball, eine Gitarre, 15 Minuten und drei energiegeladene Performer*innen. Mehr braucht es nicht, um im Publikum eine Flam- me zu entzünden und im Schlaf geglaubten Aktivismus zu erwecken. Die Performance „SCHLAG ZEILEN“ des Staatsschauspiels Dresden entstand im Rahmen des Performance-Festivals „UNART“. Vorgabe des Festivals ist es, in vier Monaten, mit kleinem Budget und der Unterstützung eines Coaches, hier Musiker René Bornstein, eine 15-minütige Performance zu entwickeln. Dabei entstand sowohl ein ästhe- tisches Erlebnis für die Augen als auch ein Klangraum für die Ohren. In Zeiten einer überwältigenden Gegenwart haben die drei Performer*innen Alma, Anna und Johanna drei Inseln des Umgangs gefunden: Aktivismus, kreativen Output und Rückzug. Mit großen Bildern, körperlichem Einsatz und einer mitreißenden Kraft nehmen sie das Publikum mit in ihre Auseinandersetzung mit der Frage: Wie viel kann ich tun, um die Welt zu verändern und ist das, was ich tue, genug? Auf Demos gehen, Flugblätter schreiben, Songs entwickeln (übrigens sind fast alle Songs hier selbst geschrieben!), weiterbilden – sich und andere. Dabei stoßen sie mit uns gemeinsam auch an ihre Gren- zen. Denn ein Mensch kann nur so viel tun, wie die körperlichen und mentalen Kapazitäten es zulassen. Ein Rückzug in die eigene Bubble ist deshalb von Zeit zu Zeit notwendig, um wieder aufzutanken und zu sich zu finden. Neben den drei sichtbaren Inseln zeigt uns das Team von „SCHLAG ZEILEN“ noch eine vierte Möglichkeit: Zusammenhalt. Sie tun sich mit dem Publikum zusammen. For- dern es auf. Holen es raus aus der untätigen, zuschauenden Konsumhaltung, rein in den eigenen Aktivismus. Sie sammeln Spenden, verteilen Infozettel zu Petitionen, rufen zu Demos auf und zeigen uns, dass es nicht darum geht, dass eine*r alles tut, sondern Viele viel. Das ist die Kraft, die es für Umstürze braucht. „SCHLAG ZEILEN“ beweist, dass eine Performance nicht lang sein muss, um Tiefe zu erzeugen und zu berühren. Und so darf man aus der Performance den eigenen Taten- drang mit nach Hause nehmen. Mai-An Nguyen 35

Delegierte der Zwischenauswahl AUF DIE FRESSE Produktionslabor der ACADEMY Bühnenkunstschule Berlin Von und mit Jana El-Khalaf, Felipa Goltz, Fanny Poensgen, Lola Witzmann Felix Lüke Regie Valentin Merk Produktion Milena Nowak Licht Sünje Petersen, Paula Wohlgemuth Assistenz Zum Stück Das Theaterstück „Auf die Fresse“, entwickelt im Produktionslabor der ACADEMY Bühnen- kunstschule, wurde von ehemaligen Teilneh- merinnen gemeinsam mit dem Schauspieler und Musiker Felix Lüke erarbeitet. Im Zentrum steht die Auseinandersetzung mit gesell- schaftlichem Druck, Beschleunigung, Chan- cengleichheit und Freiheit. Auf einer redu- zierten Bühne, die an einen Boxring erinnert, arbeiten sich die Spielerinnen an der Absurdi- tät einer Ellenbogengesellschaft ab, in der Anspruch und Wirklichkeit auseinanderklaffen. Inspiriert von künstlerischen und wissen- schaftlichen Texten sowie eigenem Material, versucht das Stück mit Musik und Sprache Widerstand und Veränderung zu artikulieren. Ausradiert Eine theatrale Recherche auf den Spuren Betroffener der NS-Eugenik-Verbrechen in Thüringen Kooperation zwischen stellwerk junges theater, Lernort Weimar e.V., Friedrich- Schiller-Universität Jena und Kunstfest Weimar im Rahmen des Projektes „beredtes Schweigen“, Thüringen Von und mit Ella Deußing, Marie-Louise Gans, Alex Gorschkow, Anna Lagaude, Ronja Naujoks, Clara Perschel 36 Anke Zapf Live-Illustration auf der Bühne projekt-il Künstlerische Leitung Melanie Heyne Choreograﬁe Stefanie Heiner Dramaturgie projekt-il Bühne Sara Drasdo Kostüm Philipp Münnich Sounddesign Jannik Strohm Video Alex Gorschkow, Elinor Marie Greyer Produk- tionsassistenz Victoria Kerl Dramaturgieassistenz Philipp Münnich, Jannik Strohm, Agnes Weidenbach Technische Einrichtung Zum Stück „Ausradiert“ ist ein dokumentarisches Theaterprojekt. Im Zentrum stehen die oft vergessenen Opfer der NS-Eugenik-Verbre- chen – Menschen, die zwangssterilisiert oder ermordet wurden. Basierend auf Biografien, historischem Material und einer Graphic Novel entstand eine bildstarke Collage mit Live-Illu- strationen, eigenen Texten und Choreogra- fien. Das Stück macht verdrängte Geschichte sichtbar, stellt Bezüge zur Gegenwart her und schafft Raum für Austausch – besonders auch an originalen Täterorten in Thüringen. Ein ein- dringliches Plädoyer gegen das Vergessen. Concord Floral Theaterprojekt der Theater-AG der Oscar- Paret-Schule (OPS) Freiberg am Neckar, Baden-Württemberg Von und mit Greta Drehmann, Mareike Epperlein, Deniz Ela Güdükoglu, Damon Hielscher, Lena Mansberg, Nils Marek, Annika Meier, Linda Schindlbeck, Ella Schönbrodt, Leon Seefeldt, Gloria Selas Alvarez, Tara Chloe Rönn, Mika Wagner, Fiona Wolday Uli Gmeiner Chorleitung Achim Vetter Technikleitung Lin Gennrich, Marina Zorn Regie Jordan Tannahill Text

Zum Stück Können wir den Erinnerungen entkommen und vergessen, war wir getan haben? „Concord Floral“ erzählt von jungen Menschen, die in einem Gefälle von Mobbing und Hierarchien von Schuld, Scham und Angst heimgesucht werden – Emotionen, die sie mit Lästereien und Scheinfreundschaften zu verdrängen versuchen. Im Zentrum steht Nearly, die nach einer verstörenden Entdeckung zur Außen- seiterin wird. Das Stück verhandelt Macht, Er- innerung und soziale Ausgrenzung in einer fra- gilen Schulwelt, in der Beliebtheit vermeintlich Schutz bietet – bis sie endet. Die Inszenierung verbindet poetische Sprache, Chor-Elemente und Musik wie Mozarts „Lacrimosa“, um eine atmosphärisch dichte, mystisch aufgeladene Erzählung zu schaffen. Ein kollektiver künst- lerischer Prozess, der die Perspektiven junger Menschen ernst nimmt. Die besten Jahre deines Lebens Jugendclub Die Aktionist*innen des Maxim Gorki Theaters Berlin Von und mit Adam Lusena Ash, Clara Brüggemann, Lisa Filla, Caspar Gierden, Michael Grauberger, Nader Hmeidan, Paty Mondlane, Karl Rixen, Vito Madita Wegner, Carla Ziegenbalg Modjgan Hashemian Leitung Felix Remme Bühne Dennis Ennen Kostüme Zum Stück In dieser Produktion haben sich Die Aktio- nist*innen, der Jugendclub des Maxim Gorki Theaters 2023/24, dem Thema Schule ge- widmet. Sie schrieben Texte, kreierten Cho- reografien, führten Interviews, fotografierten Klotüren in Schulen, musizierten und diskutier- ten endlos – vielstimmig, persönlich, politisch. Entstanden ist eine vielschichtige Collage aus eigenen Texten, Interviews, Tanz, Musik und Alltagsbeobachtungen, die von Einschulung bis Abitur reicht. Sie erzählt von Erwartungen, Ausgrenzung, Träumen und Brüchen, vom Druck des Bildungssystems und der Frage, ob Schule wirklich aufs Leben vorbereitet. Eine ehrliche, kreative Auseinandersetzung mit einem System, das alle betrifft – ohne einfache Antworten, aber mit kollektiver Neugier und kritischem Blick. Die Leiden der jungen Werte Eine SchauSpielRaum-Produktion Junges SchauSpielHaus Hamburg Hamburg Mit Balach Baloch, Hema Böckelmann, Lena Domagk, Ella Kiesel, Aleksandra Moll, Jette Specht, Ilja Vidanov, Ylvi Weber Till Wiebel Regie Karlotta Matthies Bühne und Kostüm Nico-Alexander Wilhelm Musik und Chor Nina Quast Regieassistenz Zum Stück „Werther“ – ein Klassiker wird neu gelesen: 250 Jahre nach Goethes Briefroman setzen sich junge Menschen zwischen 16 und 21 mit dem Stoff auseinander und übersetzen ihn ins Heute. Entstanden ist eine Inszenierung, die Werther nicht nur als tragische Figur, sondern als Archiv überholter oder fortwirkender Werte begreift. Was bedeutet Liebe im 21. Jahrhun- dert? Welche Vorstellungen von Romantik tragen wir weiter – und welche wollen wir hin- terfragen? Vielleicht leiden bei einer Lektüre im 21. Jahrhundert ja vielmehr die Werte als der Werther. Aber was, wenn man sich letztlich selbst Hals über Kopf in eben diesen Werther verliebt? Zwischen Weltschmerz, Identifikation und Ironie entsteht ein vielschichtiger Blick auf ein berühmtes Werk, das noch immer berührt – und provoziert. 37

Heißes Wasser für alle Theaterjugendclub „Sorry, eh!“, Schauspiel Leipzig Leipzig, Sachsen Von und mit Alissa Albrecht, Rojin Anousha, Emily Becker, Marlena Bender, Minchen Böhme, Helen Breddemann, Greta von Drygalski, Victoria Faber, Oskar Franz, Joshua Gebril, Max Herbst, Sarah Hohendahl, Lili Huth, Raphael Kaballo, Frieda Mennert, Lilith Michealis, Alma Nossek, Nina Marleen Riedel, Amélie Richter, Johanna Schäfer, Sophie Schollek, Charlotte Tienken, Nele Waszner, Emilia Wüstrich Yves Hinrichs, Mattheo Fehse Regie, Bühne Amelie Gohla Theaterpädagogik Katharina Stock Kostüme Philipp Schroeder, Robert Gotthardt Video Paul Spiering Choreograﬁe Gwendolin Kyra Schmerer Musikalische Einstudierung Sarah Berger Clubassistenz Mattheo Fehse Licht Robert Gotthardt Videotechnik Gregory Weis, Lukas Zeidler Ton Jens Glanze Inspizienz Anja Engert, Astrid Storch Maske Sebastian Hubel Requisite Mattheo Fehse, Thomas Kalz Bühnenmeister Zum Stück Die Produktion kombiniert Szenen aus den Texten „Girlsnightout“ und „Heißes Wasser für alle“ von Gesine Danckwart. Die Texte wurden in der Entstehung der Produktion zur Projektionsfläche einer jungen Generation auf der Suche nach Sinn, Nähe und Selbstbestim- mung. Sie sind gefangen in einer unbändigen Sehnsucht, einem ständigen „Warten auf“ und einer beinah unerträglichen Einsamkeit, die sich in ihren Körpern, ihrem Denken und ihren Vorstellungen äußern. Es entfalten sich fragmentarische Gedankenwelten, die von Schönheitswahn, Leistungsanspruch und kör- perlicher Selbstoptimierung geprägt sind. Die Spieler*innen erschaffen in ihrer Inszenierung 38 ein vielschichtiges Echo ihrer Lebensrealitäten – poetisch, roh und unmittelbar. Ein Stück über das Warten, das Verlorensein und den Versuch, überhaupt spürbar zu bleiben. Jason und die Astronauten Theaterkollektiv B14 Berufliches Gymnasium des Beruflichen Schulzentrum BSZ für Elektrotechnik Dresden Dresden, Sachsen Mit Jeremy Arved Andrae, Jonatan Bartsch Americo de Jesus, Maximilian-Cristian Bria, Julian Budahn, Wolf-Julius Hempel, Felizian Hermann, Dmytro Krynytskyi, Julian Laurence Luge, Matthias Matthews, Philip Purjahn, Julius Weißleder, David Widiger, Luiz Fernando Wuitz Andreas Pucka Leitung und Produktionsma- nagement Ben Graul theaterpädagogische Begleitung, Textbearbeitung, Ausstattung und Bühnenbild Sebastian Kutschka von Rothenfels, Jonatan Bartsch Americo de Jesus, Wolf-Julius Hempel Assistenz, Souﬂage Jeremy Arved Andrae Choreograﬁen Christophe Minton Video Bruno Boy, Constantin Thoms Graﬁk, Illustra- tionen Jeremy Arved Andrae Licht Wolf-Julius Hempel Ton Zum Stück „Jason und die Astronauten“ ist eine radika- le Neufassung der Argonautensage, in der antike Helden zu Raumfahrer*innen im 27. Jahrhundert werden. Das Theaterkollektiv B14 verbindet klassische Mythen mit Science- Fiction-Elementen und stellt zentrale Fragen nach Ressourcen, Macht und dem Sinn des Aufbruchs in einer krisengeschüttelten Welt. Wofür lohnt es sich, als junger Mann in der heutigen Welt, die gebeutelt ist von Kriegen, Katastrophen und Konservatismus, noch zu träumen und zu leben? Entstanden als Jahres- projekt von Schüler*innen der Jahrgangsstufen

12 und 13, reflektiert die Inszenierung poetisch und politisch zugleich, was es heute heißt, jung zu sein – zwischen Hoffnung, Zukunftsangst und der Sehnsucht nach etwas Größerem. Luzi* lebt Young Pathos Kollektiv München, Bayern Von und mit Joe Bogner Carbó, Spüli Himmelreich, Franz Lang, Virginia Obiakor Joe Bogner Carbó, Chris Hohenester Künst- lerische Leitung Zum Stück „Luzi* lebt“ erzählt die Geschichte eines queeren Engels, der sich den patriarchalen Strukturen des Himmels – und damit Gottes – entzieht. Inspiriert von Luzifers Fall wird daraus ein empowernder Aufbruch aus normativen Zwängen. Die vier Darsteller*innen verweben ihre persönlichen Erfahrungen mit Luzi*s Geschichte zu einer bewegenden Collage über Identität, Rebellion und Befreiung. Entstanden im kollaborativen Prozess, feiert das Stück die Schönheit im vermeintlich Bösen – sinnlich, politisch und radikal persönlich. Ohne Worte Alle für Alle, Carl-Orff-Gymnasium Unterschleißheim, Bayern Von und mit Clara Beck, Kira Eichstetter, Robert Kümmel, Annika Löb, Anna Majorovits, Louisa Schnur- bein, Lenny Strobel, Alexandra Teubler, Domi- nic Winter Tobias Afghanizada, Stefanie Baunoch, Martin Schlue, viele weitere Studierende und Aus- zubildende Kooperationspartner*innen der Augustinum Werkstätten Zum Stück „Ohne Worte“ ist ein berührendes, inklusives Erinnerungsprojekt, das aus einem For- schungsansatz hervorging und sich zu einem vielschichtigen Theaterstück entwickelte. Es erzählt die Geschichten zweier Männer – Helmut und Franz – deren Lebenswege durch Gehörlosigkeit und gesellschaftliche Ausgren- zung geprägt sind. Die Spieler*innen setzten sich im Rahmen eines Forschungsprojekts intensiv mit den Biografien der beiden aus- einander, führten Interviews, vertieften die Recherchen und verwoben ihre Erkenntnisse zu einer bewegenden Bühnenfassung, die Tanz, Text und Gebärdensprache vereint. Das Stück vermittelt eindrucksvoll, wie aus anfäng- licher Neugier tiefe Empathie, Freundschaft und schließlich struktureller Wandel entstehen können. Sehnsucht ist… Flammensemble, Freie Gruppe, Jugend- KULTURcafé Franzmann Düsseldorf, Nordrhein-Westfalen Von und mit Alina Dittmann, Adrian Geulen, Arun Juman Göttmann, Julia Manafzadeh, Liam Metelerkamp, Ecenaz Ökmen, Lio Spieker, Elisa van den Bogaard, Carolin Wilhelmine Müller Carolin W. Müller, Kollektiv Künstlerische Leitung Zum Stück Was passiert, wenn ich allein mit mir bin? Wie rede ich mit mir selbst? In diesem Stück wird der innere Mono- und Multilog einer Person gezeigt, die versucht, einen Text vorzutragen – und dabei immer tiefer in sich selbst eintaucht. Die Texte der Spieler*innen entstanden zuerst einzeln, wurden dann gemeinsam bearbeitet und zu einem kollektiven Stück verwoben. Jede*r kann jederzeit alles sprechen. Eine Collage aus lesungsartigen Szenen, die von lebhaften spielerischen Sequenzen durchbro- chen werden. Ein zentrales Motiv der Texte ist die Sehnsucht – nach Sinn, nach Gefühl, nach Berührung. Ein poetischer Abend über Allein- sein, Schmerz und die Frage: Was bleibt, wenn alles still wird? 39

Jury Antigone Akgün Frankfurt am Main Antigone Akgün arbeitet als Regisseurin und Performerin an deutschsprachigen Stadt- und Staatstheatern und in der freien Szene. Nach einer Schauspielausbildung in Griechen- land studierte sie Theater-, Film- und Medienwissenschaf- ten, Griechische Philologie, Klassische Archäologie und Phi- losophie in Frankfurt sowie Dramaturgie an der Hessischen Theaterakademie. In ihrer künstlerischen Praxis beschäftigt sie sich mit der Überschreibung kanonischer Literatur und versucht, Multiperspektivität hör- und sichtbar zu machen. Mit „2069 – Das Ende der Anderen“ (Schauspielhaus Bochum, 2020) wurde sie zum Heidelberger Stückemarkt eingeladen. 2021 war sie mit ihrem Debütstück „Das Erste Festmahl” für das Hans-Gratzer-Stipendium am Schau- spielhaus Wien nominiert. 2022 inszenierte sie am Theater Bremen Brechts Stückfragment „Der Brotladen“. Sie ist dem Kinder- und Jugendtheater sehr verbunden – seit 2018, zu- nächst als Jungjurorin, beim Theatertreffen der Jugend und 2022/2023 als Kuratorin des AUGENBLICK MAL! – Festival des Theaters für junges Publikum. Jelena Bosanac Berlin Jelena Bosanac, geboren 1987 im ehemaligen Jugosla- wien, ist Diplom-Schauspielerin der Akademie der Künste, Belgrad. Sie hat in mehreren Filmen und Theaterproduktio- nen in Serbien sowie im Ausland gespielt. Jelena studierte Performance Studies an der Universität Hamburg und leitete oder begleitete mehrere Projekte mit Kindern und Jugend- lichen als Schauspiel-Coach und Choreografin. Diese Arbeit führte sie zum Master-Studium Theaterpädagogik an der Universität der Künste in Berlin, das sie im Jahr 2018 abgeschlossen hat. Derzeit arbeitet sie als freischaffende Theaterpädagogin und Schauspielerin in Berlin sowie als Theater- und Filmregisseurin. 40 Canip Gündoğdu Bielefeld Canip Gündoğdu, geboren 1978 in Tavşanlı, Türkei, aufge- wachsen in Castrop-Rauxel, lebt seit 2000 in Bielefeld. Der studierte Erziehungswissenschaftler und Theaterpädagoge leitet transkulturelle sowie integrative Theaterprojekte und Theaterinszenierungen mit Schüler*innen aller Schulfor- men. Seine Leidenschaft sind Clownerie- und Theaterwork- shops mit Kindern, Jugendlichen und Erwachsenen. Seit einigen Jahren leitet er Theatergruppen am Stadttheater Bielefeld und Umgebung. Die Produktionen „Parallele Welten I – Die Insel“ (2012), „Parallele Welten III – Ehrlos“ (2016) sowie die Gruppe Wunderbar mit dem Stück „Blick nach vorn“ (2017) wurden zum Theatertreffen der Jugend nach Berlin eingeladen. Darüber hinaus arbeitet er als Klinikclown, als Trainer in berufsvorbereitenden Angeboten und als Dozent für verschiedene Fort- und Weiterbildungs- einrichtungen, wie z. B. die LAG Spiel und Theater NRW e. V. Andeas Kroder Kiel Andreas Kroder, geboren 1972 in Freiburg im Breisgau, unterrichtet seit 2010 am Wolfgang-Borchert-Gymnasium in Halstenbek, Schleswig-Holstein, die Fächer Darstellen- des Spiel, Deutsch, Geschichte und Wirtschaft/Politik; davor Lehrtätigkeiten in verschiedenen Bundesländern wie Baden-Württemberg und Bayern und Schulformen wie Real-, Gesamt-, Regional- und Gemeinschaftsschule. 2012 übernahm er die Spielleitung der wo-bo-theater-ag und nahm mit den wechselnden Ensembles und ihren Eigenpro- duktionen an unterschiedlichen landes- und bundesweiten Theaterfestivals wie dem Schultheater der Länder und dem Theatertreffen der Jugend in Berlin teil. Seit 2019 ist er als Studienleitung und Landesfachberatung für Darstellendes Spiel in der schulischen Aus-, Fort- und Weiterbildung in Schleswig-Holstein tätig und seit 2022 fördert er u. a. als Vorstandsmitglied des Bundesverbandes Theater an Schulen (BVTS) die schulische Entwicklung des Fachs Dar- stellendes Spiel. Rieke Oberländer Bremen Rieke Oberländer studierte Kulturwissenschaften und äs- thetische Praxis mit Schwerpunkt Theater an der Universität Hildesheim. Sie arbeitet als Leiterin der Theaterpädagogik am Theater Bremen, wo sie u. a. Vermittlungsangebote wie Workshops für Schulen und Bildungseinrichtungen und Inszenierungsprojekte mit Kindern, Jugendlichen und Er- wachsenen realisiert. 2019 war ihre Produktion „Just a four letter word“ zum Bundestreffen Jugendclubs an Theatern in Saarbrücken eingeladen. Rieke Oberländer ist Dozentin für Fortbildungen im Bereich Darstellendes Spiel. Eine macht- kritische Perspektive ist ihr wichtig. Sie initiiert Projekte mit unterschiedlichen Institutionen der Bremer Stadtgesell- schaft und arbeitet als Betriebsrätin an theaterinternen Veränderungsprozessen mit. 2010 bis 2015 war sie Leiterin des Forums beim Theatertreffen der Jugend.

Mai-An Nguyen Berlin 1989 in Cottbus geboren und aufgewachsen, machte sie ihre ersten und prägendsten Theatererfahrungen am Pic- colo Theater und verbrachte dort ihre gesamte Jugend. Von 2011 bis 2014 studierte Mai-An Nguyen Theaterpädagogik an der Hochschule Osnabrück/Campus Lingen. Bereits während des Studiums wurde sie Teil des Ausschusses „Jugendclubs an Theatern“ des Bundesverbandes Theater- pädagogik und engagierte sich ehrenamtlich bis 2017 für das Bundestreffen „Jugendclubs an Theatern“, zuletzt als Jurysprecherin. 2014 trat sie ihr Erstengagement an der neuen Bühne Senftenberg unter der Leitung von Manuel Soubeyrand an. 2017 führte ihr Weg an das Maxim Gorki Theater unter der Leitung von Shermin Langhoff, wo sie in enger Zusammenarbeit mit Uta Plate das Vermittlungspro- gramm zur Arbeit des Exil Ensembles entwickelte. Seit 2019 arbeitet sie an der Schaubühne am Lehniner Platz, wo sie seit 2020 die Theaterpädagogik leitet. Fernando da Ponte Rotenburg (Wümme) Fernando da Ponte, geboren 1982 in Averomar, Portugal, unterrichtet seit 2010 als Lehrkraft Theater/Darstellendes Spiel, Philosophie und Politik in Hamburg, Berlin-Kreuzberg und seit 2024 an der Integrierten Gesamtschule Roten- burg (Wümme) in Niedersachsen. In dieser Zeit leitete er mehrere Jahre das Netzwerk „Schule mit Courage“ am Hermann-Hesse-Gymnasium in Berlin, kooperierte eng mit dem Maxim Gorki Theater (UnArt und Tusch, TuschPlus) unter anderem an dem berlinweiten klassenübergreifen- den Projekt „Klassen.los“ und am Festival „Future Words“. Von 2016 bis 2021 bildete er Referendar*innen aus, unter anderem zum theatralen Philosophieren, von 2021 bis 2024 war er die Fachaufsicht für Philosophie/Ethik in Berlin und fördert seit 2024 die Implementierung des Fachs Theater an der Integrierten Gesamtschule Rotenburg (Wümme). Rahmatallah Ramzi Magdeburg Rahmatallah Ramzi, geboren 2001 in Sri Lanka, stand mit sechs Jahren das erste Mal auf der Bühne. Dort spielte sie in klassischen Theaterstücken, darunter Shakes- peares „Hamlet“, sowie in Theatermusicals, mit denen sie an Wettbewerben teilnahm. Diese frühen Erfahrungen prägten ihre Leidenschaft für das Theater, welches für sie eine neue künstlerische Heimat wurde. 2017 kam sie nach Deutschland und schloss sich dem Cactus Junges Theater in Münster an. Dort wirkte sie in vier Produktionen mit, darunter „TISCHmanieren“ beim Festival der Demo- kratie und „Hoping For…“ unter der Regie von Judith Suermann. „Hoping For…“, ein Stück, das vom Ensemble Cactus Junges Theater entwickelt wurde, befasste sich mit dem Thema Frieden und wurde 2024 zum Theatertreffen der Jugend eingeladen. Seit Oktober 2023 studiert sie Ge- bärdensprachdolmetschen in Magdeburg. Ihr Ziel ist es, in Zukunft mit gehörlosen Menschen Theater zu machen, um neue Perspektiven auf der Bühne sichtbar zu machen. 41 David Paraschiv Berlin David Paraschiv ist ein Rom aus Rumänien, er lebt seit 2015 in Berlin. Er ist anerkannter Erzieher und studiert derzeit Soziale Arbeit. Nach vielen Jahren des Engagements bei RomaTrial e. V., wo er unter anderem im Bildungsprogramm gegen Antiziganismus „WIR SIND HIER!“ sowie im Bündnis „BARE“ für Roma*-Empowerment arbeitete, ist er heute Vorstandsmitglied der neu gegründeten Organisation Das Kombinat e. V. Neben seiner politischen Arbeit ist David Paraschiv auch als Schauspieler tätig. Unter anderem spielte er am Théâtre de la Solé in Paris im Stück „Schreiben oder Leben“, basierend auf dem Buch von Jorge Semprún. Gemeinsam mit der Jugendgruppe WIR SIND HIER! und Kuringa e. V. entwickelte er ein Forum-Theaterstück, das 2022 zum Theatertreffen der Jugend eingeladen wurde. Lene Wollwerth Braunschweig Lene Wollwerth, geboren 2002 in Berlin, inszenierte ihr erstes Stück im Rahmen ihrer Abiturprüfung zum Thema Zwangsstörungen bei Frauen. Anschließend absolvierte sie ein Freiwilliges Soziales Jahr Kultur (FSJK) im theaterpäd- agogischen Bereich des Maxim Gorki Theaters, in welchem sie die Assistenz des Gorki X Jugendclubs übernahm. 2021 gründete sie gemeinsam mit Emma Jörgeling die freie Theatergruppe Elektrolyse, schrieb und inszenierte das Stück „ICH BIN ROT“, in welchem die Tabuisierung von Menstruation thematisiert wird. „ICH BIN ROT“ wurde auf verschiedenen Theaterfestivals aufgeführt, unter anderem beim Theatertreffen der Jungend 2023. Seit Oktober 2022 studiert sie Darstellendes Spiel und Kunstwissenschaften an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig.

Kuratorium Annette Steenken Bundesministerium für Bildung und Forschung, Berlin (Vorsitz) Monika Bürvenich Bundesministerium für Bildung und Forschung, Berlin Michael Grabis Ministerium für Bildung Rheinland-Pfalz, Mainz Annett Israel Kinder- und Jugendtheaterzentrum in der Bundesrepublik Deutschland, Büro Berlin, Theater an der Parkaue Tonio Kempf Bundesverband Theater an Schulen e. V., Hamburg Marc-Oliver Krampe Bundesakademie für kulturelle Bildung Wolfenbüttel, Programmbereich Darstellende Künste Esther Yungsung Lisa Rüden W3_Werkstatt für internationale Kultur und Politik, Hamburg Uwe Schulz Ministerium für Kinder, Jugend, Familie, Gleichstellung, Flucht und Integration des Landes Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf Ingund Schwarz Bayerisches Staatsministerium für Unterricht und Kultus, Wissenschaft und Kunst, München Catrin Wafula Senatsverwaltung für Bildung, Jugend und Familie, Berlin Renate Raschen Die Senatorin für Kinder und Bildung, Freie Hansestadt Bremen Michael Zimmermann Bundesarbeitsgemeinschaft (BAG) Spiel und Theater e. V., Bielefeld 42

Statistik Bewerbungen insgesamt: 60 Produktionsort Schulischer Bereich Gemeinschaftsschule: 1 Gesamtschule: 3 Realschule: 1 Berufliches Gymnasium: 1 Gymnasium: 12 Stadtteilschule: 2 Kooperation Schule und Theater/Tanzhaus: 1 Außerschulischer Bereich Bürgerbühne: 3 Theatergruppe an einem freien Theater: 5 Jugendclubs an einem Stadt-/Landes-/ Staatstheater: 12 Jugendclub an einem Kinder- und Jugend- theater: 4 Freie Gruppen: 16 Alterszusammensetzung aller Ensembles Überwiegend bis 14 Jahre: 3 11 bis 21 Jahre: 2 13 bis 21 Jahre: 7 14 bis 23 Jahre: 7 Überwiegend 15 bis 19: 13 Gemischt 15 bis 28: 2 Gemischt 16 bis 26: 15 Gemischt 18 bis 28: 7 Generationsübergreifend: 4 43 Verteilung auf Bundesländer Baden-Württemberg: 3 Bayern: 7 Berlin: 16 Brandenburg: 2 Bremen: 1 Hamburg: 2 Hessen: 2 Mecklenburg-Vorpommern: 1 Niedersachsen: 4 Nordrhein-Westfalen: 7 Rheinland-Pfalz: 1 Sachsen: 5 Thüringen: 8 Guatemala: 1 Spieler*innen gesamt: 764 Weiblich: 491 Männlich: 246 Divers: 20 Keine Angabe: 7

Weitere Treffen junge Szene der Berliner Festspiele 2025 12. Tanztreffen der Jugend 27. September bis 3. Oktober 2025 42. Treffen junge Musikszene 19. bis 24. November 2025 Bewerbungen sind noch bis zum 31. Juli 2025 möglich. 40. Treffen junger Autor*innen 20. bis 24. November 2025 Bewerbungen sind noch bis zum 15. Juli 2025 möglich. 44 Informationen zu den Wettbewerben und den Bewerbungsbedingungen auf: berlinerfestspiele.de/treffen-junge-szene Das Programm der Treffen junge Szene gliedert sich in drei Säulen: Auf der Bühne erfolgen die öffentlichen Präsentationen der Arbeiten der ausgewählten Künst- ler*innen. In verschiedenen Workshop- und Gesprächsformaten können die Teilneh- mer*innen sich austauschen. Das Forum richtet sich an künstlerische Leitungen und Studierende der jeweiligen Bereiche der kulturellen Jugendarbeit. Die Treffen junge Szene der Berliner Fest- spiele umfassen vier Bundeswettbewerbe, die gefördert werden vom Bundesministe- rium für Bildung und Forschung (BMBF).

Team Thetertreffen der Jugend Berliner Festspiele Leitung Susanne Chrudina Ein Geschäftsbereich der Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin (KBB) GmbH Produktions-/Organisationsleitung Renate Kligge Intendanz Matthias Pees Dramaturgie/Organisation Rahmenprogramm Daja Vogt Kaufmännische Geschäftsführung Charlotte Sieben Mitarbeit Daniela Gromer, Juliane Spence Johannes Ambrosius, Niklas Brubach, Vivien Dawit, Siera Sowe (Studentische Mitarbeit) Leonie Müller (FSJ Kultur), Mila Božić (Praktikum) Leitung Kommunikation Claudia Nola Leitung Technik Matthias Schäfer Berliner Festspiele Schaperstraße 24 10719 Berlin + 49 30 254 89 0 info@berlinerfestspiele.de berlinerfestspiele.de Die Berliner Festspiele werden gefördert von Das Theatertreffen der Jugend ist Teil der Treffen junge Szene der Berliner Festspiele und wird als Bundeswettbewerb gefördert vom Danke an alle Mitarbeiter*innen der Berliner Festspiele. Magazin Herausgeber Berliner Festspiele Redaktion ARTEFAKT Kulturkonzepte, Daja Vogt Graﬁk 3pc Druck PIEREG Druckcenter Berlin GmbH Copyright 2025 Berliner Festspiele, Autor*innen und Fotograf*innen Bildnachweise S. 4 Michael Helbig, S. 8 Lukasz Lawicki, S. 12 Judith Buss, S. 16 Candy Welz, S. 20 Sina Kuhlins, Olaf Mönch, S. 24 HMT Rostock, S. 28 Patryk Witt, S. 32 Sebastian Hoppe, S. 45 Berliner Festspiele, Foto: Dave Grossmann Stand Mai 2025 Programmänderungen vorbehalten 46